A música disco (também conhecida em inglês disco music ou, em francês, discothèque) é um gênero de música de dança cuja popularidade atingiu o pico em meados da década de 1970. Teve suas raízes nos clubes de dança voltados para negros, latino-americanos e apreciadores de música psicodélica, além de outras comunidades na cidade de Nova York e Filadélfia durante os anos 1970. Mulheres abraçaram bem o estilo, sendo consideradas “divas”, vários grupos também foram populares na época. O estilo é conhecido por ser o primeiro abraçado por casas de dança, denominados "discotecas" e posteriormente apenas clubes. As principais influências musicais incluem o funk, a música latina, psicodélica e a soul music. Arranjos de música clássica como acompanhamento são frequentes no estilo, criando um som cheio de colcheias e fusas mas ao mesmo tempo muito repetitivo. A introdução de arranjos orquestrais é uma herança do som da Motown. As linhas de baixo elétrico vindo do funk, e os cantores geralmente preferiam cantar em falsete. Na maioria das faixas de disco, cordas, metais, pianos elétricos e guitarras criam um som de fundo luxuriante. Ao contrário do rock, a guitarra é raramente usada em solos.

Nu-disco (também conhecido como New disco ou Disco house) é um gênero musical surgido no início dos anos 2000, associado a um interesse renovado na música disco americana dos anos 70 e na música euro disco dos anos 80, com forte uso de sintetizador em uma instrumentação house.

Pelo menos uma história moderna da " disco espacial " traça as origens do gênero a temas de ficção científica (espaço sideral, robôs e o futuro) nos títulos, letras e arte da capa da dance music no final dos anos 1970. Associações plausíveis são traçadas entre a popularidade de Star Wars (lançado em meados de 1977), a subsequente onda de interesse em temas de ficção científica na cultura popular e o lançamento de uma série de temas de ficção científica e sons "futuristas" ( sintetizador e arpejador infundido) música disco em todo o mundo. As faixas de space disco de maior sucesso comercial foram " Star Wars Theme/Cantina Band ", e " Automatic Lover " (1978) de Dee D. Jackson , com cada música alcançando o top ten em vários países, incluindo o Reino Unido.

Electroclash (também conhecido como synthcore, retro-electro, tech-pop, nouveau disco e a new new wave é um gênero de música que funde new wave e electro dos anos 1980, synth-pop com o techno dos anos 90, electropop e electronic dance music. Surgiu no final dos anos 90 e costuma ser considerado como atingindo seu pico por volta de 2002/2003. Foi pioneira e associada a atos como I-F, Miss Kittin,, The Hacker e Fischerspooner.

Electropop é uma variante da música synth-pop que coloca uma maior ênfase num som eletrônico mais intenso e por vezes repetitivo, caracterizado por caixas de ritmos e sintetizadores proeminentes. O gênero tem visto um renascimento de sua popularidade e influência desde o fim dos anos 2000. Durante o início da década de 1980, artistas britânicos como Gary Numan, The Human League, Soft Cell, John Foxx e Visage ajudaram a criar um novo estilo synth-pop que se inspirou mais fortemente na música eletrônica e enfatizou o uso primário de sintetizadores, enquanto o estilo electro foi amplamente desenvolvido por Afrika Bambaataa, que foi fortemente influenciado pela Yellow Magic Orchestra e Kraftwerk, e por sua vez influenciou o estilo de música pop dos anos 1980 de Madonna.

Hi-NRG (pronunciado High-Energy) é um gênero de música eletrônica que surgiu no Reino Unido diretamente influenciado pela música disco e pop no final da década de 1970. O gênero tem um ritmo rápido (uma raridade na disco music), marcado e simplificado juntamente à sons eletrônicos. Ao mesmo tempo, partilhada com outros sub-gêneros de composição de música eletrônica.

Hi-NRG (pronunciado High-Energy) é um gênero de música eletrônica que surgiu no Reino Unido diretamente influenciado pela música disco e pop no final da década de 1970. O gênero tem um ritmo rápido (uma raridade na disco music), marcado e simplificado juntamente à sons eletrônicos. Ao mesmo tempo, partilhada com outros sub-gêneros de composição de música eletrônica.

Synth-pop (abreviação de synthesizer pop, do inglês: pop sintetizador) também chamado de technopop, é um subgênero da música new wave, que surgiu como um gênero distinto no Japão e no Reino Unido na era pós-punk, pré-definido no final da década de 1960, apresentando o uso do teclado sintetizador como o instrumento musical dominante, substituindo progressivamente a guitarra, no rock progressivo, música eletrônica, art rock, música disco e, alcançou o auge na década de 1980. Porém é considerado mais semelhante a um estilo que propriamente um gênero musical.

Downtempo (também downbeat ou baixo tempo) é um estilo de música eletrônica cuja principal característica, como o próprio nome entrega, é ter um andamento calmo (do inglês, Down=baixo, lento; Tempo=andamento). As usuais batidas rápidas e dançantes (chamadas de uptempo) dão lugar a padrões de ritmo mais espaçados para que assim possam ser preenchidos por linhas melódicas e harmónicas mais concisamente. Downtempo não é um propriamente gênero, mas uma forma de se fazer música, de maneira que permite aproximar os ruídos e batidas sintetizados em sinergia com outros gêneros musicais - não necessariamente eletrônicos. O downtempo é bastante relacionado com dub, hip hop, trip hop, jazz, funk, soul, chill out, música ambiente, world music, música folclórica e pop.

Acid jazz – Gênero musical definido no final dos anos 1980 a partir da junção dos termos “jazz” e “acid house”, um tipo de música eletrônica. O estilo evoluiu a partir de colagens, feitas por DJs em compilações lançadas na Inglaterra, que misturavam faixas de jazz a batidas eletrônicas.

Música ambiente é um gênero musical que enfatiza o tom e a atmosfera sobre a estrutura ou ritmo musical tradicional. Pode faltar composição, batida ou melodia estruturada. Ele usa camadas de textura de som que podem recompensar a escuta passiva e ativa e encorajar uma sensação de calma ou contemplação. Diz-se que o gênero evoca uma qualidade "atmosférica", "visual" ou "discreta". Paisagens sonoras da natureza podem ser incluídas, e os sons de instrumentos acústicos, como o piano, cordas e flauta podem ser emulados através de um sintetizador.

Chill out (abreviado como chill; também escrito como chillout ou chill-out) é uma forma vagamente definida de música popular caracterizada por sua composição harmoniosa (tempos lentos), relaxada e calma. A definição de "música chill-out" evoluiu ao longo das décadas e geralmente se refere a qualquer coisa que possa ser identificada como um tipo moderno de easy listening. Alguns dos gêneros associados ao "chill" incluem downtempo, clássica, dance, jazz, hip hop, world, pop, lounge e ambiente.

Chillwave, também chamado de glo-fi, é um gênero musical cujos artistas são frequentemente caracterizados pelo grande uso de efeitos sonoros, sintetizadores, loops, samples e vocais fortemente filtrados com simples linhas melódicas. O gênero combina as tendências da música dos anos 2000 de se voltar para música retrô dos anos 80 e (na música indie) o uso de sons ambiente, com pop moderno, como no electropop, post-punk revival, psych folk, nu gaze e witch house. É ocasionalmente descrito como "música de verão".

Intelligent dance music, ou IDM, é um termo que descreve um género de música eletrónica que apareceu no início de 1990, no final da era Rave britânica.Este estilo musical deriva de diversos estilos musicais,do dance music ao Techno de Detroit. Atualmente, nos EUA e Reino Unido, o termo tem sido substituído por Electrónica. O leque de estilos de música techno surgido no início de 1990 já foi descrita como techno arte, ambient techno, intelligent e electro. Nos Estados Unidos o último termo é hoje utilizado pela indústria da música como um rótulo para descrever o EDM (Eletronic Dance Music) e seus muitos derivados.

Traduzido de inglês-Illbient é um gênero de música eletrônica e um movimento artístico que se originou entre artistas influenciados pelo hip hop de Williamsburg, Nova York, por volta de 1994. DJ Olive e DJ Spooky, pioneiros do gênero, afirmaram ter cunhado o termo

Jazz é uma manifestação artístico-musical originária de comunidades de Nova Orleães, nos Estados Unidos. Tal manifestação teria surgido por volta do final do século XIX na região de Nova Orleães, tendo origem na cultura popular e na criatividade das comunidades negras que ali viviam, um de seus espaços de desenvolvimento mais importantes.

Psybient, também conhecido como "Psychill", é um gênero de música eletrônica que combina elementos de trance psicodélico, New Age e chillout. Muitos projetos de psybient também incorporam outros estilos como o glitch, dub e influências da Música do mundo. A maioria das canções psicogênicas são baseadas em eletrônicos, mas também podem incluir tons orgânicos. As peças de Psybient geralmente são estruturadas em torno do conceito de criar uma "viagem sonora" ou "jornada musical".

UK Garage é um descendente de House music de Chicago e Nova York. Geralmente apresenta um distinto ritmo 4 por 4 sincopado de percussão e tempo mais acelerado que seu antepassado o House, motivo pelo qual também era denominado em sua origem de "Speed Garage". As músicas do Garage também apresentam geralmente amostras vocais e samplers, completando a estrutura de base rítmica.

2-step garage , ou simplesmente 2-step , é um gênero de música eletrônica e um subgênero do UK garage . Uma das principais características do som de 2 passos - o termo sendo cunhado para descrever "uma rubrica geral para todos os tipos de ritmos irregulares e nervosos que não estão de acordo com o tradicional pulso de quatro no chão do garage " é que o ritmo carece do padrão de bumbo encontrado em muitos outros estilos de música eletrônica com uma batida regular de quatro no chão .

Dubstep é um gênero de música eletrônica que se originou no Sul de Londres, Inglaterra em meados finais da década de 1990. O site de música Allmusic descreveu seu som como "linhas de baixo muito fortes e padrões de bateria reverberantes, samples cortadas e vocais ocasionais."Suas origens remontam ao ano de 1999, sendo caracterizado por lançamentos em B-sides de discos 2-step garage. Essas faixas foram remixes mais experimentais, com menos ênfase nos vocais, e tentava incorporar elementos de breakbeat e drum and bass no 2-step. Em 2002, estas e outras músicas de dark garage começavam a ser exibidas e promovidas nas noites do London's night club Plastic People, na noite de "Forward", passando a ser consideravelmente influente para o desenvolvimento do dubstep.

Future garage é um gênero de dance music eletrônica . Incorpora elementos suaves do 2-step garage , com influências do UK garage e dubstep . Ou mesmo dubstep melódico combinado com dubstep ou brostep. Future garage também recebe influências de chillout , ambient , IDM , lounge , trip hop , downtempo , drumstep e grime criando produções modernas, desatualizadas, futuristas, relaxantes e calmas, mas também em algumas produções tem sons mais sombrios e sombrios. Também é descrito como tendo um estilo bastante relaxado com um ritmo de garagem de 2 passos. Costuma ser confundido com o pós-dubstep , mas este se distingue por não ser um gênero definido em si já que recebe demasiadas influências de gêneros muito variados. Geralmente tem um BPMde 110 a 140 BPM. Atualmente este gênero costuma ser experimental e seu maior expoente é o Enterro

Grime é um gênero de música urbana que surgiu em Bow, Londres, Inglaterra, no início da década de 2000, principalmente desenvolvido a partir do UK Garage. O Grime é influenciado por vários estilos de música urbana, como Hip Hop, Ragga, Jungle e o Drum and Bass, e partilha as mesmas características com o Dubstep e o Bassline sendo todos os três derivados do UK Garage. O Grime é caracterizado por usar batidas 2-Step ou Breakbeats a rondar os 140 bpm, Basslines semelhates aos do Drum and Bass e Dubstep e vários tipos de sons electrónicos. A nível de vocais, os MCs geralmente utilizam versos de 8 compassos diferenciando-se dos 16 compassos utilizados no hip hop.

Bassline é um gênero de música eletrônica proveniente do Reino Unido derivado da cena UK Garage local. Compartilha as mesmas carcterísticas de outros gêneros da mesma origem como Dubstep e Grime, porém, se diferencia pela valorização da linha de baixo.

O funky UK (às vezes chamado de UKF ou funky ) é um gênero de música eletrônica originário do Reino Unido que é fortemente influenciado pela house soul , soca , tribal house , the broken beat , grime e UK Garage . Normalmente, o funky do Reino Unido mistura batidas, loops de baixo e sintetizadores com percussão africana e latina no ritmo do dembow, bem como vocais de estilo R&B contemporâneo . O funky do Reino Unido usa tempos de cerca de 130 bpm. Os padrões de bateria geralmente também incluem percussão tocando ritmos de inspiração africana.

Após a primeira onda do punk em 1977, surgiram bandas americanas e europeias como Ramones, Dead Boys, Television, Sex Pistols e The Damned, e uma cena de grupo das cidades costeiras do sul da Califórnia emergiu nos Estados Unidos. Esses grupos levaram o punk rock ao extremo, acelerando o ritmo de suas canções, adicionando contexto social e político às suas letras e incorporando atitudes e formas visuais mais agressivas. Geralmente, eles consistem em crianças, surfistas, skatistas e suburbanos. Os dois são fãs de punk rock e esportes radicais, resolveram trazer seu mundo pessoal para a música e criaram um dos estilos com mais adeptos no rock, o Hardcore, que significa "hardcore". No Brasil, a palavra mais adequada para o nome desse estilo é "casca-grossa".

Breakbeat hardcore é um gênero de dance music eletrônica e um derivado da acid house, New Beat e techno music do final dos anos 80 e início dos anos 90, que combina ritmos de four-on-the-floor com breakbeats e está associado a a cena rave do Reino Unido. Além da inclusão de breakbeats, o gênero também apresenta padrões de bateria tamborilados, rolos de piano otimistas e sons de old-school hoover.

O darkcore ou doomcore é um gênero musical derivado do techno hardcore , caracterizado por um andamento lento oscilante, geralmente entre 130 e 160 BPM , e uma linha de pontapés semi distorcida . O gênero musical normalmente empresta o tema e os padrões sonoros dissonantes dos filmes de terror , acompanhados por uma atmosfera sombria e opressora, tudo misturado a um som industrial e barulhento . O breakcore é derivado do darkcore. darkcore às vezes também é chamado de hardcore rave.

O Gabber é um sub-gênero de Hardcore techno que tem sua origem em Roterdã (Holanda). O som específico de Roterdã, foi também criado como uma reação à cena house de Amesterdã, que foi visto como mais "esnobe e pretensiosa". Gabber é caracterizado pelo seu som do tambor, trabalhado de sobremaneira até ficar pesado. Ao fazer um semicorte em uma amostra de onda senoidal, se obtém uma onda quadrada de tom baixo. Devido a esta distorção, o mesmo tambor pode ser modificado para desenvolver um tom melódico. Além disso pode-se trabalhar diversos outros efeitos, englobando batidas mais rápidas e altamente distorcidas, groves, reverberações ao extremo, sons sintetizados, montagens com trechos de outras músicas sampleadas, etc ... Violência, drogas e temas subversivos são encontrados em letras de músicas gabber, exatamente como no hardcore. Outra característica marcante é a quantidade de batidas por minuto, que geralmente variam de 180 até 280. Seria, genericamente falando, o hardcore do hardcore. Gabber é uma palavra holandesa que significa literalmente "amigão" ou "amigo". e também é escrita como GABBA.

Hardtek ou Hardtekno é um estilo de música eletrônica que se baseia em hardcore, techno e new beat . É um dos gêneros musicais mais tocados em festas gratuitas e certos eventos musicais, e você também pode encontrar um vinil hardtek em uma loja de discos. Os tons Hardtekno ficam em algum lugar entre hardcore e Tribe. Seu tempo está entre 160 BPM e 220 BPM. Cada cadência de som Hardtekno é pontuada por um bumbo equivalente a um big bang em uma caixa. As músicas do Hardtekno podem incluir sequências vocais cobrindo questões atuais.

Schranz é um sub -gênero do techno com raízes européias , e tornou-se muito popular em algumas partes dos Estados Unidos . No entanto, às vezes Schranz é confundido com o sub -gênero do techno de Detroit muito semelhantes. O ouvinte atento ouvirá rapidamente as principais diferenças entre Schranz e sua contraparte regional. História. Embora o estilo musical tem vindo a desenvolver há algum tempo, o termo " Schranz " foi cunhado em 1994 por um DJ chamado Chris Liebing . O termo permaneceu incomum até o sub -gênero se tornou popular em 2001 Características. Schranz é caracterizada por perto comprimido looping , juntamente com tarola e oi- chapéu hits. Existe normalmente não muito estrutura melódica , como a música tende a confiar em batidas traseiras percussivos e entrelaçamento mínima de citações e amostras melódicas . Etimologia A significado da palavra " Schranz " não é clara , mas há pistas sobre por que ele é usado para descrever otimista e duro música techno de raízes alemãs . Em holandês, " schranzen " é um termo usado para descrever a mastigação audível. Alguns ouvintes acreditam que a pronúncia da palavra em si é utilizado para representar foneticamente os sons da música Schranz . Velocidade Schranz música é muitas vezes apresentada em um ritmo muito rápido ( ou velocidade ) . Normalmente, Schranz música é em qualquer lugar 150-180 batimentos por minuto. Alguns artistas optar por apresentar a música em um ritmo mais lento , em torno de 130 batimentos por minuto. Artistas notáveis ​​ Os artistas populares dentro do gênero Schranz incluem Chris Liebing , DJ amok , Mario Ranieri , Linda Pérola e DJ rush.

Speedcore é um estilo derivado do hardcore, tendo as características base deste último como o bass (baixo) quase sempre com a mesma intensidade e uma grande variedade de kicks, utilizado para dar batida e ritmo à música. O que distingue o speedcore do hardcore/gabber é o elevado número de batidas por minuto (300 a 15000 bpm). Os temas de speedcore mostram uma união entre a tecnologia e a agressividade do dia a dia das grandes cidades, no som, união entre o hardcore, o techno e o drum n'bass.

Electronicore (também conhecido como synthcore ou trancecore) é um gênero musical que descreve uma fusão estilística de metalcore ou post-hardcore com a música eletrônica, mais especificamente electronica e trance, podendo ainda incorporar vários outros estilos de música eletrônica como dubstep, EDM ou música ambiente.

O afro trap ou afrotrap é um gênero musical que combina trap, rumba congolesa, coupé-décalé, afrobeat e rap. O afrotrap surgiu em 2015 na França, sob a liderança do rapper MHD, o precursor do gênero, num movimento cultural que eclodiu no subúrbio parisiense, protagonizado por jovens de origem africana. O canal de televisão franco-alemão Arte descreveu o estilo da música sfro Trap em um documentário como "A música de uma geração que cresceu entre os sons da África e dos Estados Unidos"..O gênero se popularizou ao conquistar o mundo do futebol francês, ganhando fãs entre, Adrien Rabiot , Paul Pogba , Alexandre Lacazette e Samuel Umtiti.[3] O artista MHD , um rapper de origem guineense - senegalesa, é considerado o pioneiro desse gênero que ele chamou de "Afro trap". Outros praticantes deste gênero incluem os artistas Niska e Naza, ambos de origem congolesa.

No fim dos anos 90, existiam fãs de hip-hop que rejeitavam a comercialização do gênero. Eram os backpackers, termo que se refere ao fã que usava uma mochila repleta de livros, cadernos de rimas, tintas e vinis e ouvia apenas rap consciente ou underground. Rawkus era um dos selos favoritos dessa galera. Lançou clássicos de artistas como Mos Def e Company Flow antes de ser comprado pela Interscope, cometendo assim um pecado capital. As faixas do rapper El-P e do grupo Run The Jewels também são essenciais pra conhecer esse subgênero do hip-hop, além dos primeiros trabalhos do produtor Madlib – especialmente o álbum "The Unseen".

A base do gênero é aquele "boom" pesado seguido de um "bap" estalado, normalmente em BPM moderadas e sobrepostas ao restante instrumental. Nos primórdios do hip-hop praticamente toda música era boom bap, ainda que o termo não tenha entrado em circulação até os improvisos que fecham "It's Yours", faixa de T La Rock lançada em 1984. Depois disso, vieram os primeiros breakbeats, passando pelas inovações do sampling de Marley Marl, até à era dourada do rap nova-iorquino, quando nomes como DJ Premier, Large Professor e Pete Rock dominavam o cena.

Bounce é um estilo de música hip hop de Nova Orleães que se diz ter se originado no final dos anos 80 nos projetos habitacionais da cidade. Os artistas de bounce populares incluem DJ Jubilee, Partners-N-Crime, Magnolia Shorty e Big Freedia.O bounce é caracterizado por uma festa no estilo de chamada e resposta e cantos indianos do Mardi Gras e frases de dança que são freqüentemente hiperssexuais e controversas. Esses cantos e frases de destaque são tipicamente cantados sobre o " Triggerman beat ", que é uma amostra das músicas "Drag Rap" do Showboys e "Brown Beat" do Cameron Paul. O som do bounce foi moldado principalmente pela reciclagem e imitação da amostra "Drag Rap": seus tiques cromáticos de abertura, os gritos intermitentes da palavra "break", o uso do assobio como elemento instrumental (como ocorre na ponte), o codificado "drag rap"(que foram produzidos com o uso de sintetizadores e baterias eletrônicas e são facilmente amostrados ou reproduzidos usando elementos que soam semelhantes). Típico da música bounce é o "gritar" ou o reconhecimento de áreas geográficas, bairros e projetos habitacionais, particularmente da área de Nova Orleães

O chicano rap é um subgênero do Hip Hop, Rap Latino e Gangsta Rap que incorpora aspectos da cultura chicana da Costa Oeste e Sudoeste que tipicamente tem performance de rappers americanos de ascendência mexicana conhecidos como chicanos. O primeiro artista deste estilo foi Kid Frost, que em 1990 lançou o álbum de estúdio "Hispanic Causing Panic" que emplacou o single "La Raza". O rapper cubano-americano Mellow Man Ace foi o primeiro rapper a ter um single bilíngue usando gírias chicanas, em 1989. Ele, juntamente com Kid Frost e A.L.T. entre outros formaram o grupo Latin Alliance, que lançou um CD homonímio que tinha o hit "Lowrider (On The Boulevard)".Em 1991 A.L.T. lançou o álbum "Another Latin Time Bomb" que tinha seu próprio remake do hit "Tequila".Também no ano de 1991 o grupo "A Lighter Shade of Brown" lançou seu álbum "Brown & Proud" que incluía sucessos como "On a Sunday Afternoon" e "Latin Active". O grupo Cypress Hill que Mellow Man Ace era membro antes de se tornar artista solo, é às vezes considerado um grupo de Rap Chicano, por conta do uso de gírias e referências a mesma cultura em suas músicas e vídeos, além do fato do líder do grupo o rapper B-Real ser meio descendente de mexicanos. Eles foram o primeiro grupo de Rap Latino a alcançar o disco de platina, como Big Pun. Que é creditado a ser o primeiro artista solo do Rap Latino a alcançar o mesmo status por conta de vendas de um LP, sendo que Big Pun tem descedencia porto-riquenha e é natural da Costa Leste Americana. Cypress Hill também tem colaborado aos longos dos anos com o grupo co-irmão Psycho Realm que é liderado pelos irmãos Sick Jacken (Joaquin Gonzalez) e Big Duke (Gustavo Gonzalez).Em meados dos anos 90, Eazy-E formou o grupo Brownside, uma versão chicana do lendário grupo N.W.A. Durante toda década de 90, rappers chicanos como Kemo The Blaxican ex-membro do grupo Deliquent Habits e Sinful do grupo Tha Mexicanz começaram a usar influências das músicas mexicanas em suas produções embora este subgênero da música é por vezes referido hoje como "Urban Regional" e nem sempre representa o Rap Chicano. O grupo Akwid também tem influências de músicas regionais e tradicionais mexicanas em suas produções.

Chopped and screwed (also called screwed and chopped or slowed and throwed) is a music genre and technique of remixing music that involves slowing down the tempo and deejaying. It developed in the Houston hip hop scene in the early 1990s by DJ Screw. The screwed technique involves slowing the tempo of a song down to 60 and 70 quarter-note beats per minute and applying techniques such as skipping beats, record scratching, stop-time and affecting portions of the original composition to create a "chopped-up" version of the song.

Foi em 2010, depois que o rapper Lil B surgiu com suas músicas de estética flutuante, que o termo cloud rap surgiu e rapidamente se tornou o rótulo para descrever uma nova onda de artistas que favorecia sonoridades atmosféricas abstratas, perfeitas para uma escuta introspectiva no quarto, em vez da percussão mais tradicional do hip-hop. Entre os pioneiros do gênero estão artistas como Clams Casino Main Attrakionz e A$AP Rocky.

O hip-hop consciente tem suas letras focadas nos problemas sociopolíticos da sua geração, algo que sempre fez parte da história do rap, dos retratos da pobreza urbana de Grandmaster Flash And The Furious Five às meditações sobre dependência química de J Cole. KRS-One, Akala, Dead Prez, Talib Kweli e Boots Riley entram para essa seleção e são reconhecidos tanto como músicos quanto como ativistas, assim como Public Enemy, Paris, X-Clan e Kendrick Lamar, que têm como foco consciencializar as comunidades negras.

Country-rap é um subgênero da música popular fundindo a música country com o estilo de hip hop, tendo sido criado há aproximadamente 20 anos. O estilo também é conhecido como hick-hop, hill hop, hip hopry e country hop-hop. Entre seus principais artistas estão Lil Nas X,Boondox, Bubba Sparxxx, Cowboy Troy, Nappy Roots e Colt Ford. Chuck Eddy, jornalista musical estadunidense, traçou no livro The Accidental Evolution of Rock 'n' Roll que o gênero se aproxima de Woody Guthrie.

Durante boa parte dos anos 90, crunk era apenas uma gíria para empolgado, aparecendo em faixas como "Player's Ball", do Outkast, ou "Getting Crunk", da lenda do rap Tommy Wright III. Em 1997, Lil' Jon & The Eastside Boyz apoderaram-se do termo no disco "Get Crunk, Who U Wit: Da Album" e ele se tornou sinônimo de beats bem orientados, em uma espécie de proto-trap mais ameaçador, no qual a presença de um rapper improvisando ou gritando frases como "represent your shit, motherf**ker" era algo imprescindível.

Destra rap, ou rap destro, ou simplesmente rap de direita, é um subgênero do rap, uma vertente do political hip hop, porém com visão ideológica contrária, que surgiu no Recife em 2014. O destra rap aborda visões conservadoras e reacionárias, e possui o ponto de vista ideológico à direita e extrema-direita. O destra rap alcançou sua ascensão com o crescimento do pensamento direitista no Brasil, que iniciou em meados de 2013-2014, período de surgimento do bolsonarismo e olavismo. Considerado padrinho do subgênero, — também descrito pelos canais midiaticos como "movimento", — Luiz, o Visitante, um rapper pernambucano, foi o pioneiro no estilo e considerado o mais notável da vertente. A primeira canção descrita como destra rap foi "Bolsonaro, o Messias", que ficou popular em 2015, sendo executada amplamente no país, nas manifestações pelo impeachment de Dilma Rousseff.

Dirty Rap, Porn Rap ou Sex Rap, é um subgênero da música hip hop, que contém conteúdo principalmente em torno de temas sexuais. As letras são abertamente explícita, muitas vezes ao ponto de extrema ofensividade. Historicamente, Dirty Rap surgiu a partir da cena popular, Miami bass rap. No entanto, Dirty Rap fortemente influenciado pelo Baltimore Club, Ghetto House e GhettoTech. A maioria das canções de rap pornográficos têm sido usadas como trilhas sonoras de filmes pornográficos na década de 2000.

O drill é um gênero musical com origem no sul de Chicago, no fim da década de 2000. É definido pelo conteúdo sombrio, violento e niilista das suas letras e batidas sinistras influenciadas pelo Trap. O drill entrou no mainstream americano em meados de 2012, após o sucesso de rappers e produtores como Young Chop, Chief Keef, Lil Durk, Fredo Santana e Lil Reese, que tinham muitos fãs locais e uma presença significativa na Internet. A atenção da mídia e a contratação de músicos pelas grandes gravadoras se seguiram. Artistas do gênero são conhecidos por seu estilo de letras e associação com o crime em Chicago. Um subgênero regional do Reino Unido surgiu em Londres, particularmente no distrito de Brixton, no início de 2012. O drill do Reino Unido ganhou destaque em meados da década de 2010 e influenciou outras cenas regionais, como a australiana, brasileira, francesa, espanhola, irlandesa, italiana, holandesa e de Nova York. Nos outonos de 2020 e 2021, o jornal sensacionalista português Correio da Manhã e a sua versão televisiva, a CMTV, associaram a cena drill da área metropolitana de Lisboa à violência entre gangues na capital portuguesa e nos seus subúrbios, que terão resultado, inclusivamente, no homicídio de dois jovens.

A East Coast hip hop (ou Hip Hop da Costa leste) foi um subgênero regional do hip hop, que teve sua origem na cidade de Nova Iorque, durante a década de 1970. Tinha como rival a Costa Oeste. Tal rivalidade motivou a briga dos dois principais representantes de cada área: Tupac Shakur, da Costa Oeste, e posteriormente, The Notorious B.I.G., da Leste. A East Coast começou a ficar conhecida por EPMD, Run DMC, KRS-One, Public Enemy e Boogie Down Productions, LL Cool J entre outros grandes nomes do Hip-Hop.

Electro hop é um estilo musical que mescla o electro, electroclash, electropop, electronica, ou a techno com hip hop.

Electro (também chamado de electro-funk ou electro-boogie) um gênero de música eletrônica diretamente influenciado pelo uso da caixa de ritmos TR-808, sintetizadores Moog keytar e samplers de soul e funk (amostras ou cortes de sons de músicas e etc). As gravações do gênero fazem o uso típico de caixa de ritmos e linhas de baixo pesadas (bass line, graves trabalhados). Em geral sons desprovidos de vocais e quando presentes atual de forma impassível, através de efeitos de distorção eletrônicos, tais como por exemplo o uso de vocoders e talk boxes. Sendo esta a principal distinção em relação aos gêneros de electro proeminentes da década de 70 tais como a disco music e boogie onde o som eletrônico apenas fazia parte da instrumentação. No Electro o som eletrônico é a base de toda musica assim construída.

Emo rap (também conhecido como emo hip hop, sad rap, ou emo trap) é um subgênero de estilos de fusão do hip hop e emo[3] comumente usados em hip hop - especificamente no gênero trap e cloud rap - com temas líricos e vocais comumente encontrados em música emo, bem como elementos de outros gêneros do rock intimamente associados, como indie rock, pop punk e nu metal. Este subgênero do hip hop é principalmente caracterizado por, nas suas músicas, estar presente um grande apelo aos sentimentos. São temas frequentes o amor, os desgostos, doenças psicológicas (tais como a depressão e a ansiedade), a sociedade e o consumo de drogas para escapar à "realidade".

Eurodance (também conhecido como Euro-NRG, Euro ou simplesmente Dance) é um gênero musical de música eletrônica que se originou no final dos anos 80 na Europa. O gênero é conhecido por ter uma ênfase dançante, com uma batida forte que varia entre 90 a 150 BPM (em um compasso 4/4) e de conter uma vocalista feminina cantando o refrão, enquanto o vocalista masculino fornece apenas vocais de rap ou de apoio. O termo "Eurodance" foi gradualmente associado a um estilo específico de música dance da Europa. Durante seus anos de ouro em meados da década de 1990, era conhecido como "Euro-NRG"; na Europa era frequentemente chamado de "Dancefloor" ou simplesmente "Dance". Embora o termo tenha sido inicialmente usado para descrever apenas produções de música dance feitas na Europa, existem alguns exemplos de bandas/artistas da década de 1990 produzidos nos Estados Unidos e em outras regiões do planeta, que seguiram o mesmo estilo musical e se tornaram populares particularmente na Europa.

O termo "Frat Rap" refere-se a um subgênero do hip hop que se originou nas fraternidades estudantis universitárias dos Estados Unidos na década de 2000. O gênero é caracterizado por letras que muitas vezes apresentam temas relacionados à vida universitária, festas, álcool e relacionamentos. Embora a origem exata do gênero seja difícil de rastrear, é amplamente aceito que o Frat Rap se originou em campi universitários americanos, onde as fraternidades estudantis são uma presença comum. Os membros dessas fraternidades muitas vezes organizavam festas onde a música era uma parte importante, e o Frat Rap começou a ganhar popularidade entre os estudantes universitários como uma forma de se expressar e se identificar com os valores e experiências da cultura fraternal. Entre os artistas que são frequentemente associados ao Frat Rap estão Mac Miller, Hoodie Allen, Asher Roth e Sammy Adams. O gênero tem sido criticado por alguns por suas letras superficiais e estereotipadas, mas também tem um grande número de fãs entre os jovens que apreciam sua energia e otimismo.

Freestyle rap (literalmente rap livre) é um subgênero da música rap e freestyle. Se caracteriza principalmente por letras improvisadas do rapper, expressando o que sente sobre determinado assunto, mas mantendo um flow certo. As "batalhas de MCs" são uma das principais atrações do gênero. Dois rappers fazem freestyle, geralmente Falando sobre problemas sociais e reflexivos competindo uns aos outros, e o público decide o vencedor.

O gangsta rap é um subgênero do rap que se originou na costa oeste dos Estados Unidos, mais especificamente em Los Angeles, na década de 1980. Acredita-se que o rapper Ice-T foi um dos primeiros artistas a popularizar o gênero com seu álbum de estreia, "Rhyme Pays", lançado em 1987. O gangsta rap é caracterizado por letras que retratam a vida nas ruas, a violência, o crime e o uso de drogas. Muitos dos primeiros artistas do gênero cresceram em bairros pobres e perigosos, e suas letras refletiam suas experiências e a realidade de suas comunidades. Alguns dos artistas mais influentes do gangsta rap incluem N.W.A, Ice-T, Tupac Shakur, Notorious B.I.G., Snoop Dogg, Dr. Dre e Jay-Z. O gênero teve um impacto significativo na cultura popular, mas também enfrentou críticas por suas letras violentas e misóginas.

G-funk (também chamado de gangsta funk ou ghetto funk) é um tipo de música de hip-hop que emergiu do gangsta rap da Costa Oeste dos Estados Unidos no princípio da década de 1990, mais precisamente de South Los Angeles, Compton, Inglewood, Watts, Long Beach, Oakland, Richmond, Hayward e Vallejo. Este sub-género foi caracterizado por um tema geralmente hedonístico que se incluía o sexo, a violência e as drogas. O G-Funk converteu-se no sub-género principal do mainstream do Hip-Hop por um espaço de tempo de quase quatro anos (desde o lançamento do álbum The Chronic de Dr. Dre em finais de 1992, até à queda da Death Row Records em finais de 1996). Entre as principais características estão o ritmo lento e dançante do funk, sintetizadores com melodias agudas, alguns vocais femininos, uso de talkbox, uso de samples de músicas de funk, soul, rare groove, bass grave, teclados, e a constante glorificação aos grupos Parliament-Funkadelik.

O gênero musical glitch hop surgiu no início dos anos 2000, como uma fusão entre o hip hop e a música eletrônica experimental. Sua origem é frequentemente associada à cena musical de Los Angeles, nos Estados Unidos, onde produtores como Daedelus, edIT e Flying Lotus começaram a explorar a combinação de batidas de hip hop com sons eletrônicos distorcidos, falhas digitais e outros elementos sonoros característicos da música glitch. Esses produtores foram influenciados por outras vertentes da música eletrônica experimental, como o IDM (Intelligent Dance Music), o dubstep e o breakbeat, mas adicionaram a eles a estética do hip hop, incorporando samples de voz, scratches e linhas de baixo pesadas. O gênero se popularizou ao longo da década de 2000, com o surgimento de novos produtores e gravadoras que passaram a se dedicar a ele, como a Glitch Hop Community e a Gravitas Recordings. Hoje, o glitch hop é um gênero estabelecido na cena da música eletrônica, com artistas como Opiuo, KOAN Sound e Mr. Bill entre seus principais representantes.

O gênero musical Grime surgiu no início dos anos 2000, em Londres, Inglaterra. É um estilo musical derivado do UK Garage, que, por sua vez, é uma vertente da música eletrônica que surgiu em meados dos anos 1990. Os primeiros artistas a experimentarem com o Grime foram produtores e MCs do leste de Londres, como Wiley, Dizzee Rascal e Kano. O som era caracterizado por batidas aceleradas, linhas de baixo graves e um estilo de MCing agressivo e rápido. O Grime foi influenciado por outros gêneros musicais, como o jungle, o reggae, o hip hop e o dubstep, e se tornou uma forma de expressão popular entre a juventude londrina, especialmente nas áreas urbanas. O Grime também é conhecido por suas letras que abordam temas como violência, crime, vida nas ruas e questões sociais, e é visto como uma forma de representação da cultura negra e de minorias étnicas na Inglaterra. Desde seus primeiros dias, o Grime evoluiu e se diversificou, com artistas como Stormzy, Skepta e AJ Tracey alcançando sucesso internacional e ajudando a popularizar o gênero fora do Reino Unido.

Grindie é uma forma de música que surgiu no início de 2006. Mais um substrato da cena UK Garage, é uma fusão da música indie britânica ou rock alternativo britânica e do grime. O grindie compartilha com o grime o apelido de Brit Hop. O gênero tem se proliferado, de modo que existem bandas que realmente fazem "encaixar" os vocais de MCs e rappers com o som de musicos ao estilo indie. Bandas como Hadouken! usam os recursos normais de uma banda de rock (guitarra, baixo, etc), mas com um Rapper, não muito diferente de grupos de nu-metal como Limp Bizkit e Linkin Park. Algumas bandas, porém, mais orientada pela influencia do rock, desenvolveram as suas próprias inovações fora do gênero. Alguns críticos têm acusado de ser uma invenção da imprensa (por ser comparável ao New Rave), ou seja, um nome sobre algo que de fato não seria uma novidade, apenas uma adaptação da cena UK Garage underground para o mainstream.

Hardcore hip hop é um estilo musical derivado do hip-hop e desenvolvido na cena East Coast hip hop. O termo pode referir-se também a outros gêneros como o gangsta rap e o rapcore. Alguns exemplos desse segmento musical são: Gravediggaz, Wu-Tang Clan.

O hip hop é um gênero musical e cultural que surgiu na cidade de Nova York, nos Estados Unidos, no final da década de 1970. É uma forma de expressão artística que inclui música, dança, moda e linguagem, e é caracterizada por sua abordagem criativa, inovadora e socialmente engajada. A origem do hip hop está intimamente ligada às comunidades afro-americanas e latinas de Nova York, particularmente no bairro do Bronx. O hip hop surgiu em meio a um contexto de desindustrialização, pobreza, violência e discriminação racial, e representou uma forma de expressão para jovens marginalizados que buscavam se expressar e se destacar em meio a essa realidade. Os primeiros elementos do hip hop incluem o DJing (discotecagem), o MCing (rap), o breakdancing e a arte do grafite. Os primeiros DJs, como Kool Herc, Grandmaster Flash e Afrika Bambaataa, utilizavam técnicas de mixagem e scratching para criar novos sons a partir de discos de vinil, enquanto os MCs improvisavam rimas e versos sobre as batidas. O hip hop se espalhou rapidamente pelo mundo, tornando-se uma forma de expressão popular em comunidades urbanas de diversos países. Ao longo das décadas, o hip hop evoluiu e se diversificou em várias subculturas e subgêneros, como o gangsta rap, o conscious rap, o trap, o mumble rap e o boom bap, entre outros. Hoje, o hip hop é um dos gêneros musicais mais populares e influentes do mundo, tendo impactado profundamente a cultura popular, a moda, a linguagem e a política.

Hip Hop alternativo (também chamado de rap alternativo) é um subgênero do hip hop que abrange uma ampla gama de estilos que não são normalmente identificados como mainstream. O AllMusic o define da seguinte forma: O rap alternativo se refere a grupos de hip hop que se recusam a seguir qualquer um dos estereótipos tradicionais do rap, como gangsta, bass, hardcore, pop e party rap. Em vez disso, eles confundem gêneros inspirados igualmente no funk e pop/rock, além de jazz, soul, reggae, e até mesmo folk.[

O Hip Hop comédia (também conhecido como Rap Irônico ou Rap meme) refere-se a um subgênero do Hop Hop que criado com a intenção de se tornar viral, e o comédia rap é um subgênero do hip hop nature comic, muitas vezes incorporando letras satíricas. O rap de comédia floresceu nos anos 80, quando o próprio hip-hop era mais leve do que nos anos 90 (quando o gangsta rap mantinha a música sombria). Houve algumas paródias de rap, como Chunky A de Arsenio Hall, mas a maioria do rap de comédia é uma combinação de hip-hop real e humor de rua.[2] A natureza satírica de uma canção de rap irônico é muitas vezes intencionalmente deixada de fora de seu título, imagem de capa e/ou descrição, a fim de pegar os ouvintes de surpresa. A comédia hip hop ou comédia rap é um subgênero do hip hop nature comic, muitas vezes incorporando letras satíricas.

O termo "Hip Hop News" é geralmente usado para se referir a programas de notícias ou sites de notícias que se concentram em assuntos relacionados à cultura hip hop. Esse tipo de cobertura jornalística começou a se popularizar no final dos anos 1990 e início dos anos 2000, em resposta ao crescente interesse do público pelo hip hop e a necessidade de uma cobertura mais aprofundada e especializada na cultura. Os primeiros programas de notícias de hip hop foram veiculados em estações de rádio de Nova York, como a HOT 97 e a Power 105.1. Esses programas ofereciam notícias sobre lançamentos de álbuns, entrevistas com artistas e discussões sobre questões culturais e políticas relacionadas ao hip hop. Com o surgimento da internet e das redes sociais, a cobertura de notícias de hip hop se expandiu para sites de notícias especializados, como o HipHopDX e o XXL, e para canais de mídia social, como o Complex e o The Shade Room. Esses sites e canais de mídia social oferecem notícias diárias sobre a cultura hip hop, incluindo lançamentos de álbuns, notícias de celebridades, entrevistas com artistas e análises críticas sobre a música e a cultura. Hoje em dia, a cobertura de notícias de hip hop é uma parte importante da cultura hip hop e uma forma importante de conectar os fãs com a música e a cultura.

Old school hip hop, ou simplesmente Old school (expressão inglesa que pode ser traduzida como "velha guarda") é o termo utilizado para descrever os princípios do hip hop aos estilos musicais da época,[1] representada pelos precursores do rap mundial. Os historiadores classificam como old school a etapa que incluía o final da década de 1970 e a maior parte da década de 1980 (representada por Afrika Bambaataa e Grandmaster Flash, incluindo os primeiros trabalhos de Run DMC, Public Enemy e outros). Integraram-se também Tupac, Eazy E e Bone Thugs-n-Harmony pouco depois. O fim da old school é geralmente caracterizado com o início de outras artes do hip hop, como o graffiti, a breakdance, entre outros.

Hip hop soul é um subgénero do R&B contemporâneo, que funde R&B ou canto soul com produção musical de hip hop. O subgênero evoluiu de um subgênero anterior de R&B, o new jack swing, que incorporou influências de hip-hop na música R&B. O hip hop soul é descrito na The Encyclopedia of African American Music, como "literalmente soul cantado sobre grooves de hip hop". O termo foi introduzido durante a promoção do álbum de estreia da cantora norte-americana Mary J. Blige, What's the 411?, em 1992 quando a editora Uptown Records a proclamou de "Rainha do Hip Hop Soul". A melodia predominante neste tipo de música passa pela forma suave e R&B do vocalista, misturada com a produção hip-hop. A sua popularidade foi crescendo durante a década de 1990, sendo interpretado por Blige, Jodeci e Aaliyah, prosseguindo até ao presente através de Ashanti, Beyoncé, Alicia Keys, Keyshia Cole e Rihanna.

O hip house é um gênero musical que surgiu na cena da música dance de Chicago nos anos 80. É uma fusão de elementos do hip-hop e da house music, dois gêneros que eram muito populares na época. O hip-hop é conhecido por suas batidas rítmicas e por sua cultura de rimas e letras faladas, enquanto a house music é um estilo de música eletrônica que se originou em clubes de dança de Chicago e Nova York na década de 1980. O hip house foi criado por produtores e DJs de Chicago, como Fast Eddie, Tyree Cooper e DJ International, que começaram a misturar batidas de hip-hop com a estrutura e os elementos da house music. As músicas do hip house apresentam letras faladas, samples de vocais de hip-hop e batidas pesadas de house music. O sucesso do hip house foi relativamente curto, durando apenas alguns anos no final dos anos 80 e início dos 90. No entanto, o gênero influenciou muitos outros estilos de música eletrônica, como o techno e o trance, e ainda é lembrado como uma fusão inovadora e emocionante de dois gêneros musicais distintos.

O hip life é um gênero musical que surgiu em Gana na década de 1990. É uma fusão de elementos do hip hop americano com a música highlife tradicional de Gana. O hip hop é um gênero musical que se originou nos Estados Unidos na década de 1970, enquanto a highlife é um estilo musical que se desenvolveu em Gana e em outros países da África Ocidental na década de 1920. O hip life foi criado por artistas ganeses como Reggie Rockstone, que é frequentemente chamado de "o padrinho do hip life". Ele começou a misturar elementos de hip hop com a música tradicional ganesa, criando um estilo de música que combinava batidas pesadas de hip hop com instrumentos de música tradicional, como o kpanlogo e o xylofone. O hip life se tornou popular em Gana e em outros países africanos, e se espalhou para a diáspora africana em todo o mundo. O gênero é conhecido por suas letras que abordam temas sociais e políticos, bem como por suas batidas contagiantes e ritmos dançantes. O hip life teve um papel importante no desenvolvimento da cena musical africana, influenciando outros gêneros musicais como o afrobeats e o azonto. Ele continua a evoluir e se adaptar, incorporando novos elementos e influências musicais de todo o mundo.

Homo hop, que também pode ser chamado de hip hop LGBT é um gênero musical do hip hop executado por artistas LGBT. Foi descrito como "um movimento global de rappers e MCs de hip-hop gays e determinados fãs com o intuito de destacar sua reivindicação em um gênero muitas vezes associado com a homofobia e letras anti-gay." Eventos notáveis ​​na história do homo hop incluem o PeaceOUT World Homo Hop Festival, que foi fundado em 2001 e montado por vários anos no costas Leste e Oeste dos EUA, e o documentário de 2006, Pick Up the Mic. Exemplos de tais canções do gênero incluem "BEN", canção de Adair Lion, que utiliza samples de "Ben" de Michael Jackson, e "Animal Style", de Murs. Frank Ocean, um dos integrantes do grupo de hip hop de Los Angeles OFWGKTA, recentemente assumiu ser bissexual.

O gênero musical horrorcore tem suas origens no final dos anos 80 e início dos anos 90, principalmente na cidade de Detroit, Michigan, nos Estados Unidos. O termo "horrorcore" foi cunhado pela primeira vez pelo grupo de rap Gravediggaz em 1994. O estilo musical é caracterizado por letras que frequentemente apresentam temas de terror, violência, horror e morte. As músicas do horrorcore geralmente apresentam histórias macabras e sombrias, com descrições detalhadas de cenas violentas e sanguinolentas. Alguns dos principais artistas do gênero incluem grupos como Gravediggaz, Insane Clown Posse e Three 6 Mafia. Embora o horrorcore tenha recebido críticas por suas letras explícitas e violentas, o gênero continua a ser popular entre os fãs de hip hop e música underground.

O gênero musical hyphy teve origem no início dos anos 2000, na região da Baía de São Francisco, na Califórnia, nos Estados Unidos. O termo "hyphy" é uma gíria local que significa "hiperativo" ou "louco". O hyphy é caracterizado por batidas rápidas e frenéticas, influenciadas pelo estilo musical da região, o Bay Area rap. As letras frequentemente apresentam temas como festas, dança, automóveis personalizados e outras características da cultura da região da Baía de São Francisco. Os artistas mais conhecidos do gênero hyphy incluem Keak da Sneak, E-40, Mac Dre e Mistah F.A.B. O estilo musical ganhou popularidade na região da Baía de São Francisco no início dos anos 2000 e se espalhou por outras partes do país, influenciando outros gêneros musicais, como o crunk e o trap.

O gênero musical jazhop tem suas origens no final dos anos 80 e início dos anos 90, quando músicos de hip hop começaram a incorporar elementos de jazz em suas produções. A fusão desses dois estilos musicais permitiu que o hip hop se expandisse para além de suas raízes no funk e no soul, e abriu novas possibilidades para a experimentação musical. O jazhop tem como característica a utilização de samples de jazz em suas produções, bem como a presença de instrumentos musicais ao vivo, como saxofone, piano e baixo acústico. As letras do jazhop são frequentemente influenciadas pelo jazz e tratam de temas como amor, vida urbana, filosofia e política. Alguns dos pioneiros do jazhop incluem os grupos Gang Starr, A Tribe Called Quest e De La Soul. O gênero teve grande influência na cena musical do hip hop dos anos 90, e sua fusão de jazz e hip hop continua a inspirar artistas até os dias de hoje.

O Jerkin' ou Jerk é um movimento de dança de Los Angeles, Califórnia do Sul. O movimento Jerk estreou em 2008 em Los Angeles, espalhando-se pelo resto da Califórnia e Costa Oeste e conquistando popularidade na Costa Leste dos Estados Unidos. A dança em si consiste em mover os pés para frente e para trás. O grupo New Boyz surgiu através do Jerkin'.

Memphis rap, também conhecido como Memphis hip hop e Memphis horrorcore, é um subgênero do hip hop que se originou em Memphis, Tennessee, no início da década de 1990. O gênero é caracterizado por seu baixo custo de produção, produção em massa e pela sonoridade Lo-fi (gênero musical), que também utiliza fortemente a caixa de ritmos Roland TR-808 e melodias de mínima sintetização. Além disso, incorpora tempos duplos e trechos que ressonam varições de soul, funk, filmes de terror e música clássica. Em consonância, outro mecanismo presente no gênero de Memphis é a produção em estilo DIY, em que comumente não há o uso de sample. Os primeiros artistas e grupos associados ao rap de Memphis incluem Tommy Wright III, Al Kapone, DJ Spanish Fly, Lil Noid, 8Ball & MJG e Three 6 Mafia, DJ Paul e Lord Infamous, bem como as mixtapes iniciais do DJ Spanish Fly. Apesar do forte âmbito underground, tal gênero influenciou rappers como Lil Ugly Mane, Denzel Curry, SpaceGhostPurrp e Joey Badass, bem como o aumento da música crunk. Às vezes há amostragem de outros artistas do mesmo gênero. As obras não devem ser confundidas com um fundo ou trinado. Nas capas de álbuns ou singles nos anos de 1990, logos caseiros e processamento de fotos simples foram usados. Com o tempo, isso se tornou uma característica distintiva do gênero.

Miami Bass (também conhecido como Bass Music ou Miami Sound) é um subgênero do Hip Hop que tornou-se popular nos EUA e países da América Latina nos anos 80 e 90. Ele é conhecido por usar a batida continuada da caixa de ritmos Roland TR-808 e dança sincopada. O foco do Miami Bass era mais na proficiência dos DJ's em manipular instrumentais do que no conteúdo lírico em si, que era focado em temas sexuais e de festa. O subgênero recebeu este nome quando o Freestyle começou a tornar-se popular nos bairros negros de Miami, como por exemplo em Liberty City. Os DJ's começaram a desenvolver instrumentais mais graves, rápidos e intensos, com um número de BPM superior e com a utilização de Kicks bastante graves. Os nomes de Miami Bass que mais se destacaram na época foram os 2 Live Crew, os Quad City DJ's, os 95 South, as J.J. Fad, os 69 Boyz, os Poison Clan, os Gucci Crew II, os Tag Team, os Ghost Town DJ's e ainda artistas solo como Uncle Luke, DJ Magic Mike, Sir Mix-A-Lot e Freak Nasty.

Nerdcore é um subgênero do hip-hop caracterizado por temas que são considerados de interesse dos nerds, embora ele possa tratar de outros temas também. MC Frontalot se auto-proclama um músico do nerdcore, tendo ele sido o criador do termo em 2000 com a música "Nerdcore Hip-hop". Frontalot, assim como a maioria dos artistas de nerdcore, possui um trabalho independente e distribuiu uma grande parte dele de graça na internet.

New jack swing ou swingbeat é um estilo musical híbrido, popular entre o fim da década de 1980 e meados da década de 1990. O estilo se originou do terceiro álbum de Janet Jackson, Control, de 1986. Sua influência, junto com o hip-hop, penetrou na cultura pop e foi o som definitivo da cena inventiva dos clubes de Nova York. Ele funde os ritmos, amostras e técnicas de produção de hip hop e dance-pop com o som urbano do R&B contemporâneo. O new jack swing desenvolveu-se como muitos estilos musicais anteriores, combinando elementos de estilos antigos com novas sensibilidades. Ele usou vocais no estilo R&B, cantados sobre instrumentação influenciada pelo estilo hip-hop e Dance-pop. O som do new jack swing vem das batidas de "swing" do hip hop criadas por caixa de ritmos e por samplers de hardware, populares durante a Era de Ouro do Hip Hop, com o estilo contemporâneo de R&B.

O gênero musical "Old School" (ou "Velha Guarda", em português) tem sua origem nos primeiros anos da cultura hip hop, que surgiu no final dos anos 70 e início dos anos 80, no Bronx, em Nova York. O termo "Old School" é usado para se referir aos artistas, músicas e estilos de hip hop antigos que foram criados durante a década de 1980 e início da década de 1990. As músicas "Old School" geralmente têm uma sonoridade mais simples e minimalista, com samples de funk, soul e R&B, além de batidas e rimas mais diretas e menos complexas do que as músicas de hip hop mais recentes. Os temas das letras também eram frequentemente relacionados com a cultura hip hop, como festas, danças, roupas e o estilo de vida urbano. O gênero "Old School" foi influenciado por artistas pioneiros do hip hop, como Grandmaster Flash and the Furious Five, Afrika Bambaataa, Kurtis Blow e Run-DMC. A música "Rapper's Delight", do grupo Sugarhill Gang, lançada em 1979, é considerada uma das primeiras músicas de hip hop a ser tocada em rádios e a ter sucesso comercial. Com o tempo, o gênero "Old School" tornou-se um estilo estético e cultural, que abrange não só a música, mas também a moda, a dança e outras formas de expressão associadas à cultura hip hop. Ainda hoje, muitos artistas de hip hop se inspiram na sonoridade e na estética do "Old School" para criar novas músicas e estilos.

O gênero musical phonk é um estilo de música eletrônica que surgiu no início dos anos 2010, principalmente nos Estados Unidos. Sua origem é um tanto controversa, mas acredita-se que o phonk tenha surgido a partir da combinação de elementos de outros gêneros, como o funk, o hip hop e o trap. O termo "phonk" vem da palavra "funk", e a estética sonora do gênero é marcada pelo uso de samples de músicas de funk e soul dos anos 70 e 80, combinados com batidas pesadas de hip hop e trap. A música phonk também é conhecida por seus graves intensos e pelos efeitos de vinil, que dão à música uma sensação de nostalgia. O gênero ganhou popularidade na internet, principalmente em plataformas como o YouTube e o SoundCloud, e tem uma forte presença na cena da música underground. O phonk também é conhecido por sua comunidade de fãs dedicados e por sua estética visual, que inclui imagens de filmes antigos e vídeos de baixa qualidade.

O gênero musical political hip hop, também conhecido como rap político, tem suas origens na década de 1980, durante o movimento de conscientização política e social nos Estados Unidos. O rap político surgiu como uma forma de expressão artística para abordar questões sociais e políticas relevantes para a comunidade negra. Os artistas desse gênero usavam suas letras e músicas para falar sobre temas como racismo, desigualdade, brutalidade policial, pobreza e outros problemas enfrentados pelas comunidades marginalizadas. Um dos grupos pioneiros do rap político foi o Public Enemy, formado em 1982 em Long Island, Nova York. Outros artistas que também se destacaram no gênero incluem o Grandmaster Flash and The Furious Five, Boogie Down Productions, X-Clan, KRS-One, entre outros. O rap político também teve influência na música brasileira, especialmente no movimento hip hop nacional, com artistas como Racionais MC's, MV Bill, GOG, entre outros, usando a música como forma de conscientização e crítica social.

Pop rap (também conhecido como pop hip hop, hip pop, melodic hip hop ou melodic rap) é um subgênero do rap com uma forte influência da música pop. Na música pop rap, os elementos verdadeiros do hip hop são removidos e hooks são usados para se obter um som amigável. A mistura entre as batidas e ritmos com potentes hooks melódicos normalmente podem ser encontrados nas suas formas originais de música pop. Este gênero ganhou popularidade durante os anos 1990, embora as influências e raízes do pop rap possam remontar a artistas de hip-hop do final dos anos 1980, como Run DMC, LL Cool J e Beastie Boys. As letras costumam ser alegres, com refrões semelhantes aos ouvidos na música pop.

O gênero rap rock é uma fusão de elementos do rap e do rock, e sua origem pode ser rastreada até o final dos anos 80 e início dos anos 90. O primeiro grupo a popularizar essa fusão foi o grupo americano de rock de fusão, chamado "Red Hot Chili Peppers", que misturou elementos de funk, punk e rap em sua música. Eles influenciaram muitos outros artistas e bandas a seguir esse caminho, incluindo "Rage Against the Machine", "Faith No More" e "311". O sucesso dessas bandas abriu caminho para o surgimento de artistas como "Limp Bizkit", "Kid Rock" e "Linkin Park" nos anos 2000, que alcançaram grande sucesso e popularidade com a fusão de rap e rock em suas músicas. Desde então, o gênero tem evoluído e se expandido, incorporando elementos de outros estilos musicais, como metal e eletrônica.

A origem do snap music remonta ao início dos anos 2000, principalmente na região sul dos Estados Unidos, mais precisamente em Atlanta, Geórgia. O snap music é um subgênero do hip hop que se caracteriza por batidas de tambor distintas, conhecidas como "snap", que são curtas, estaladas e repetitivas. Essas batidas são frequentemente acompanhadas por palmas de mãos, assobios e outros elementos sonoros percussivos, criando um ritmo altamente energético e dançante. O snap music foi popularizado por artistas como DJ Unk, D4L, Soulja Boy, Dem Franchize Boyz e outros artistas do sul dos Estados Unidos. Acredita-se que o termo "snap" deriva do som de estalar os dedos, que é uma característica proeminente nas batidas do gênero. Além das batidas distintas, o snap music também é conhecido por suas letras de festa, dança e autoafirmação. O snap music se espalhou pela cultura hip hop no início dos anos 2000, ganhando popularidade em clubes e festas, e também influenciou a moda, a dança e a cultura de rua. No entanto, o gênero também enfrentou críticas por sua aparente simplicidade e falta de profundidade lírica. Apesar disso, o snap music continua a ser considerado um importante subgênero do hip hop, com uma base de fãs dedicada e uma influência duradoura na música contemporânea.

O SoundCloud rap é um gênero musical originado na plataforma de distribuição de áudio online SoundCloud. Caracteriza-se por suas batidas simples, humor emo e letras que vão desde os fanfarrões e niilista ao sexo e drogas. O crítico de música Jon Caramanica do The New York Times opinou em um artigo de 2017 que o SoundCloud rap "no ano passado tornou-se o movimento mais novo e mais importante do hip-hop". Rolling Stone and Complex escreveu sobre o movimento, enquanto Spin contrastou a popularidade do subgênero com os problemas da empresa SoundCloud.

O gênero musical "stronda" tem sua origem no Brasil, mais especificamente na cidade do Rio de Janeiro. O termo "stronda" é uma gíria carioca que significa estar bem vestido, com roupas de marca e estilo de vida extravagante. A música "Eu sou a Stronda" do grupo Bonde da Stronda, lançada em 2008, foi um dos grandes sucessos que popularizou o gênero e ajudou a difundir a cultura "stronda" pelo Brasil. A sonoridade do gênero é uma mistura de rap, hip hop, funk e rock, com letras que falam sobre festas, curtição, amor e estilo de vida. Apesar de ter ganhado muitos fãs e seguidores no Brasil, o gênero "stronda" não é reconhecido como um estilo musical oficial pela indústria fonográfica, e muitas vezes é visto como um subgênero de outros estilos musicais.

O gênero musical Trap tem suas raízes na cena do hip hop do sul dos Estados Unidos, mais especificamente em Atlanta, Geórgia, durante a década de 1990. O termo "trap" vem da gíria usada para se referir às casas usadas para a venda ilegal de drogas na região. Os primeiros artistas do trap incluíam nomes como OutKast, UGK e Three 6 Mafia, que misturavam batidas pesadas e letras que abordavam a vida nas ruas, a violência e o consumo de drogas. Nos anos 2000, o som trap se popularizou ainda mais, com a ascensão de artistas como T.I., Young Jeezy e Gucci Mane, que adicionaram elementos de música eletrônica e produção mais sofisticada ao gênero. A partir dos anos 2010, o trap se tornou ainda mais popular com a emergência de artistas como Future, Travis Scott e Migos, que ajudaram a popularizar o som trap em todo o mundo e incorporaram novas influências de outros gêneros musicais, como o rock e o pop. Hoje em dia, o trap é um dos gêneros mais populares da música hip hop e é influência em outros estilos musicais.

O trip hop é um gênero musical que surgiu no Reino Unido na década de 1990. Sua origem pode ser rastreada até a cena musical de Bristol, onde artistas como Massive Attack, Portishead e Tricky começaram a experimentar com uma mistura de hip hop, música eletrônica, jazz, soul e outras influências musicais. O termo "trip hop" foi cunhado pelo jornalista musical britânico Andy Pemberton, em uma matéria sobre o grupo Mo' Wax em 1994. O termo se referia à atmosfera relaxante e hipnótica do gênero, que era frequentemente associado ao uso de drogas psicodélicas. O trip hop se tornou popular na década de 1990, com o lançamento de álbuns clássicos como "Blue Lines" do Massive Attack, "Dummy" do Portishead e "Maxinquaye" do Tricky. O gênero também influenciou uma série de artistas subsequentes, incluindo Radiohead, Bjork, Gorillaz e outros.

O Turntablism é um gênero musical que se originou no final dos anos 70 e início dos anos 80, nos Estados Unidos, mais especificamente em Nova York. Ele se desenvolveu a partir da prática de DJs que usavam toca-discos como instrumentos musicais, manipulando e mixando discos de vinil para criar novos sons e efeitos. O termo "turntablism" foi cunhado pelo DJ e produtor musical brasileiro Babu (Marcos Luiz Ferreira), que o usou pela primeira vez em 1995 para descrever a arte de criar música usando toca-discos como instrumentos musicais. O turntablism tem suas raízes no hip hop, mas também foi influenciado pelo funk, jazz e outras formas de música eletrônica. Os DJs pioneiros do turntablism incluem Grandmaster Flash, Kool Herc, Afrika Bambaataa e Grand Wizard Theodore. Mais tarde, DJs como Q-Bert, Mix Master Mike e DJ Shadow se tornaram influentes no desenvolvimento do gênero. Hoje, o turntablism é uma forma estabelecida de música e performance ao vivo, com competições internacionais de DJs e uma base de fãs dedicada em todo o mundo.

Underground hip hop (também conhecido como East Coast hip hop) é um subgênero do rap associado ao estilo de música chamado Underground. O termo rap underground pode estar ligado ao estilo de música descrito como hip hop alternativo (onde os próprios artistas se relacionam com gravadoras independentes) ou também como rap alternativo (no qual se define como um estilo musical próprio, que se diferencia do rap mais comum, como por exemplo o gangsta rap) e Political hip hop. Outras características importantes deste subgênero de rap são frequentes rimas de improviso, bem como batalhas de MCs; e um controle total sobre sua carreira com participações em selos independentes. São exemplos de artistas do underground hip hop nos Estados Unidos: Nas, Eminem, Big L, Suicideboys, DJ Quik, Ghostemane, Bones (rapper), NWA. Um dos mais populares rappers americanos, Eminem , começou no underground, sendo depois assinado por Dr.Dre à Aftermath Entertainment , depois de Dre ter ouvido o The Slim Shady EP .

O gênero West Coast Hip Hop tem suas raízes na costa oeste dos Estados Unidos, principalmente na região de Los Angeles, Califórnia, na década de 1970. Nessa época, surgiram as primeiras festas e bailes de rua onde os DJs tocavam músicas de hip hop. Na década de 1980, o West Coast Hip Hop começou a ganhar mais visibilidade, graças ao sucesso do grupo N.W.A (Niggaz Wit Attitudes), formado em Compton, Califórnia. O grupo lançou o álbum "Straight Outta Compton" em 1988, que se tornou um marco do gênero. O N.W.A. trouxe um som mais agressivo e politizado, que refletia as tensões raciais e sociais da época. Outros artistas importantes do West Coast Hip Hop surgiram na década de 1990, como Dr. Dre, Tupac Shakur, Snoop Dogg, Ice Cube e Warren G. Esses artistas trouxeram uma abordagem mais melódica e funk para o gênero, e suas letras falavam sobre a vida nas ruas, a violência, o racismo e a cultura do gangsta. O West Coast Hip Hop também é caracterizado por sua produção musical, que muitas vezes apresenta batidas pesadas, samples de funk e soul, e uso extensivo de sintetizadores. A cena do hip hop da costa oeste continua a evoluir e a influenciar a música popular até hoje.

Witch house (também conhecido como Drag, Haunted House, Screwgaze ou Crunk Shoegaze) é um gênero de música eletrônica ambiente de temática e de estética visual que surgiu no final dos anos 2000. A música é fortemente influenciada pelo hip-hop, sons ambientes/dark ambient e experimentação. Apresenta uso de sintetizadores, baterias eletrônicas, amostras de sons obscuros, É monótona repetitiva e fortemente editada. O Witch house na estética visual inclui coisas ocultas, feitiçaria, xamanismo e obras de arte de inspiração de terror, colagens e fotografias, bem como o uso significativo de elementos tipográficos, tal como teorias da conspiração e símbolos Unicode.[1][2] Muitas obras de artistas de witch house inclui visuais incorporando temas dos anos 60s, filmes de dos 70 anos e 80 anos de culto e de terror obscuro, a série de televisão Twin Peaks, horror inspirado em vídeos dark web, e principais celebridades da cultura pop. Elementos tipográficos comuns em nomes de artistas e faixas incluem triângulos, cruzes e outros símbolos Unicode, que são vistos por alguns como um método de manter a cena underground e mais difícil de pesquisar na Internet.

O gênero musical "West Coast Wonky" não tem uma origem muito clara ou definida, mas pode-se dizer que surgiu como uma evolução do movimento "Wonky" que começou a se popularizar na década de 2000 nos Estados Unidos, principalmente em cidades como Los Angeles e Houston. O termo "Wonky" foi originalmente usado para descrever uma abordagem experimental e dissonante ao hip hop e à música eletrônica, caracterizada por uma ênfase em sons sampleados distorcidos, batidas deslocadas e dissonâncias. Com o tempo, essa abordagem evoluiu em diferentes direções, dando origem a subgêneros como "Wonky Funk" e "West Coast Wonky". O "West Coast Wonky" em particular, é um subgênero que enfatiza a música eletrônica com raízes na cultura hip hop, incorporando elementos de funk, soul e jazz, além de texturas e melodias que evocam a sensação de estar à beira-mar. É frequentemente associado aos artistas da cena de música eletrônica de Los Angeles, como Flying Lotus, Shlohmo, e The Gaslamp Killer, entre outros.

O funk carioca é um gênero musical que teve sua origem no Rio de Janeiro, Brasil, na década de 1990. Sua criação é atribuída a DJs da periferia carioca que começaram a misturar elementos de ritmos como o Miami Bass e o hip hop com batidas eletrônicas e letras que abordavam temas como festas, sexo, violência e cotidiano das favelas. Inicialmente, o funk carioca era tocado em festas de rua e bailes funk, que eram eventos populares nas periferias do Rio de Janeiro. Com o tempo, o gênero ganhou mais visibilidade e se popularizou em todo o país, além de ter sido incorporado por artistas de outros gêneros musicais. Embora o funk carioca tenha sido criticado por sua letra explícita e conteúdo controverso, ele também é celebrado como um importante gênero musical que reflete a cultura e a realidade das comunidades periféricas do Brasil. Os precursores do funk carioca foram os DJs das comunidades do Rio de Janeiro, que começaram a misturar elementos de diferentes gêneros musicais para criar um novo som. Alguns dos primeiros DJs que são considerados importantes para o desenvolvimento do funk carioca são DJ Marlboro, DJ Grandmaster Raphael, DJ Corello, DJ Sany Pitbull, DJ Jeferson da Disco Dance e DJ Batata. Esses DJs foram responsáveis por criar as primeiras batidas e ritmos que seriam a base do funk carioca, e também por tocar e divulgar o novo som em festas e bailes na periferia carioca. Eles foram fundamentais para a popularização do gênero e para a criação de um movimento cultural que iria se espalhar por todo o Brasil.

As montagens dos bailes de corredor no Rio de Janeiro são uma forma de expressão cultural originária das comunidades cariocas, especialmente das favelas. Essa prática é uma mistura de diferentes elementos culturais, como música, dança, moda e linguagem, e tem suas raízes nas festas populares que ocorriam nas ruas e praças das comunidades cariocas desde o início do século XX. As montagens consistem na combinação de trechos de diferentes músicas, criando uma nova canção que é acompanhada por uma coreografia própria, geralmente executada em grupo. Essa prática começou a ganhar destaque na década de 1990, principalmente nas favelas da zona norte do Rio de Janeiro, e se popularizou com a difusão das redes sociais e do acesso à tecnologia, permitindo que as montagens fossem criadas e divulgadas com maior facilidade. As montagens dos bailes de corredor são consideradas uma forma de resistência cultural e uma expressão da identidade das comunidades cariocas, que buscam através dessa prática reivindicar seus direitos e afirmar sua presença e sua voz na sociedade. Os precursores do ritmo das Montagens foram, DJ Sany Pitbull, DJ Jeferson, DJ Mamute, DJ Cabide, DJ Grandmaster

Esse movimento teve início no clube CCIP de pilares com o Baile de Gleras com a Furacão 2000 logo em seguida a equipe ZZ DISCO com a Coisa, A Coisona, O Cacareco com isso espandiram fazendo os bailes de corredor por todo Rio de Janeiro.

O Funk Melody é um estilo musical que se originou no Rio de Janeiro, Brasil, na década de 1980. Ele é uma mistura de vários gêneros musicais, incluindo funk americano, soul, R&B e música eletrônica. Acredita-se que o Funk Melody teve início nas festas das comunidades cariocas, onde os DJs começaram a tocar músicas de funk americano e eletrônico misturadas com batidas de samba e outros gêneros brasileiros. Com o tempo, essa mistura de ritmos evoluiu para o que conhecemos hoje como Funk Melody. O sucesso do Funk Melody no Brasil começou na década de 1990, com artistas como MC Marcinho, MC Leozinho e Bonde do Tigrão ganhando popularidade nacional. O estilo foi muito popular nas pistas de dança e festas de rua, especialmente no Rio de Janeiro. Hoje em dia, o Funk Melody continua a ser um estilo popular no Brasil, com artistas como Ludmilla, Kevin O Chris e Anitta incorporando elementos do gênero em suas músicas.

O Funk Proibidão é um estilo de funk brasileiro que se originou no Rio de Janeiro na década de 1990. É caracterizado por letras explícitas e muitas vezes violentas, que retratam a realidade das comunidades cariocas, incluindo drogas, violência, sexo e crime. Acredita-se que o Funk Proibidão surgiu em resposta à repressão policial e ao preconceito sofrido pelos artistas de funk no Brasil na época. Muitos desses artistas, que já eram marginalizados pela sociedade, passaram a usar o funk como uma forma de expressar suas experiências e denunciar a violência e a desigualdade social em suas comunidades. O termo "proibidão" se refere ao fato de que muitas dessas músicas eram censuradas e proibidas de serem tocadas nas rádios e nas festas oficiais. No entanto, isso não impediu que o Funk Proibidão ganhasse popularidade nas comunidades cariocas, onde era tocado em bailes funk e festas particulares. Hoje em dia, o Funk Proibidão ainda é um estilo controverso e polêmico no Brasil, mas continua a ser uma forma de expressão para muitos artistas de funk e uma representação da realidade das comunidades marginalizadas do país.

O Funk Pago foi um movimento musical que se desenvolveu na cidade de São Paulo, Brasil, na década de 1990. É uma fusão de funk carioca com o rap, e é conhecido por suas letras que abordam temas como a luta diária pela sobrevivência nas periferias da cidade, além de críticas sociais e políticas. O termo "Pago Funk" faz referência ao Pagode, um estilo musical popular na época, que combinava elementos do samba com letras românticas. O Funk Pago nasceu como uma espécie de resposta aos temas abordados pelo Pagode, que não eram considerados representativos da realidade das periferias da cidade. O Funk Pago ganhou popularidade em São Paulo na década de 1990, com artistas como MCs Duda do Marapé, Galo Cego e Dede, além do grupo Funk'n'Lata, que foi um dos primeiros a misturar o funk carioca com o rap. No entanto, o Funk Pago foi um movimento relativamente curto, e sua popularidade diminuiu no final da década de 1990, à medida que outros estilos musicais, como o Funk Ostentação, ganharam destaque nas periferias de São Paulo. Mesmo assim, o Funk Pago teve um papel importante na história da música brasileira, e é lembrado como uma expressão autêntica das experiências das comunidades periféricas de São Paulo.

O Electro Funk brasileiro é conhecido por seus graves pesados e batidas eletrônicas, combinados com letras que abordam temas como a vida nas periferias da cidade, a cultura de rua e a busca por justiça social. O movimento do Electro Funk no Brasil começou com DJs e produtores como DJ Marlboro e DJ Sussa, que foram pioneiros na incorporação do estilo em suas produções musicais. Mais tarde, o estilo ganhou popularidade entre os artistas de funk carioca, como MC Marcinho e Bonde do Tigrão, que misturavam elementos do Electro Funk com o funk carioca em suas músicas. O álbum "Electro Tamborzão" do DJ Sussa é um dos mais importantes do gênero funk carioca e já foi tocado em diversos países ao redor do mundo. Embora o funk carioca seja mais popular no Brasil, especialmente no Rio de Janeiro, o gênero tem ganhado cada vez mais visibilidade internacional nos últimos anos, com artistas e DJs levando o som do funk carioca para outros países. Hoje em dia, o Electro Funk continua a ser um estilo popular no Brasil, com artistas como Tati Quebra-Barraco, MC Carol e DJ Batata incorporando elementos do gênero em suas músicas. O Electro Funk brasileiro tem sido reconhecido como uma forma autêntica de expressão das culturas de rua e das comunidades periféricas do país. Algumas das regiões onde o álbum "Electro Tamborzão" do DJ Sussa foi tocado incluem a Europa, Ásia, América Latina e Estados Unidos. O álbum é considerado uma das referências do funk carioca e um dos responsáveis por levar o gênero para além das fronteiras do Brasil.

O New Funk é um estilo musical que surgiu no Brasil no final dos anos 2000, como uma evolução do funk carioca. Ele incorpora elementos de outros gêneros musicais, como o hip hop, o pop e o eletrônico, e é conhecido por suas batidas aceleradas e letras animadas que falam sobre festas, dança e amor. O New Funk começou a se popularizar no Rio de Janeiro, com artistas como MC Sapão, MC Leozinho e MC Luan, que misturavam elementos do funk carioca com outras influências musicais. No entanto, o estilo realmente ganhou destaque em São Paulo, com o surgimento de artistas como MC Koringa, MC Guimê e MC Brinquedo. A origem exata do termo "New Funk" é desconhecida, mas ele foi usado pela primeira vez por DJ Marlboro, um dos pioneiros do funk carioca, para descrever a nova geração de artistas que estavam surgindo na cena musical do Brasil na época. O New Funk rapidamente se espalhou por todo o Brasil e tornou-se um dos estilos musicais mais populares entre os jovens. Hoje em dia, é comum ver artistas do New Funk colaborando com outros artistas brasileiros de diversos gêneros musicais, como o sertanejo e o pagode. Apesar de algumas críticas em relação à superficialidade das letras e da falta de originalidade do estilo, o New Funk é considerado uma expressão autêntica da cultura jovem e das festas populares no Brasil.

O Funk Ostentação é um estilo musical que surgiu em São Paulo, Brasil, na primeira metade da década de 2010. Ele é conhecido por suas letras que falam sobre dinheiro, riqueza, ostentação e estilo de vida luxuoso. O Funk Ostentação foi inspirado pelo movimento do rap ostentação, que já existia em São Paulo desde 2009. Esse movimento foi iniciado por artistas como Emicida e Criolo, que criaram músicas que falavam sobre a vida nas periferias da cidade e a luta por igualdade social. No entanto, o Funk Ostentação é mais conhecido por seus artistas como MC Guimê, MC Rodolfinho e MC Lon, que começaram a ganhar popularidade em São Paulo com suas músicas que falavam sobre dinheiro, carros importados, festas e roupas de grife. A popularidade do Funk Ostentação se espalhou rapidamente por todo o Brasil, e os artistas desse gênero começaram a se apresentar em programas de televisão e shows de grande porte. O Funk Ostentação é considerado um reflexo da nova classe média emergente do Brasil, que busca ostentar sua riqueza e sucesso através de marcas de luxo e estilo de vida extravagante. Apesar de algumas críticas em relação à superficialidade das letras e da falta de conteúdo social, o Funk Ostentação é uma expressão autêntica da cultura jovem e da busca por ascensão social no Brasil.

O Funk Ousadia é um estilo musical que surgiu no Brasil na década de 2010, como uma variação do funk carioca. Ele é conhecido por suas letras explícitas que abordam temas como sexo, relacionamentos amorosos e sensualidade. O Funk Ousadia foi popularizado por artistas como MC Beyoncé, MC Marcelly e MC Tati Zaqui, que começaram a ganhar destaque com suas músicas que misturavam o funk carioca com elementos do pop e do hip hop. Embora o Funk Ousadia seja frequentemente associado a letras provocantes e sensuais, alguns artistas desse gênero também falam sobre questões sociais relevantes, como a luta contra o racismo e a discriminação de gênero. A origem exata do termo "Ousadia" no contexto do funk carioca é incerta, mas ele pode ser rastreado até o MC Claudinho da Academia, que usava a palavra em suas músicas desde os anos 1990. O Funk Ousadia tornou-se um dos gêneros musicais mais populares entre os jovens no Brasil, especialmente entre aqueles que vivem nas periferias das grandes cidades. Embora tenha recebido críticas por suas letras explícitas, o Funk Ousadia é considerado uma expressão autêntica da cultura jovem e da liberdade sexual no Brasil.

O Brega Funk é um estilo musical que surgiu no Brasil na primeira metade da década de 2010, na região Nordeste do país. Ele é uma fusão do brega, um gênero musical popular na região, com o funk carioca, trazendo uma nova sonoridade para o mercado musical brasileiro. O Brega Funk começou a se popularizar com artistas como MC Troia, MC Elvis e MC Kekel, que criaram músicas com letras românticas, dançantes e sensuais, que logo caíram no gosto do público. As músicas desse estilo têm letras explícitas, que falam sobre sexo, relacionamentos amorosos, festas e bebidas. A origem exata do termo "Brega Funk" é incerta, mas ele é frequentemente associado ao "brega", um estilo musical popular no Nordeste do Brasil desde os anos 1960, que apresenta uma mistura de ritmos como o forró, o bolero e o sertanejo. A influência do funk carioca nesse gênero musical se deu por meio da utilização de batidas mais eletrônicas, sintetizadores e batidas de funk. O Brega Funk ganhou destaque nacional a partir de 2018, quando MC Loma e as Gêmeas Lacração lançaram a música "Envolvimento", que rapidamente se tornou um sucesso viral. Desde então, o Brega Funk se tornou um dos gêneros musicais mais populares no Brasil, com artistas como MC Kevinho, MC Don Juan, Aldair Playboy, entre outros, conquistando milhões de visualizações no YouTube e em outras plataformas de streaming de música. O Brega Funk é considerado uma expressão autêntica da cultura popular brasileira e da criatividade dos artistas em misturar diferentes influências musicais. Ele também tem sido criticado por suas letras explícitas e objetificação das mulheres.

O Funknejo é um estilo musical que surgiu no Brasil na década de 2000, como uma fusão entre o funk carioca e a música sertaneja. Ele é caracterizado pela mistura de batidas eletrônicas e ritmos sertanejos, como a viola caipira e a sanfona, e letras que falam sobre amor, festas e a vida no campo. A origem do Funknejo está relacionada à popularização do funk carioca e do sertanejo universitário na década de 2000. Na época, os DJs começaram a misturar os dois gêneros musicais em festas e eventos, criando um novo estilo que agradou ao público. Os primeiros artistas a fazerem sucesso com o Funknejo foram João Lucas & Marcelo, que lançaram a música "Eu Quero Tchu, Eu Quero Tcha" em 2011, que se tornou um grande hit em todo o Brasil. A partir daí, outros artistas como Michel Teló, Gusttavo Lima, Luan Santana e Marília Mendonça também aderiram ao estilo e fizeram grande sucesso com músicas que misturavam o funk e o sertanejo. O Funknejo é uma expressão autêntica da cultura popular brasileira, que mistura elementos musicais de diferentes regiões do país. No entanto, ele também tem sido criticado por alguns setores da sociedade, que o consideram uma descaracterização da música sertaneja tradicional e uma comercialização do funk carioca.

O Funk 150 BPM é um subgênero do funk carioca que surgiu no Brasil na década de 2010. Ele é caracterizado por uma batida acelerada e intensa, com um ritmo de 150 batidas por minuto, que é mais rápido do que a maioria das outras vertentes do funk. A origem do Funk 150 BPM está ligada a um movimento de DJs e produtores musicais do Rio de Janeiro que buscavam criar uma nova sonoridade para o funk carioca. Eles começaram a acelerar a batida das músicas, adicionando samples de outras músicas e criando remixes que tornaram o som ainda mais intenso e dançante. O Funk 150 BPM se popularizou rapidamente em todo o país, principalmente entre os jovens das periferias, que se identificaram com a energia e a animação das músicas. Alguns dos principais artistas desse estilo incluem MC Kevinho, MC Livinho, MC Don Juan, entre outros. O sucesso do Funk 150 BPM está relacionado à sua capacidade de fazer o público dançar e se divertir, além de sua popularidade nas redes sociais, onde as músicas e os videoclipes se tornam virais em questão de horas. No entanto, o estilo também tem sido criticado por suas letras muitas vezes explícitas e por promover uma cultura de ostentação e consumo.

O gênero Funketon, também conhecido como Funketon Brasileiro, é um estilo musical que combina elementos do funk carioca com o reggaeton, gênero de música originário de Porto Rico. Sua origem remonta ao final da década de 2000 e início dos anos 2010, quando artistas brasileiros começaram a incorporar elementos do reggaeton em suas produções de funk carioca. O funk carioca, também conhecido como baile funk, é um estilo de música originário das favelas do Rio de Janeiro, no Brasil, que surgiu na década de 1970. Ele é caracterizado por batidas pesadas, linhas de baixo marcantes e letras que abordam temas relacionados à realidade das comunidades e ao cotidiano urbano. O reggaeton é um gênero musical que se originou em Porto Rico, nas décadas de 1990 e 2000. Ele combina influências do reggae jamaicano, dancehall e hip-hop com elementos da música latina, como salsa e merengue. O reggaeton se tornou extremamente popular em toda a América Latina e em outras partes do mundo, impulsionado por artistas como Daddy Yankee, Don Omar e Wisin & Yandel. No Brasil, a fusão do funk carioca com o reggaeton resultou no Funketon. Esse estilo musical mantém as características do funk carioca, como as batidas pesadas e as letras que retratam a realidade das comunidades brasileiras, mas incorpora elementos do reggaeton, como ritmos e influências sonoras latinas. O Funketon ganhou popularidade na cena musical brasileira e tem sido amplamente explorado por artistas contemporâneos, ajudando a diversificar ainda mais o panorama da música urbana no país.

A origem do gênero house music remonta à cidade de Chicago, nos Estados Unidos, durante a década de 1980. O termo "house" deriva do lendário clube noturno chamado "Warehouse", onde o estilo musical se popularizou. O house music foi influenciado por diversos estilos musicais anteriores, como o disco, o funk, o soul e a música eletrônica de sintetizadores. DJs e produtores musicais de Chicago, como Frankie Knuckles, Larry Heard (também conhecido como Mr. Fingers) e Marshall Jefferson, foram fundamentais para o desenvolvimento do gênero. A música house se caracteriza por batidas eletrônicas pulsantes, linhas de baixo profundas e repetitivas, sintetizadores, samples vocais e elementos percussivos. É um estilo que valoriza a percussão e a batida constante, criando um ritmo dançante e contagiante. Os precursores do gênero house são considerados os produtores e DJs de Chicago, nos Estados Unidos, no início dos anos 80. Alguns dos nomes mais influentes incluem Frankie Knuckles, conhecido como o "Padrinho da House", que teve um papel fundamental no desenvolvimento do som e na popularização do gênero. Outros artistas notáveis ​​incluem Larry Heard (também conhecido como Mr. Fingers), Marshall Jefferson e Ron Hardy. Esses pioneiros da música eletrônica de Chicago foram fundamentais na criação de um som único e inovador, combinando elementos de disco, funk, soul e música eletrônica para formar o que veio a ser conhecido como house music.

Acid Break tem suas raízes no movimento de música eletrônica chamado Acid House, que surgiu nos anos 80 em Chicago. O Acid House caracterizava-se por batidas eletrônicas pesadas, linhas de baixo pulsantes e o uso proeminente do sintetizador Roland TB-303, que produzia sons distorcidos e "ácidos". O Acid Break evoluiu a partir dessa base, adicionando elementos de breakbeat, uma batida que enfatiza as percussões e os cortes rítmicos. Combinando os elementos do Acid House com a energia e a complexidade do breakbeat, o Acid Break se tornou um subgênero distinto e popular na música eletrônica. oS precursores podem ser considerados os artistas e produtores que trabalharam nessas duas vertentes. O Acid House teve como precursores DJs e produtores de Chicago, como Frankie Knuckles, Larry Heard e Marshall Jefferson. O Breakbeat, por sua vez, teve influências de estilos musicais como funk, hip-hop e electro. Artistas pioneiros do Breakbeat incluem Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa e The Sugarhill Gang. A combinação desses elementos musicais resultou no desenvolvimento do Acid Break, mas não há uma figura específica que seja apontada como seu precursor exclusivo. O gênero foi moldado por vários artistas e produtores ao longo do tempo.

Acid House originou-se no início dos anos 80 em Chicago, nos Estados Unidos. Foi influenciado pela música eletrônica, disco, funk e soul. O som característico do Acid House foi desenvolvido através do uso proeminente do sintetizador Roland TB-303, que produzia sons distorcidos e "ácidos". DJs e produtores como Frankie Knuckles, Larry Heard e Marshall Jefferson foram pioneiros nesse estilo, misturando batidas eletrônicas pesadas, linhas de baixo pulsantes e samples de vocais para criar uma atmosfera energética e dançante. O Acid House teve um impacto significativo na cultura musical e na cena da música eletrônica em todo o mundo, influenciando outros gêneros e dando origem a subgêneros como o Acid Break e o Techno Acid. Os precursores do gênero Acid House são frequentemente associados a alguns artistas e produtores chave da cena musical de Chicago, nos Estados Unidos, durante o final dos anos 80. Frankie Knuckles, conhecido como o "Padrinho da House", desempenhou um papel fundamental na popularização do Acid House, tanto como DJ quanto como produtor. Outros artistas notáveis ​​incluem Phuture (grupo composto por DJ Pierre, Spanky e Herb J), que lançou a faixa "Acid Tracks" em 1987, considerada uma das primeiras músicas Acid House. Além disso, nomes como Marshall Jefferson, Larry Heard (também conhecido como Mr. Fingers), Ron Hardy e Adonis contribuíram para a definição e expansão do som acidificado e pulsante que caracteriza o gênero. Esses artistas foram pioneiros em experimentar e explorar os sons e efeitos do sintetizador Roland TB-303, que desempenhou um papel essencial na criação do som distintivo do Acid House.

Ambient House teve origem no final dos anos 80 e início dos anos 90 como uma fusão entre a música ambient e o house. Ele surgiu como uma resposta à cultura de clubes e festas, buscando criar uma atmosfera mais relaxante e introspectiva. Os artistas pioneiros desse gênero incluem The Orb, The KLF e The Future Sound of London. Eles combinaram elementos rítmicos e percussivos do house com texturas sonoras atmosféricas e paisagens sonoras envolventes do ambient. O resultado foi uma música eletrônica mais melódica, calma e contemplativa, adequada tanto para a pista de dança quanto para momentos de relaxamento. O gênero Ambient House foi caracterizado pelo uso de samples vocais, efeitos sonoros sutis e batidas suaves, criando uma experiência sonora imersiva e tranquila. Esses artistas e suas experimentações foram fundamentais para definir e popularizar o gênero Ambient House.

Acid Balearic Beat tem suas origens na cena musical das Ilhas Baleares, na Espanha, durante os anos 80 e início dos anos 90. Ele combina elementos de Acid House, Balearic Beat e música eletrônica ambiental. O termo "Balearic" refere-se especificamente ao estilo musical influente das Ilhas Baleares, conhecido por sua fusão de estilos como rock, pop, música folclórica e dance. O Acid Balearic Beat acrescentou a isso os sons ácidos e sintetizados do Acid House, criando uma atmosfera mais psicodélica e dançante. A cena das Ilhas Baleares, especialmente em Ibiza, foi um importante ponto de encontro para DJs e produtores que experimentavam e tocavam esse som. O gênero ganhou popularidade em clubes e festas, com sua mistura única de batidas dançantes, linhas de baixo pulsantes, melodias cativantes e elementos ambientais, proporcionando uma experiência sonora diversificada e atraente para os ouvintes. O gênero Balearic Beat teve vários precursores e influências ao longo do tempo. Alguns artistas e DJs pioneiros que contribuíram para a criação e desenvolvimento desse estilo musical incluem: Alfredo Fiorito: Alfredo, como é conhecido, foi um DJ argentino radicado em Ibiza, Espanha, durante os anos 80. Ele é amplamente creditado como um dos precursores do Balearic Beat, introduzindo uma mistura eclética de estilos musicais em suas sessões, incluindo disco, funk, pop, rock e música folclórica espanhola. José Padilla: O falecido DJ espanhol José Padilla teve um papel significativo no desenvolvimento do Balearic Beat. Ele era um residente do Café del Mar, em Ibiza, onde criava mixtapes com uma atmosfera relaxante e eclética, combinando música ambiente, pop suave e influências étnicas. DJ Pippi: Outro DJ de destaque da cena de Ibiza é DJ Pippi, que também contribuiu para o surgimento do Balearic Beat. Ele era conhecido por suas seleções musicais diversificadas, que iam desde o reggae ao pop, passando pelo funk, soul e música latina. Esses artistas, entre outros, foram fundamentais na criação do estilo Balearic Beat, trazendo uma abordagem mais eclética e descontraída à música de clubes. Suas seleções musicais diversificadas e atmosfera descontraída influenciaram outros artistas e ajudaram a estabelecer a identidade sonora característica do gênero.

O gênero Bass House tem sua origem no cruzamento entre o House e o Bassline, duas formas de música eletrônica. Ele surgiu no início dos anos 2010, com artistas como AC Slater, Jack Beats e Jauz sendo considerados pioneiros. O Bass House é caracterizado por suas linhas de baixo pesadas e pulsantes, combinadas com elementos do House, como batidas de dança e vocais. O gênero ganhou popularidade com sua energia e vibração intensas, adequadas para festivais e pistas de dança. O Bass House continua evoluindo, influenciando outros subgêneros e mantendo-se como uma parte vibrante da cena da música eletrônica atual. Bass House teve vários precursores que contribuíram para sua formação. Alguns artistas notáveis ​​que desempenharam um papel importante no desenvolvimento do gênero incluem AC Slater, um produtor e DJ britânico-americano conhecido por sua abordagem única de combinar elementos do House com linhas de baixo pesadas e influências do UK Garage; Jack Beats, um duo de produtores britânicos que ganhou destaque por seu som distintivo que combinava elementos do House, Electro e Bassline; e Jauz, um produtor americano que trouxe uma abordagem única ao combinar elementos do Bassline e Dubstep com o House. Esses artistas foram pioneiros em fundir os diferentes estilos musicais para criar o som distintivo do Bass House. Sua influência ajudou a estabelecer as bases do gênero e abrir caminho para uma nova onda de artistas que seguiram essa direção sonora.

O gênero Brazilian Bass é um estilo de música eletrônica que surgiu no Brasil no início dos anos 2010. Ele é uma fusão de elementos do House, Electro House e Bassline, com influências da música brasileira, especialmente do Funk Carioca e do Baile Funk. O Brazilian Bass é conhecido por suas linhas de baixo pesadas e pulsantes, batidas de dança enérgicas e uso de samples vocais em português. Artistas como Alok, Vintage Culture, Bhaskar e Cat Dealers foram importantes para popularizar o gênero e levá-lo para fora do Brasil. Com sua combinação de ritmos contagiantes e batidas poderosas, o Brazilian Bass se tornou um fenômeno na cena da música eletrônica nacional e internacional, influenciando outros artistas e expandindo seu alcance globalmente. O gênero Brazilian Bass teve vários precursores que contribuíram para sua formação. Alguns artistas notáveis ​​que desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento do gênero incluem Alok, considerado um dos principais pioneiros do Brazilian Bass, com seus hits como "Hear Me Now" e "Never Let Me Go"; Vintage Culture, conhecido por suas produções que combinam elementos do Deep House com sonoridades brasileiras; Bhaskar, irmão de Alok, que também teve contribuições significativas para o gênero; e Cat Dealers, duo brasileiro que ganhou destaque internacional com sua mistura de Bass House e sonoridades tropicais. Esses artistas foram essenciais para popularizar o Brazilian Bass, levando-o além das fronteiras brasileiras e ganhando reconhecimento internacional. Sua influência ajudou a estabelecer as bases do gênero e inspirou uma nova geração de produtores a explorar essa fusão de estilos musicais.

O gênero Deep House teve origem no final dos anos 80 e início dos anos 90 em Chicago, nos Estados Unidos. Ele é uma evolução do House tradicional, com ênfase em ritmos mais lentos, batidas suaves e atmosferas melódicas. O Deep House incorpora influências do soul, do jazz e do funk, proporcionando um som mais introspectivo e emotivo. Alguns dos precursores do gênero incluem Larry Heard (também conhecido como Mr. Fingers), Frankie Knuckles e Marshall Jefferson. Esses artistas foram fundamentais na criação de uma sonoridade profunda e envolvente, caracterizada por batidas pulsantes, linhas de baixo marcantes, harmonias sofisticadas e vocais soulful. O Deep House se espalhou pelo mundo e continua sendo um gênero popular na música eletrônica, com artistas como Kerri Chandler, Maya Jane Coles e Dixon contribuindo para sua evolução e diversificação sonora ao longo dos anos. Os precursores do gênero Deep House são artistas pioneiros que tiveram um papel fundamental na definição e desenvolvimento desse estilo musical. Alguns dos principais precursores do Deep House incluem Larry Heard (também conhecido como Mr. Fingers), que é frequentemente creditado como um dos primeiros a criar o som distintivo do Deep House com faixas como "Can You Feel It" em 1986; Frankie Knuckles, conhecido como o "Padrinho da House", que trouxe elementos mais melódicos e emocionais para a música de dança com faixas como "Your Love" e "Tears"; e Marshall Jefferson, cujo trabalho influente inclui faixas como "Move Your Body". Esses artistas e suas produções ajudaram a definir o som do Deep House, incorporando batidas mais lentas, linhas de baixo marcantes, harmonias sofisticadas e vocais soulful. Seu legado continua a influenciar gerações de artistas dentro do gênero e além.

O gênero Dirty House é um subgênero da música eletrônica que se originou no final dos anos 2000 e início dos anos 2010. Ele é caracterizado por suas batidas pesadas, sintetizadores distorcidos e influências do Electro House, Dutch House e Bass House. O Dirty House tem uma sonoridade suja, agressiva e energética, com foco em linhas de baixo pulsantes e elementos sonoros sujos e distorcidos. Artistas como Chuckie, Afrojack e Laidback Luke são frequentemente associados ao desenvolvimento do Dirty House, trazendo um som ousado e impactante para as pistas de dança. Esse gênero atraiu fãs com sua intensidade e atitude, sendo popular em festivais e clubes de música eletrônica. O Dirty House continua a evoluir e influenciar outros subgêneros da música eletrônica, mantendo sua identidade sonora única. O gênero Dirty House não tem um precursor específico, mas foi influenciado por vários artistas e produtores que contribuíram para o desenvolvimento do som característico. Alguns dos artistas notáveis ​​que ajudaram a moldar o gênero incluem Chuckie, um DJ e produtor neerlandês conhecido por sua abordagem enérgica e agressiva da música eletrônica; Afrojack, outro produtor neerlandês que trouxe elementos do Dirty Dutch e Electro House para suas produções; e Laidback Luke, um DJ e produtor também neerlandês que misturou elementos do Electro House com sons sujos e distorcidos. Esses artistas foram fundamentais na criação e popularização do Dirty House, trazendo uma sonoridade única e uma nova energia para as pistas de dança. Sua influência ajudou a definir o som e o estilo do Dirty House e inspirou uma nova geração de artistas a explorar essa abordagem sonora intensa e ousada.

Electro House teve origem no final dos anos 1990 e início dos anos 2000, emergindo como uma fusão do Electro, que remonta à década de 1980, e do House, um gênero popular da música eletrônica. O Electro House é conhecido por suas batidas energéticas, sintetizadores pesados e elementos de música eletrônica mais antiga, como o uso de vocoders e samples de música eletrônica dos anos 1980. Artistas como Daft Punk, Justice e Benny Benassi são considerados precursores do gênero, trazendo uma abordagem mais eletrônica e pesada ao House tradicional. O Electro House ganhou popularidade na cena da música eletrônica, especialmente em festivais e clubes, devido à sua natureza enérgica e cativante. Com o tempo, o gênero evoluiu e se diversificou, dando origem a subgêneros como o Complextro e o Dirty Electro. O Electro House continua a ser uma parte importante da música eletrônica contemporânea, influenciando outros gêneros e estilos. O gênero Electro House teve vários precursores que contribuíram para sua formação. Alguns dos artistas notáveis que desempenharam um papel importante no desenvolvimento do gênero incluem: Daft Punk: O lendário duo francês Daft Punk é amplamente considerado como um dos precursores do Electro House. Suas produções inovadoras, como "Around the World" e "Da Funk", misturaram elementos do House com sintetizadores pesados e batidas eletrônicas, ajudando a definir o som do gênero. Justice: O duo francês Justice teve um impacto significativo na evolução do Electro House com seu álbum de estreia, "†" (Cross). Com faixas como "D.A.N.C.E." e "Waters of Nazareth", eles trouxeram uma abordagem energética e distorcida, combinando elementos do rock e da música eletrônica. Benny Benassi: O DJ e produtor italiano Benny Benassi é conhecido por suas faixas icônicas, como "Satisfaction". Sua música apresenta uma combinação única de batidas de dança pulsantes, sintetizadores cativantes e elementos de música eletrônica mais antiga, ajudando a estabelecer o som do Electro House.

O gênero Flash House teve origem no final dos anos 1980 e início dos anos 1990, especialmente no Brasil e em outros países da América Latina. É uma mistura de estilos como o House, Hip-Hop, Dance-Pop e Eurodance. O Flash House é conhecido por suas batidas animadas, melodias cativantes e samples de músicas populares da época. O gênero se destacou pela inclusão de elementos visuais, como coreografias e performances teatrais em suas apresentações. Artistas como Technotronic, C+C Music Factory e Black Box são exemplos de artistas que tiveram sucesso nesse estilo. Embora tenha sido popular principalmente durante os anos 1990, o Flash House ainda tem fãs e é lembrado como um estilo festivo e dançante da música eletrônica da época. Os precursores são: Technotronic: O grupo belga Technotronic foi um dos principais expoentes do Flash House. Eles ganharam destaque com o hit "Pump Up the Jam" em 1989, que combinava elementos de House, Hip-Hop e música de dança. C+C Music Factory: O duo americano C+C Music Factory teve um impacto significativo no Flash House com faixas como "Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now)". Suas músicas apresentavam uma mistura de House, Dance-Pop e Hip-Hop, com batidas contagiantes e vocais cativantes. Black Box: O grupo italiano Black Box alcançou sucesso com a faixa "Ride On Time" em 1989. Sua música combinava elementos de House com samples de vocais soulful, criando um som distintivo que se tornou um dos pilares do Flash House.

French House teve origem na França no final dos anos 1990 e início dos anos 2000. Foi uma evolução do House tradicional, com uma abordagem distintamente francesa. O French House é conhecido por suas batidas funk, samples de música disco e elementos retrô, combinados com uma produção moderna. O gênero foi influenciado por artistas como Daft Punk, Stardust e Bob Sinclar, que trouxeram um estilo único de música eletrônica com uma estética elegante e sofisticada. O French House teve um impacto significativo na cena da música eletrônica, ganhando popularidade tanto na França quanto internacionalmente. Sua combinação de ritmos dançantes, grooves cativantes e referências nostálgicas da música disco tornaram-se marcas registradas do gênero. O French House continua a ser uma influência importante na música eletrônica até os dias de hoje. Alguns dos precursores notáveis ​​do gênero incluem: Daft Punk: O lendário duo francês Daft Punk é frequentemente considerado como um dos principais precursores do French House. Com faixas icônicas como "Around the World" e "Da Funk", eles trouxeram uma mistura única de elementos do funk, disco e música eletrônica, caracterizando o som distintivo do French House. Stardust: O projeto colaborativo formado por Alan Braxe, Thomas Bangalter (do Daft Punk) e Benjamin Diamond teve um grande impacto no gênero com a faixa "Music Sounds Better with You" lançada em 1998. A música cativante e os samples bem escolhidos tornaram-se um marco do French House. Bob Sinclar: O DJ e produtor francês Bob Sinclar também foi um precursor do French House. Com faixas como "Gym Tonic" e "I Feel for You", ele incorporou influências da música disco e elementos retrô em seu som, ajudando a definir o estilo do French House.

O gênero Funk House teve origem no final dos anos 1990 e início dos anos 2000 como uma fusão do Funk e do House. Ele combina elementos rítmicos e melódicos do Funk, como grooves cativantes, linhas de baixo pulsantes e vocais soulful, com a estrutura e as batidas do House. O Funk House é conhecido por sua energia contagiante, batidas dançantes e uma atmosfera festiva. O gênero ganhou popularidade especialmente nas pistas de dança, misturando elementos retrô com uma produção moderna. Artistas como Junior Jack, Bob Sinclar e Roger Sanchez estão associados ao desenvolvimento e popularização do Funk House. Desde então, o gênero evoluiu e se diversificou, incorporando influências de outros estilos musicais e mantendo sua vibração festiva e contagiante. Alguns dos precursores notáveis ​​do gênero incluem: Junior Jack: O produtor italiano Junior Jack teve um papel importante no desenvolvimento do Funk House. Sua música combina elementos do Funk, Disco e House, com faixas como "Stupidisco" e "E Samba" se destacando como exemplos do gênero. Bob Sinclar: O DJ e produtor francês Bob Sinclar também é considerado um dos precursores do Funk House. Suas produções incluem batidas animadas, samples de música Funk e elementos de House, criando um som festivo e contagiante. Roger Sanchez: O DJ e produtor americano Roger Sanchez é conhecido por sua abordagem enérgica e cativante do Funk House. Suas faixas, como "Another Chance" e "Lost", incorporam elementos de música Funk e Disco em uma estrutura House, resultando em um som distintivo.

Ghetto House teve origem nos anos 1980 em Chicago, Estados Unidos, e é uma ramificação do House e do Hip-Hop. Ele é caracterizado por batidas rápidas, basslines pesados, vocais agressivos e letras explícitas. O Ghetto House surgiu nas comunidades marginalizadas de Chicago, refletindo a realidade das ruas e abordando temas como violência, sexualidade e vida urbana. DJ Funk, DJ Deeon e DJ Slugo são alguns dos artistas pioneiros do gênero, que se tornou popular em festas locais e clubes underground. O Ghetto House influenciou outros gêneros, como o Juke e o Footwork, e continua a ser uma parte importante da cultura musical urbana. Alguns dos artistas notáveis que ajudaram a estabelecer o som do Ghetto House incluem: DJ Funk: DJ Funk, também conhecido como The King of Ghetto House, é considerado um dos principais precursores do gênero. Ele ganhou destaque na cena musical de Chicago nos anos 1990, com suas batidas rápidas, basslines pesados e letras explícitas. Faixas como "Work It" e "Pump It" se tornaram hinos do Ghetto House. DJ Deeon: Outro artista importante no cenário do Ghetto House é DJ Deeon. Ele é conhecido por suas batidas pulsantes e letras provocativas, contribuindo para a formação do som crú e direto do gênero. Faixas como "Let Me Bang" e "Freak Like Me" exemplificam o estilo distintivo do Ghetto House de DJ Deeon. DJ Slugo: DJ Slugo é outro nome significativo na história do Ghetto House. Suas produções enérgicas e agressivas ajudaram a definir o som do gênero, com faixas como "Wouldn't You Like to Be a Hoe?" e "Godzilla". Ele foi fundamental na popularização do Ghetto House tanto localmente em Chicago quanto internacionalmente.

O gênero Chicago House teve origem na cidade de Chicago, nos Estados Unidos, no início dos anos 1980. Foi uma resposta criativa à cena musical em constante evolução da época. O Chicago House é caracterizado por batidas eletrônicas pulsantes, sintetizadores, samples de música disco e vocais soulful. Foi influenciado por artistas e DJs locais, como Frankie Knuckles, Larry Heard (também conhecido como Mr. Fingers) e Marshall Jefferson. Esses pioneiros do gênero foram fundamentais na criação de uma cultura musical vibrante em torno do Chicago House, especialmente no lendário clube The Warehouse. O som enérgico e cativante do Chicago House teve um impacto significativo na música eletrônica, influenciando muitos outros subgêneros e estilos ao redor do mundo. Até hoje, o Chicago House continua a ser uma força vital na cena da música eletrônica, celebrando as raízes da cultura house e mantendo sua relevância. Os precursores do gênero Chicago House foram uma série de artistas e DJs que desempenharam papéis fundamentais no desenvolvimento e popularização do estilo. Alguns dos precursores notáveis ​​do gênero incluem: Frankie Knuckles: Conhecido como o "Padrinho da House Music", Frankie Knuckles foi um DJ e produtor americano que teve um papel fundamental na criação do som distintivo do Chicago House. Ele foi o residente do lendário clube The Warehouse, onde desenvolveu uma abordagem única para mixar música disco com batidas eletrônicas pulsantes, influenciando toda uma geração de artistas. Larry Heard (Mr. Fingers): Larry Heard, também conhecido como Mr. Fingers, é outro pioneiro do Chicago House. Ele é conhecido por suas habilidades como produtor e suas produções inovadoras, que combinavam elementos eletrônicos com influências do jazz e do soul. Músicas como "Can You Feel It" e "Mystery of Love" são consideradas clássicos do gênero. Marshall Jefferson: Marshall Jefferson é um produtor, compositor e DJ americano que desempenhou um papel importante no surgimento do Chicago House. Ele é conhecido por produzir faixas influentes, como "Move Your Body" e "House Music Anthem", que ajudaram a estabelecer o som e a energia do gênero.

O gênero House Dance tem suas raízes na cidade de Chicago, nos Estados Unidos, no início dos anos 1980. Ele surgiu em paralelo ao desenvolvimento do Chicago House, estilo musical que combinava elementos de música eletrônica com influências do disco e do soul. House Dance é uma forma de dança social que se desenvolveu nas festas de House em clubes e locais underground. Inspirada pelos ritmos pulsantes e batidas cativantes do House, a dança House incorpora movimentos enérgicos, fluidos e expressivos, com foco na liberdade de expressão individual e na conexão com a música. A dança House se espalhou para outras cidades e países, se tornando uma parte integral da cultura da música eletrônica e influenciando estilos de dança subsequentes. House Dance não tem precursores específicos, pois é uma forma de dança que se desenvolveu organicamente nas festas de House em Chicago. No entanto, pode-se dizer que a comunidade dance de Chicago como um todo foi fundamental na criação e desenvolvimento do estilo. Os dançarinos locais que frequentavam as festas de House, como Frankie Knuckles, Larry Heard e Marshall Jefferson, foram influentes ao estabelecer a conexão entre a música House e a dança. Eles criaram um ambiente em que a dança House pôde florescer, incentivando a expressão individual, a improvisação e a conexão com a música. Ao longo dos anos, a comunidade de dança House cresceu e se espalhou por todo o mundo, com dançarinos e professores contribuindo para a evolução contínua do estilo. Hoje, a dança House é praticada e apreciada por dançarinos em todo o mundo, sendo uma forma de expressão artística única e vibrante.

O gênero Fidget teve origem no Reino Unido, no início dos anos 2000. Ele é uma fusão de estilos como House, Electro, Techno e Breakbeat, com influências do Bassline e do Garage. O Fidget é caracterizado por seus elementos sonoros intensos, como basslines agressivos, sintetizadores distorcidos e samples vocais cativantes. O gênero ganhou popularidade através de DJs e produtores como Switch, Jesse Rose e Sinden, que lançaram faixas e mixagens que encapsulavam a energia e a atitude do Fidget. O som único do Fidget se destacava pela sua abordagem frenética e caótica, com uma ênfase na combinação de diferentes elementos musicais. Embora o Fidget tenha diminuído em popularidade ao longo do tempo, seu legado pode ser sentido em outros gêneros e estilos contemporâneos da música eletrônica. O gênero Fidget teve vários precursores que ajudaram a moldar seu som distintivo. Alguns dos artistas notáveis que desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento do Fidget incluem: Switch: O DJ e produtor britânico Switch é considerado um dos principais precursores do gênero Fidget. Suas produções incorporavam elementos de House, Electro e Bassline, com batidas agressivas e sintetizadores distorcidos. Sua faixa "A Bit Patchy" é um exemplo icônico do som do Fidget. Jesse Rose: Jesse Rose, também do Reino Unido, teve um papel importante no desenvolvimento e popularização do Fidget. Suas produções combinavam elementos de House e Electro com uma abordagem enérgica e experimental. Músicas como "Touch My Horn" e "Forget My Name" são consideradas clássicos do gênero. Sinden: O DJ e produtor britânico Sinden também é conhecido por sua contribuição para o gênero Fidget. Ele ajudou a impulsionar o som com suas mixagens e produções que incorporavam uma mistura de estilos, incluindo House, Electro e Bassline.

O gênero Micro, também conhecido como Microhouse, teve origem no final dos anos 1990 e início dos anos 2000, principalmente na cena musical de Berlim, Alemanha. Ele é uma fusão entre a música eletrônica minimalista, como o Minimal Techno, e elementos do House. O Micro é caracterizado por seus ritmos delicados, texturas sonoras sutis, samples minimalistas e batidas suaves. O gênero valoriza a simplicidade e a precisão dos sons, criando paisagens sonoras hipnóticas e atmosféricas. Artistas como Akufen, Richie Hawtin (sob o pseudônimo Plastikman) e Ricardo Villalobos foram pioneiros do gênero, lançando faixas e álbuns que encapsulavam o estilo distintivo do Micro. O gênero teve um impacto significativo na cena da música eletrônica, influenciando outros subgêneros e estilos, e continua a ser uma parte importante da cultura musical underground. O gênero Micro, também conhecido como Microhouse, foi influenciado por vários artistas que desempenharam um papel importante na sua origem e desenvolvimento. Alguns dos precursores notáveis ​​do gênero Micro incluem: Akufen: Marc Leclair, conhecido pelo nome artístico Akufen, foi um dos principais precursores do gênero Micro. Sua abordagem inovadora de samplear pequenos trechos de áudio e criar faixas intricadas e detalhadas influenciou significativamente o som do Micro. Richie Hawtin (Plastikman): Richie Hawtin, um renomado produtor e DJ, também teve um impacto significativo na cena do Micro. Sob o pseudônimo Plastikman, ele explorou os sons minimalistas e as batidas pulsantes que se tornaram características do gênero. Ricardo Villalobos: O DJ e produtor chileno-alemão Ricardo Villalobos é outro artista que contribuiu para a origem do gênero Micro. Sua abordagem experimental e uso de elementos sutis e minimalistas ajudaram a moldar o som distintivo do Micro.

O gênero Italo House teve origem na Itália durante a segunda metade dos anos 1980. Foi uma fusão de elementos da música house, que estava ganhando popularidade na época, com influências da música italo-disco, um gênero musical eletrônico italiano dos anos 1980. O Italo House é caracterizado por batidas pulsantes, linhas de baixo cativantes, sintetizadores melódicos e vocais emocionantes. Artistas e produtores italianos, como Black Box, Cappella e 49ers, foram pioneiros do gênero, lançando faixas que se tornaram sucessos internacionais. O Italo House encontrou um amplo apelo nas pistas de dança e nas rádios, combinando elementos de música pop e música eletrônica. Embora tenha atingido seu auge de popularidade na década de 1990, o legado do Italo House pode ser sentido até hoje, com suas influências sendo incorporadas em diferentes estilos e gêneros da música eletrônica. Alguns dos precursores notáveis do gênero Italo House incluem: Black Box: Black Box foi um grupo de música eletrônica italiano que alcançou sucesso internacional com o hit "Ride On Time" em 1989. Sua música combinava elementos da música house com vocais soulful, tornando-se um dos primeiros exemplos bem-sucedidos do gênero Italo House. Cappella: Cappella foi um projeto de música dance italiano liderado pelo produtor Gianfranco Bortolotti. Seus lançamentos, como "U Got 2 Know" e "Move On Baby", apresentavam batidas energéticas, vocais cativantes e influências da música house, ajudando a estabelecer o som do Italo House. 49ers: O duo italiano 49ers, formado por Gianfranco Bortolotti e Luca Cittadini, também foi um precursor do gênero Italo House. Suas músicas, como "Touch Me" e "Don't You Love Me", combinavam batidas pulsantes com melodias pop e vocais contagiantes.

O Low House é um gênero da House music, gerado a partir da fusão de Deep House na harmonia e o Tech House no BPM 127 E 128, reforço no grave e utilização de vários elementos de percussão, aos 2 minutos da música em geral ela se modifica completamente dando ideia de 2 em 1, utilizando notas de músicas consagradas... sintetinzadas e modificadas... acompanhada de um pequeno refrão ou frase de efeito...uma espécie de dejavu musical... extremamente dançante e para cima embora o nome sugere algo lento... é o lento em 127 BPM.

O gênero New York, também conhecido como New York House, teve origem na cidade de Nova York, nos Estados Unidos, durante a década de 1980. Foi uma evolução da música House, trazendo influências do disco, do funk e da música negra norte-americana. O New York House é caracterizado por batidas pulsantes, grooves dançantes, vocais soulful e elementos percussivos. DJs e produtores da cena musical de Nova York, como Larry Levan, Frankie Knuckles, Masters at Work e Todd Terry, foram fundamentais na criação e popularização do gênero. As festas em clubes como Paradise Garage e The Loft foram espaços cruciais para o desenvolvimento e disseminação do som do New York House. O gênero teve um impacto significativo na música eletrônica, influenciando outros estilos e subgêneros, além de se tornar um dos pilares da cultura da música de dança em Nova York.

O gênero Progressive House teve origem no início dos anos 1990, principalmente no Reino Unido. Foi uma evolução do gênero House, combinando elementos da música House tradicional com influências do Trance e da música eletrônica progressiva. O Progressive House é caracterizado por batidas pulsantes, linhas de baixo distintas, melodias cativantes e uma progressão gradual e evolutiva ao longo da música. DJs e produtores como Sasha, John Digweed, Paul Oakenfold e Eric Prydz foram fundamentais na popularização do gênero. O Progressive House teve um impacto significativo na cena da música eletrônica, influenciando outros estilos e subgêneros, e se tornou um dos gêneros mais populares e duradouros na música de dança. Alguns dos precursores notáveis do gênero Progressive House incluem: Sasha: Sasha, também conhecido como "The Welsh Wizard", é um renomado DJ e produtor britânico. Ele é amplamente considerado um dos precursores do gênero Progressive House, com sua abordagem única de mixagem e produção que enfatiza a progressão gradual e melódica das músicas. John Digweed: John Digweed é outro DJ britânico influente que contribuiu para a origem do gênero Progressive House. Ele é conhecido por suas mixagens habilidosas e sua capacidade de contar histórias musicais através de suas performances, ajudando a estabelecer o som distintivo do gênero. Paul Oakenfold: Paul Oakenfold é um DJ e produtor britânico que teve um impacto significativo na cena da música eletrônica e foi um dos precursores do Progressive House. Ele incorporou elementos do Trance em suas produções e performances, contribuindo para a evolução do som do gênero. Eric Prydz: Eric Prydz, um DJ e produtor sueco, também desempenhou um papel fundamental na popularização do gênero Progressive House. Suas faixas e sets icônicos, como "Call on Me" e "Pjanoo", ajudaram a elevar o gênero a novos patamares de popularidade.

O gênero Soulful House teve origem nas comunidades negras dos Estados Unidos, especialmente em cidades como Chicago e Nova York, durante os anos 1980. Ele é uma fusão do House, que estava em ascensão na época, com influências do Soul, R&B e Disco. O Soulful House é caracterizado por batidas de dança cativantes, vocais emocionais e letras positivas e edificantes. O gênero tem uma ênfase na expressão de sentimentos e na conexão emocional com a música. Artistas como Frankie Knuckles, Masters at Work, Louie Vega e Kerri Chandler foram fundamentais na criação e popularização do gênero. O Soulful House continua a ser uma forma popular de música de dança, transmitindo mensagens de amor, espiritualidade e resiliência por meio de suas melodias soulful e batidas contagiante. Alguns dos precursores notáveis do gênero Soulful House incluem: Frankie Knuckles: Conhecido como o "Padrinho do House", Frankie Knuckles foi um DJ e produtor americano que teve um papel fundamental na criação do gênero. Ele combinou elementos do disco, do soul e do R&B com batidas de House, criando um som distintivo que influenciou muitos artistas do gênero. Masters at Work: O duo americano de produção musical Masters at Work, formado por Kenny "Dope" Gonzalez e "Little" Louie Vega, foi extremamente influente no desenvolvimento do Soulful House. Sua abordagem única de combinar elementos de música soul, jazz e latin com batidas de House resultou em faixas icônicas do gênero. Kerri Chandler: Kerri Chandler, um DJ e produtor americano, também é considerado um precursor do gênero Soulful House. Ele é conhecido por suas produções que combinam elementos de música soul e disco com batidas de House, e sua abordagem única de mixagem e composição musical. Barbara Tucker: Barbara Tucker, cantora e compositora americana, foi uma das primeiras vocalistas a se destacar no gênero Soulful House. Suas performances vocais energéticas e emocionais contribuíram para o desenvolvimento do som do gênero, e ela colaborou com muitos dos principais produtores do gênero.

Tech House teve origem no final dos anos 1990 e início dos anos 2000, como uma fusão dos elementos da música House com sons e estilos da música Techno. Ele combina batidas pulsantes e minimalistas do Techno com os elementos melódicos e grooves da música House, resultando em um som característico que é adequado tanto para os clubes como para os festivais. O Tech House é conhecido por suas batidas sólidas, linhas de baixo pulsantes, elementos percussivos marcantes e uso criativo de samples. Alguns dos artistas que contribuíram para a origem e popularização do gênero incluem Carl Cox, Richie Hawtin, Marco Carola e Jamie Jones. O Tech House continua a evoluir e a ser uma parte importante da cena da música eletrônica, com uma base sólida de fãs em todo o mundo. Alguns dos precursores notáveis do gênero Tech House incluem: Carl Cox: O renomado DJ e produtor britânico Carl Cox é frequentemente citado como um dos principais precursores do Tech House. Sua habilidade em mesclar os elementos da música House com batidas mais robustas e elementos do Techno ajudou a definir o som do gênero. Richie Hawtin: Richie Hawtin, também conhecido como Plastikman, é um produtor e DJ canadense que teve um impacto significativo na cena da música eletrônica. Ele foi pioneiro na fusão dos elementos do Techno com a sensibilidade da música House, criando um som distintivo que influenciou o desenvolvimento do Tech House. Marco Carola: Marco Carola, um DJ e produtor italiano, é outro nome importante na origem do gênero Tech House. Ele é conhecido por suas produções enérgicas e percussivas, que combinam elementos da música House com batidas mais pesadas e características do Techno. Jamie Jones: Jamie Jones, DJ e produtor britânico, é amplamente considerado um dos precursores do som moderno do Tech House. Ele foi fundamental na popularização do gênero, incorporando elementos orgânicos e melódicos ao lado das batidas pulsantes e groove do Tech House.

O gênero Tribal House teve origem na década de 1990, principalmente na cena da música House de Nova York e Chicago. Ele é caracterizado por ritmos percussivos intensos, elementos tribais e influências da música afro-latina. O Tribal House é conhecido por suas batidas enérgicas, tambores pulsantes, vocais étnicos e o uso criativo de samples e percussão. O gênero foi impulsionado por DJs e produtores como David Morales, Danny Tenaglia e Roger Sanchez, que incorporaram esses elementos tribais em suas produções e sets. O Tribal House teve um impacto significativo na música de dança, proporcionando uma experiência energética e cativante nas pistas de dança ao redor do mundo. Alguns dos precursores notáveis do gênero Tribal House incluem: David Morales: David Morales é um renomado DJ e produtor americano que teve um papel importante no desenvolvimento do gênero Tribal House. Suas produções, como "Needin' U" e "In De Ghetto", incorporavam elementos tribais e percussivos, ajudando a definir o som do gênero. Danny Tenaglia: Danny Tenaglia, também um DJ e produtor americano, é outro nome fundamental no surgimento do gênero Tribal House. Sua abordagem única de mixagem e seleção de faixas, combinada com elementos tribais e percussivos, ajudou a moldar o som distintivo do gênero. Roger Sanchez: Roger Sanchez, um DJ e produtor americano de ascendência dominicana, é conhecido por suas contribuições para o gênero Tribal House. Ele incorporou influências da música latina e elementos tribais em suas produções, criando uma fusão de ritmos e batidas cativantes. Masters at Work: O duo de produção musical Masters at Work, formado por Kenny "Dope" Gonzalez e "Little" Louie Vega, também teve um papel significativo na origem do gênero Tribal House. Suas produções incorporavam elementos tribais, percussivos e influências da música afro-latina, ajudando a estabelecer o som característico do gênero.

O gênero Tropical House teve origem no início dos anos 2010 e é caracterizado por uma mistura de elementos da música eletrônica com influências tropicais, como batidas de reggae, instrumentação de música caribenha e vibes de praia. A origem do gênero está frequentemente associada ao DJ e produtor norueguês Kygo, que ganhou destaque com suas remixagens e produções originais no estilo Tropical House. O gênero se destacou por suas batidas suaves, melodias cativantes, uso de instrumentos acústicos e atmosfera descontraída. O Tropical House ganhou popularidade em festivais de música e rádios, trazendo uma sensação de verão e férias. Ele continua a evoluir e a influenciar a música eletrônica contemporânea, incorporando elementos de diferentes estilos musicais para criar uma atmosfera ensolarada e relaxante. O rítmo Tropical House foi popularizado e teve grande influência através do trabalho de vários artistas e produtores, mas um dos precursores mais proeminentes é o DJ e produtor norueguês Kygo. Kygo ganhou destaque na cena musical internacional com suas produções no estilo Tropical House, que combinam batidas de música eletrônica com elementos tropicais, como sons de praia, instrumentos acústicos e vocais suaves. Suas remixagens de músicas populares e produções originais, como "Firestone" e "Stole the Show", ajudaram a popularizar o gênero e a trazê-lo para um público mais amplo. Além de Kygo, outros artistas como Matoma, Felix Jaehn e Thomas Jack também foram importantes na disseminação do Tropical House e na definição de seu som característico.

é um gênero de música que se baseia em sons e temas ásperos, mecânicos, transgressivos ou provocativos. AllMusic define música industrial como a "fusão mais abrasiva e agressiva de rock e música eletrônica" que foi "inicialmente uma mistura de experimentos eletrônicos de vanguarda (música de fita, musique concrète, ruído branco, sintetizadores, sequenciadores, etc.) e provocação punk". O termo foi cunhado em meados da década de 1970 com a fundação da Industrial Records por membros do Throbbing Gristle e Monte Cazazza. Embora o nome do gênero tenha se originado com o surgimento do Throbbing Gristle no Reino Unido, artistas e gravadoras vitais para o gênero também surgiram nos Estados Unidos e em outros países. Os primeiros artistas industriais experimentaram ruído e temas esteticamente controversos, musicalmente e visualmente, como fascismo, perversão sexual e ocultismo. Músicos industriais proeminentes incluem Throbbing Gristle, Monte Cazazza, SPK, Boyd Rice e Cabaret Voltaire.[1] No álbum de estreia de Throbbing Gristle de 1977, The Second Annual Report, eles cunharam o slogan "música industrial para pessoas industriais". A cena da música industrial também se desenvolveu fortemente em Chicago, com o Wax Trax! Records em um ponto liderando a cena da música industrial. Os estilos precursores que influenciaram o desenvolvimento do gênero incluíram musique concrète dos anos 1940 e fontes variadas de world music, além de bandas da era do rock como Faust, Kraftwerk e The Velvet Underground. Os músicos também citam escritores como William S. Burroughs e JG Ballard, e artistas como Brion Gysin, como influências.

Aggrotech, também alcunhado de "hellektro", é um género musical derivado do electro-industrial com fortes influências de música hard trance. Este estilo incorpora batidas agressivas, sons de sintetizador quase sempre iguais ao longo das canções e letras que abordam temas como a morte, terror ou violência. Os vocais costumam ser distorcidos e modificados, de modo a soarem maquinizados e ásperos. O uso de guitarras eléctricas é frequente em bandas mais experimentais.

Anhalt EBM ou EBM neo-oldschool é uma vertente do EBM nascida na Alemanha Oriental e consiste na fusão de elementos da música e subcultura streetpunk/oi! com o EBM oldschool de bandas como Pouppée Fabrikk e Nitzer Ebb. O som consiste basicamente em vocais, uma linha de baixo proveniente de synth analógico e percussão que pode ser eletrônica, acústica e (ou) sucata.

Dark Ambient sendo um subgênero da Música ambiente tem como característica a diversidade. Surgindo entre os anos de 1980 e 1990 onde a música passou por grandes evoluções em termos de novas tecnologias como unidade de efeitos, sintetizadors e samplers para a criação,desenvolvimento e modo da fazer a música.Sua música traz um tom obscuro, denso, enigmático, desconcertante e oculto, geralmente livre de derivados e conexões com outros gêneros ou estilos.

EBM (Electronic Body Music) é um gênero musical resultante da fusão do synthpop dos anos 80 com a música industrial, criando um estilo pesado e agressivo, porém amigável com as pistas de dança. Em meados dos anos 80, o grupo belga Front 242 inventa o termo EBM (eletronic body music) para explicar o som que eles faziam. A música EBM consiste (mas não exclusivamente) de timbres eletrônicos, na grande maioria das vezes sintetizados, letras agressivas, batidas distorcidas e algumas vezes a utilização de instrumentos nada convencionais, como serras elétricas e furadeiras. Como a maioria dos gêneros musicais alternativos, o EBM possui baixa popularidade.

Electro-industrial is a music genre that emerged from industrial music in the early 1980s. While EBM (electronic body music) has a minimal structure and clean production, electro-industrial tends to have a grittier, complex and layered sound with a more experimental approach. The style was pioneered by Skinny Puppy, Front Line Assembly, Numb, and other groups, either from Canada or the Benelux. In the early 2000s style spawned the aggrotech offshoot. The fan base for the style is linked to the rivethead subculture.

O folk noir combina elementos do folk tradicional com elementos do noir, um estilo literário e cinematográfico que geralmente retrata histórias sombrias, atmosferas melancólicas e personagens marginais. A música folk noir tende a ter letras introspectivas e sombrias, frequentemente explorando temas como solidão, morte, desespero e mistério. Embora não haja um consenso sobre quando exatamente o termo "folk noir" começou a ser usado, alguns artistas e bandas que são frequentemente associados a esse gênero incluem The Handsome Family, Timber Timbre e Murder by Death. Esses artistas combinam elementos do folk, country e música americana tradicional com uma abordagem lírica e atmosférica mais sombria e introspectiva.

Futurepop é uma junção de synth pop (como a estrutura da música e o estilo do vocal) incorporando muitas influências do trance (com melodias de sintetizadores). O termo surgiu quando Ronan Harris (do VNV Nation) e Stephan Groth (do Apoptygma Berzerk) tentavam definir o estilo de música produzido por suas bandas.

O gênero musical "Harsh EBM" (Electronic Body Music, em inglês) tem suas raízes no movimento da música industrial dos anos 1980. A música industrial surgiu na Bélgica e na Alemanha como uma fusão de estilos como punk, música eletrônica e música experimental. O "Harsh EBM" é uma variação mais intensa e agressiva da EBM tradicional. Ele incorpora elementos adicionais de música eletrônica pesada, como influências do techno, trance e power noise. O "harsh" no nome se refere à natureza ruidosa e intensa dos sons e batidas usados nesse estilo. Artistas como Combichrist, Grendel e Agonoize são frequentemente associados ao gênero Harsh EBM. Ao longo do tempo, o estilo evoluiu e se ramificou, incorporando influências de outros gêneros como o industrial metal e o aggrotech. Embora a música Harsh EBM tenha suas origens nos anos 1980, o termo "Harsh EBM" em si pode ter surgido mais recentemente para descrever essa variante mais pesada e agressiva da EBM. Como acontece com muitos gêneros musicais, a definição e as características exatas do Harsh EBM podem variar de acordo com a perspectiva e as opiniões dos fãs e artistas envolvidos.

O gênero musical conhecido como "harsh noise" (ruído intenso, em tradução livre) tem suas raízes na música experimental e nas vanguardas artísticas do século XX. O surgimento e desenvolvimento desse gênero podem ser atribuídos a vários artistas e movimentos ao longo do tempo. Uma das primeiras influências do harsh noise remonta ao movimento dadaísta do início do século XX, que buscava romper com as convenções artísticas tradicionais e explorar o caos, a dissonância e a experimentação. Os artistas dadaístas, como Luigi Russolo, por exemplo, criaram instrumentos musicais chamados "intonarumori", projetados para produzir sons estridentes e perturbadores. No entanto, o gênero harsh noise como o conhecemos hoje começou a emergir nas décadas de 1970 e 1980, principalmente no Japão, com o movimento conhecido como "Japanoise" (junção de "Japan" e "noise"). O Japanoise foi influenciado por vários fatores, incluindo o legado da música experimental ocidental, o punk, o industrial e o interesse por tecnologia e eletrônica. Um dos artistas mais conhecidos associados ao gênero é Merzbow, projeto musical de Masami Akita. Merzbow ganhou destaque ao produzir um som intenso e caótico, usando uma combinação de ruídos gerados por sintetizadores, fitas magnéticas manipuladas, feedback e várias fontes de ruído encontradas.

O gênero musical conhecido como "industrial dance" é uma fusão de elementos do industrial, música eletrônica e dance music. Sua origem remonta ao final da década de 1980 e início da década de 1990, em clubes noturnos e cenas alternativas da Europa, principalmente na Alemanha e na Bélgica. O industrial dance evoluiu a partir do movimento musical e cultural conhecido como "industrial", que surgiu na década de 1970. O industrial original era caracterizado por sons experimentais, ruidosos e distorcidos, frequentemente associados a letras politicamente carregadas e estéticas sombrias. Grupos como Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire e Einstürzende Neubauten foram pioneiros nesse estilo. Na década de 1980, o industrial começou a incorporar elementos eletrônicos, utilizando sintetizadores, drum machines e samplers. Essa combinação de sons industriais e eletrônicos abriu caminho para o surgimento do industrial dance. Bandas como Front 242, Nitzer Ebb e KMFDM se destacaram como pioneiras ao misturar batidas eletrônicas e ritmos dançantes com os sons agressivos do industrial.

O gênero musical conhecido como "industrial electronics" é uma ramificação do movimento industrial que surgiu nas décadas de 1970 e 1980. Essa variante do industrial se concentra principalmente na utilização de sons eletrônicos, sintetizadores e texturas sonoras atmosféricas. O industrial electronics compartilha suas origens com o movimento industrial original, que foi pioneiro em artistas como Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire e Einstürzende Neubauten. Esses artistas exploraram o uso de sons industriais, ruídos, experimentação sonora e uma abordagem provocativa para criar música. Com o avanço da tecnologia musical e a popularização dos sintetizadores e samplers, surgiu uma nova onda de artistas que começaram a incorporar elementos eletrônicos em sua música industrial. Grupos como Skinny Puppy, Front Line Assembly e Ministry se destacaram por seu uso de sintetizadores, batidas eletrônicas e paisagens sonoras densas e atmosféricas.

O gênero musical conhecido como "isolationism" (isolacionismo) é uma corrente da música experimental que emergiu no início dos anos 1990. Seu nome refere-se ao tema subjacente de isolamento, solidão e atmosfera contemplativa presente nessa forma de expressão sonora. O isolationism é caracterizado por paisagens sonoras expansivas, texturas atmosféricas, drones sutis e elementos minimalistas. O surgimento do isolationism foi influenciado por vários movimentos e gêneros musicais, incluindo a música ambient, a música industrial, a música concreta e a música eletrônica experimental. Artistas e projetos como Robert Rich, Lustmord, Thomas Köner e Zoviet France foram pioneiros nesse gênero, criando composições sonoras imersivas que evocavam um senso de isolamento e introspecção. O isolationism ganhou destaque principalmente nos círculos musicais experimentais e alternativos, atraindo ouvintes que buscavam uma experiência sonora que os transportasse para um estado contemplativo e introspectivo. É um gênero que valoriza a construção de atmosferas sonoras envolventes e a exploração de texturas e camadas sonoras sutis, criando um ambiente sonoro que convida à reflexão e ao mergulho em estados de meditação e introspecção.

O gênero musical conhecido como "japa noise" (ou "Japanoise") tem suas raízes no Japão e surgiu na década de 1980. Ele é uma forma de música experimental e noise que se caracteriza por sons caóticos, dissonantes e intensos, muitas vezes produzidos por meio de instrumentos eletrônicos, feedback, distorção e manipulação de gravações. O Japão teve um papel importante no desenvolvimento do gênero, com artistas como Merzbow (Masami Akita), Incapacitants e Hijokaidan sendo figuras proeminentes. O Japa noise foi influenciado por diferentes correntes musicais, como a música industrial, música concreta e música eletrônica experimental, bem como pelas tradições culturais japonesas de ruídos e sons dissonantes. O Japa noise encontrou um público ativo tanto no Japão quanto internacionalmente, atraindo fãs de música experimental e exploratória. O gênero desafia as convenções musicais tradicionais, buscando a expressão através do caos e do desconforto sonoro, e continua a ser uma forma de expressão vibrante na cena musical experimental contemporânea.

O gênero musical conhecido como "martial folk" (ou "neofolk") tem suas origens na Europa, principalmente nas décadas de 1980 e 1990. Ele é uma fusão de elementos do folk tradicional, música industrial, música neoclássica e letras que abordam temas históricos, culturais e políticos. O martial folk é caracterizado por suas melodias acústicas, instrumentação folk, uso de instrumentos tradicionais e letras que muitas vezes evocam uma estética nostálgica e nacionalista. Artistas e bandas como Death in June, Sol Invictus, Current 93 e Forseti foram fundamentais para o desenvolvimento do gênero, trazendo influências de música folclórica europeia e letras que exploram temas como mitologia, identidade cultural e história. O martial folk atraiu uma base de fãs dedicada e controvérsias ao longo dos anos, devido às associações com a extrema-direita e o nacionalismo em algumas expressões do gênero. No entanto, é importante ressaltar que nem todos os artistas e fãs do martial folk compartilham dessas ideologias, e o gênero continua a evoluir com uma ampla variedade de expressões musicais e temáticas.

O gênero musical conhecido como "neo folk" (ou "neofolk") tem suas raízes na Europa, especialmente nas décadas de 1970 e 1980. É uma fusão de elementos do folk tradicional, música experimental, música industrial e letras que abordam temas culturais, históricos e filosóficos. O neo folk é caracterizado por suas melodias acústicas, instrumentação folk, uso de instrumentos tradicionais e letras que exploram uma variedade de tópicos, incluindo mitologia, natureza, espiritualidade e reflexões sobre a condição humana. Artistas e bandas como Current 93, Death in June, Sol Invictus e Fire + Ice foram fundamentais para o desenvolvimento do gênero, cada um com sua abordagem única e estética musical. O neo folk atraiu uma base de fãs dedicada e continuou a evoluir ao longo dos anos, incorporando influências de outros gêneros musicais, como o post-punk e o darkwave. Embora tenha sido associado a certas controvérsias e interpretações ideológicas, é importante reconhecer que nem todos os artistas e fãs do neo folk compartilham das mesmas perspectivas, e o gênero continua a oferecer uma plataforma para a expressão artística e a exploração de temas profundos.

O gênero musical conhecido como "new beat" teve origem na Bélgica no final dos anos 1980. É uma fusão de elementos da música eletrônica, acid house e techno, com uma abordagem mais lenta e percussiva. O new beat é caracterizado por suas batidas pesadas, linhas de baixo marcantes, amostras vocais distorcidas e uma estética sonora sombria e industrial. O new beat ganhou popularidade principalmente nas casas noturnas e clubes da Bélgica, como o famoso clube Fuse em Bruxelas. Artistas e produtores belgas como Front 242, Lords of Acid, A Split-Second e 101 fizeram parte do movimento e contribuíram para a evolução do gênero. O new beat também se espalhou para outros países europeus, influenciando a cena da música eletrônica da época. Embora o new beat tenha experimentado um declínio em popularidade após o início da década de 1990, sua influência pode ser ouvida em gêneros posteriores, como o techno industrial e o EBM (Electronic Body Music). Ele continua sendo um marco na história da música eletrônica, representando um momento importante em que a música eletrônica adotou uma sonoridade mais escura, intensa e dançante.

O gênero musical conhecido como "noise" teve origem nas décadas de 1970 e 1980, com raízes em movimentos artísticos experimentais e vanguardistas. O noise é caracterizado por sons caóticos, dissonantes e agressivos, muitas vezes produzidos por meio de feedback, distorção, manipulação de gravações e o uso de instrumentos não convencionais. O noise surgiu como uma reação contra as convenções musicais tradicionais, buscando explorar o potencial expressivo do som em sua forma mais crua e abrasiva. Artistas como Merzbow, Whitehouse e Throbbing Gristle foram pioneiros nesse gênero, empurrando os limites do que é considerado música e desafiando as expectativas do público. O noise continuou a evoluir e expandir suas fronteiras, influenciando uma ampla variedade de gêneros musicais, como o industrial, o power electronics e o black metal, além de encontrar seu lugar em contextos artísticos e experimentais mais amplos.

O gênero musical conhecido como "noise core" (ou "noisecore") tem suas origens na cena punk e no movimento musical do noise. Surgido na década de 1980, o noise core é caracterizado por sua abordagem caótica, extremamente alta e intensa, combinando elementos do punk hardcore, do noise e da música extremamente distorcida. O noise core se desenvolveu como uma forma de expressão radical, que busca a destruição de estruturas musicais convencionais e a criação de uma experiência sonora intensa e perturbadora. Bandas como Napalm Death, Anal Cunt e Agoraphobic Nosebleed foram pioneiras no gênero, incorporando gritos guturais, batidas rápidas e distorção extrema para criar um som visceral e agressivo. O noise core desafia os limites da música e atrai uma base de fãs dedicada que aprecia sua abordagem caótica e visceral, influenciando posteriormente subgêneros como o grindcore e o powerviolence.

O gênero musical conhecido como "noise rhythmic" (ou "rhythmic noise") tem suas origens na cena da música eletrônica industrial e do noise. Surgido na década de 1990, o noise rhythmic é caracterizado pela combinação de elementos ruidosos e distorcidos do noise com batidas percussivas e ritmos pulsantes. O noise rhythmic incorpora elementos da música industrial, do techno e do power electronics, resultando em uma sonoridade intensa e agressiva. Artistas e projetos como Converter, Esplendor Geométrico e Winterkälte foram fundamentais para o desenvolvimento do gênero, trazendo uma abordagem rítmica e uma fusão de sons industriais, batidas pesadas e distorção sonora. O noise rhythmic atrai fãs de música eletrônica experimental e industrial, oferecendo uma experiência sonora intensa e visceral, combinando a energia rítmica com a estética do noise. O gênero continua a evoluir e a se expandir, influenciando outros gêneros relacionados e mantendo sua reputação como uma forma de expressão sonora provocativa e desafiadora.

O gênero musical conhecido como "noise rock" tem suas origens na cena musical alternativa do final dos anos 1970 e início dos anos 1980. Ele combina elementos do rock alternativo, punk rock e noise, criando uma sonoridade distorcida, caótica e agressiva. Bandas como Sonic Youth, Big Black, Scratch Acid e The Jesus Lizard foram pioneiras no desenvolvimento do noise rock, trazendo influências do punk e do rock experimental. O noise rock é caracterizado por guitarras altamente distorcidas, ritmos frenéticos, vocais angustiados e uma abordagem experimental aos arranjos musicais. Ele desafia as convenções musicais tradicionais, buscando uma expressão visceral e intensa através do uso de texturas sonoras abrasivas e dissonantes. O noise rock teve um impacto significativo na cena musical underground e influenciou uma variedade de gêneros relacionados, como o grunge, o noise pop e o math rock. Ele continua a ser uma forma de expressão vigorosa e desafiadora, atraindo fãs que apreciam a fusão de energia do rock com os elementos caóticos e texturais do noise.

O gênero musical conhecido como "no wave" teve origem na cidade de Nova York no final dos anos 1970 e início dos anos 1980. Ele surgiu como uma resposta ao punk rock e ao new wave, buscando uma abordagem mais experimental e desafiadora. O no wave é caracterizado por sua sonoridade dissonante, experimental e anti-comercial, combinando elementos do punk, música experimental, free jazz e noise. Bandas e artistas como DNA, Teenage Jesus and the Jerks, James Chance and the Contortions e Lydia Lunch foram figuras-chave na cena do no wave, trazendo uma abordagem avessa às convenções musicais e explorando o potencial de sons estridentes, caóticos e desafiadores. O no wave foi um movimento underground que desafiou as expectativas da indústria musical e da própria ideia de música como entretenimento, abraçando o desconforto, o experimentalismo e a expressão artística bruta. Embora o no wave tenha sido um movimento efêmero, sua influência pode ser sentida em uma variedade de gêneros subsequentes, como o noise rock, o post-punk e o rock alternativo.

O gênero musical conhecido como "power noise" (ou "power electronics") tem suas origens na música industrial e no movimento do noise. Surgiu na década de 1980 e se caracteriza por uma abordagem sonora agressiva, distorcida e intensa, combinando elementos do industrial, techno, música eletrônica experimental e noise. O power noise é marcado por batidas fortes, texturas sonoras densas, uso extensivo de distorção e manipulação de sons eletrônicos. Artistas e projetos como Whitehouse, Converter, Somatic Responses e Winterkälte foram fundamentais para o desenvolvimento do gênero, trazendo uma fusão de elementos rítmicos, noise e atmosferas opressivas. O power noise atrai fãs de música eletrônica experimental e industrial, oferecendo uma experiência sonora intensa e impactante. O gênero continua a evoluir, influenciando subgêneros como o rhythmic noise e o industrial techno, mantendo sua reputação como uma forma de expressão sonora extrema e desafiadora.

O gênero musical conhecido como "rock industrial" tem suas origens na cena musical do final dos anos 1970 e início dos anos 1980, especialmente na cidade de Nova York e em algumas partes do Reino Unido. O rock industrial é uma fusão de elementos do rock alternativo e do industrial, combinando a energia e a atitude do rock com os sons e a estética experimental e industrial. Bandas como Throbbing Gristle, Einstürzende Neubauten, Swans e Ministry foram pioneiras no desenvolvimento do rock industrial, incorporando elementos de música industrial, música eletrônica, noise e post-punk em suas composições. O rock industrial é caracterizado por suas guitarras distorcidas, ritmos pesados, uso de samplers e sintetizadores, e letras frequentemente provocativas e políticas. O gênero atraiu um público interessado em uma abordagem mais experimental e sombria do rock, oferecendo uma estética sonora única e desafiadora. Ao longo dos anos, o rock industrial continuou a evoluir, influenciando uma variedade de gêneros relacionados, como o industrial metal, o nu metal e o noise rock. O gênero teve um impacto significativo tanto na música underground quanto na música mainstream, deixando sua marca na história da música como uma forma de expressão poderosa e visceral que combina a intensidade do rock com a experimentação sonora do industrial.

O gênero techno surgiu no início dos anos 1980 em Detroit, Michigan, nos Estados Unidos. Foi uma resposta criativa à fusão de influências musicais, como a música eletrônica europeia, o funk, o soul e o electro. Os pioneiros do techno, como Juan Atkins, Derrick May e Kevin Saunderson, experimentaram com sintetizadores, baterias eletrônicas e sequenciadores para criar uma nova forma de música eletrônica. O som do techno era caracterizado por batidas rápidas e repetitivas, linhas de baixo pulsantes e melodias sintéticas, que evocavam uma sensação de futurismo e tecnologia. O techno rapidamente se espalhou por clubes e festas underground, ganhando popularidade em todo o mundo e se tornando um dos pilares da música eletrônica contemporânea. A cena de techno de Detroit foi fundamental para o desenvolvimento do gênero. O contexto social e cultural da cidade, marcado pela desindustrialização e pela segregação racial, influenciou a criação do som único do techno. Os artistas viram na música eletrônica uma forma de expressar a realidade urbana e de escapar das adversidades. Através de festas em espaços abandonados e clubes underground, o techno ganhou uma reputação como um gênero de música de vanguarda, capaz de unir pessoas de diferentes origens em torno da dança e da música. Ao longo das décadas, o techno evoluiu e se ramificou em várias subculturas e estilos, mas sua origem em Detroit continua sendo uma parte essencial de sua história e identidade.

O gênero acid techno teve origem nos anos 1980, também em Detroit, mas com influências significativas de Chicago. O termo "acid" refere-se ao som característico dos sintetizadores Roland TB-303, que eram utilizados para criar linhas de baixo distorcidas e vibrantes. O acid techno emergiu da fusão entre o techno tradicional e a música acid house, que era popular em Chicago na época. Artistas como Phuture e DJ Pierre foram pioneiros na experimentação com o TB-303, explorando suas capacidades de criar sons ácidos e psicodélicos. O acid techno rapidamente se espalhou pela cena underground, ganhando destaque em raves e festas, e se tornando um subgênero distintivo dentro do cenário da música eletrônica. A sonoridade característica do acid techno, com suas linhas de baixo distorcidas e ritmos frenéticos, criava uma atmosfera energética e hipnótica nas pistas de dança. A combinação do som ácido e psicodélico com a batida pulsante do techno tradicional trouxe uma nova dimensão à música eletrônica, cativando uma base de fãs dedicada. O acid techno não se restringiu apenas a Detroit e Chicago, mas espalhou-se globalmente, influenciando o desenvolvimento de outros gêneros relacionados, como o trance ácido e o hard acid. O legado do acid techno persiste até os dias de hoje, com artistas e produtores continuando a explorar e inovar dentro dessa sonoridade única.

O gênero ambient techno teve origem no final dos anos 1980 e início dos anos 1990, como uma fusão entre o techno e a música ambient. O termo "ambient" refere-se a uma forma de música que busca criar uma atmosfera envolvente e imersiva, muitas vezes caracterizada por texturas sonoras etéreas e melodias sutis. Artistas como Aphex Twin, The Orb e Future Sound of London foram pioneiros na incorporação desses elementos ambientais à estrutura rítmica do techno. O ambient techno geralmente apresenta batidas mais lentas e espaçadas, com camadas de sons atmosféricos e efeitos espaciais, resultando em uma experiência sonora relaxante e introspectiva, mas ainda enraizada na estética do techno. A origem do gênero ambient techno pode ser atribuída ao desejo dos artistas de explorar novas direções musicais, afastando-se do aspecto mais frenético e enérgico do techno tradicional. Ao incorporar elementos ambientais, eles buscaram criar uma música mais atmosférica e contemplativa, adequada para momentos de introspecção e relaxamento. O gênero ganhou popularidade nos clubes e festivais, oferecendo uma alternativa mais suave e imersiva aos ouvintes e dançarinos. A música ambient techno tem continuado a evoluir ao longo dos anos, com uma ampla variedade de subgêneros e abordagens dentro dessa estética, mas sua origem na junção do techno com a música ambient permanece como uma parte fundamental de sua identidade.

O gênero ambient techno teve origem no final dos anos 1980 e início dos anos 1990, como uma fusão entre o techno e a música ambient. O termo "ambient" refere-se a uma forma de música que busca criar uma atmosfera envolvente e imersiva, muitas vezes caracterizada por texturas sonoras etéreas e melodias sutis. Artistas como Aphex Twin, The Orb e Future Sound of London foram pioneiros na incorporação desses elementos ambientais à estrutura rítmica do techno. O ambient techno geralmente apresenta batidas mais lentas e espaçadas, com camadas de sons atmosféricos e efeitos espaciais, resultando em uma experiência sonora relaxante e introspectiva, mas ainda enraizada na estética do techno. A origem do gênero ambient techno pode ser atribuída ao desejo dos artistas de explorar novas direções musicais, afastando-se do aspecto mais frenético e enérgico do techno tradicional. Ao incorporar elementos ambientais, eles buscaram criar uma música mais atmosférica e contemplativa, adequada para momentos de introspecção e relaxamento. O gênero ganhou popularidade nos clubes e festivais, oferecendo uma alternativa mais suave e imersiva aos ouvintes e dançarinos. A música ambient techno tem continuado a evoluir ao longo dos anos, com uma ampla variedade de subgêneros e abordagens dentro dessa estética, mas sua origem na junção do techno com a música ambient permanece como uma parte fundamental de sua identidade.

O gênero dub techno teve origem no início dos anos 1990, como uma fusão entre o dub jamaicano e o techno de Berlim. O dub, caracterizado por suas técnicas de mixagem e manipulação de efeitos espaciais, foi combinado com os elementos rítmicos e sintéticos do techno, resultando em uma sonoridade única. O termo "dub techno" foi cunhado para descrever essa fusão de estilos musicais, que foi popularizada por artistas como Basic Channel e Maurizio. O gênero é conhecido por suas batidas pulsantes e minimalistas, acompanhadas por efeitos de eco, reverberação e texturas sonoras profundas, criando uma atmosfera imersiva e hipnótica. A origem do dub techno pode ser rastreada até Berlim, na Alemanha, onde um grupo de produtores musicais explorou a combinação do dub jamaicano com a estética do techno. A cidade, após a reunificação, tornou-se um local fértil para a música eletrônica experimental e underground. O dub techno era frequentemente associado a espaços de clubes escuros e subterrâneos, onde o som envolvente e a reverberação atmosférica encontraram um ambiente adequado. O gênero expandiu-se ao longo dos anos, com diferentes abordagens e variações, mas sua origem na fusão do dub e do techno em Berlim é fundamental para entender sua evolução e influência na música eletrônica contemporânea.

O gênero electro teve origem no final dos anos 1970 e início dos anos 1980, principalmente nas cidades de Nova York e Miami, nos Estados Unidos. Ele é uma fusão de diversos estilos musicais, incluindo funk, disco, música eletrônica e hip-hop. O electro é caracterizado pelo uso de batidas eletrônicas e sintetizadores, combinados com elementos vocais e influências do hip-hop, resultando em um som enérgico e dançante. Artistas pioneiros como Afrika Bambaataa, Kraftwerk e Cybotron contribuíram para o desenvolvimento do gênero, experimentando com novas tecnologias musicais e criando uma sonoridade futurista e inovadora. A origem do electro está intimamente ligada à cultura das festas de rua e ao movimento do hip-hop, que estava ganhando destaque na época. As festas block party em bairros urbanos serviram como plataforma para a música electro ser apresentada e apreciada. A influência do electro se espalhou rapidamente, principalmente através das mixagens de DJs em clubes e rádios locais. O gênero se tornou popular entre os dançarinos de breakdance e os adeptos da cultura hip-hop. O electro continuou a evoluir ao longo dos anos, influenciando outros gêneros, como o electro-funk e o electroclash. Sua origem nas cidades dos Estados Unidos e sua combinação de estilos musicais distintos são essenciais para entender sua importância e influência na música eletrônica contemporânea.

O gênero minimal teve origem no início dos anos 1990, principalmente na cidade de Detroit, nos Estados Unidos, e em Berlim, na Alemanha. Ele é caracterizado por uma abordagem minimalista à música eletrônica, com foco na simplicidade e na redução de elementos musicais. O minimal se desenvolveu como uma reação ao excesso de ornamentação e complexidade encontrados em alguns subgêneros da música eletrônica da época. Artistas como Robert Hood, Richie Hawtin e Basic Channel foram fundamentais para o desenvolvimento do gênero, explorando ritmos e batidas minimalistas, linhas de baixo pulsantes e sons atmosféricos sutis. O minimal se tornou popular em clubes e festivais underground, com sua estética minimalista e repetitiva criando uma experiência hipnótica e imersiva para os ouvintes e dançarinos. A origem do minimal está intimamente ligada às cenas musicais de Detroit e Berlim. Em Detroit, a influência do techno foi combinada com uma abordagem mais simplificada e direta, enquanto em Berlim, o minimal foi influenciado pela música eletrônica experimental e pela cena do dub techno. O estilo encontrou um público ávido que buscava uma experiência de música eletrônica mais focada na essência do ritmo e da textura sonora. Ao longo dos anos, o minimal evoluiu e se ramificou em diferentes subgêneros, como o microhouse e o tech house minimal. Sua origem em Detroit e Berlim e sua abordagem minimalista são fundamentais para entender a influência duradoura do gênero na música eletrônica contemporânea.

O gênero trance teve origem no início da década de 1990, principalmente na Europa, com suas raízes no movimento da música eletrônica. Foi influenciado por diferentes estilos musicais, como techno, house e acid house. Acredita-se que o termo "trance" tenha sido cunhado pelo DJ alemão Klaus Schulze. O trance é conhecido por sua batida pulsante e hipnótica, melodia cativante e uso de sintetizadores. Ele busca criar uma atmosfera de imersão e transcender a realidade através da música. O gênero ganhou popularidade em festivais de música eletrônica e clubes noturnos, proporcionando uma experiência de dança energética e envolvente. Ao longo dos anos, o trance evoluiu em diferentes subgêneros, como progressive trance, uplifting trance, psytrance e Goa trance, cada um com suas características distintas. O gênero também se expandiu globalmente, com artistas e festivais de trance se tornando populares em todo o mundo. Hoje em dia, o trance continua a evoluir e se mesclar com outros gêneros musicais, mantendo sua essência de música eletrônica energética e inspiradora.

O gênero Acid Trance teve origem no início dos anos 1990, como uma derivação do acid house e do trance. Ele é caracterizado pelo uso proeminente do sintetizador Roland TB-303, que produz sons ácidos e distorcidos. O Acid Trance combina as batidas pulsantes e hipnóticas do trance com os elementos ácidos e distorcidos do acid house, criando uma sonoridade única e intensa. A origem do termo "acid" remonta ao uso da Roland TB-303 em faixas de acid house, onde os sons distorcidos e modulados do sintetizador se tornaram um elemento chave. Artistas pioneiros como Hardfloor, Emmanuel Top e Union Jack contribuíram para o desenvolvimento do Acid Trance, trazendo a combinação dos elementos ácidos e psicodélicos aos ritmos de trance. O gênero ganhou popularidade nos clubes e festivais de música eletrônica da época, oferecendo uma experiência de dança energética e imersiva. O Acid Trance continua a evoluir até os dias de hoje, incorporando novas técnicas de produção e influências musicais. É um subgênero emocionante do trance que mantém a essência ácida e pulsante que o tornou tão distintivo e cativante.

O gênero Classic Trance teve origem no início dos anos 1990, como uma ramificação do trance original. Ele é conhecido por suas melodias cativantes, batidas energéticas e atmosfera emotiva. A origem do Classic Trance remonta ao surgimento do trance como um gênero distinto dentro da música eletrônica. O termo "classic" é usado para se referir às primeiras produções e artistas que estabeleceram as bases do gênero. Artistas como Ferry Corsten, Paul van Dyk e Armin van Buuren foram pioneiros do Classic Trance, criando faixas icônicas e definindo o som característico do gênero. Eles incorporaram elementos de house, techno e música progressiva em suas produções, resultando em melodias hipnóticas, breakdowns emocionais e drops energéticos. O Classic Trance ganhou popularidade durante os anos 1990 e início dos anos 2000, e suas características distintivas tornaram-se referências para muitos produtores e fãs do gênero. A música do Classic Trance proporcionava uma experiência de dança envolvente e emocional, com sua combinação de batidas pulsantes e melodias cativantes. Embora tenha havido evoluções e subdivisões no trance ao longo dos anos, o Classic Trance continua a ser apreciado por sua estética nostálgica e influência duradoura na música eletrônica.

O gênero Future Progressive Trance, também conhecido como Future Prog, teve origem no início dos anos 2010. É uma fusão entre o trance progressivo e elementos da música eletrônica moderna. A origem do Future Prog remonta ao crescimento do trance progressivo e sua evolução sonora. Com o avanço da tecnologia de produção musical e a influência de outros gêneros eletrônicos, surgiu uma nova abordagem do trance progressivo, caracterizada por batidas mais pesadas, linhas de baixo marcantes e uma atmosfera futurista. Artistas como Ace Ventura, Captain Hook e Liquid Soul são considerados pioneiros do Future Prog, trazendo uma abordagem mais dinâmica e moderna ao trance progressivo. Eles incorporaram elementos de techno, psytrance e outros gêneros eletrônicos, resultando em um som único e inovador. O Future Prog ganhou popularidade entre os fãs de música eletrônica que buscavam uma experiência de dança progressiva, com um toque futurista e um impulso energético. A combinação de melodias atmosféricas, elementos rítmicos pulsantes e uma abordagem mais ousada resultou em um estilo de trance que continua a evoluir e a atrair seguidores até os dias de hoje.

O gênero Goa Trance teve origem no início da década de 1990, na região de Goa, na Índia. Ele é conhecido por sua sonoridade psicodélica, ritmos acelerados e atmosfera mística. A origem do Goa Trance remonta às festas de praia organizadas pelos hippies e viajantes ocidentais em Goa, nos anos 1960 e 1970. Essas festas eram caracterizadas por música eletrônica experimental, influenciada pelo rock psicodélico e música tradicional indiana. No início dos anos 1990, os artistas locais e estrangeiros começaram a desenvolver um som único inspirado nas festas de Goa. Eles combinaram batidas pulsantes, linhas de baixo rítmicas e elementos etéreos, criando uma experiência de dança envolvente e transcendental. Artistas como Astral Projection, Juno Reactor e Hallucinogen são considerados pioneiros do Goa Trance, levando o gênero a uma audiência global. O estilo ganhou popularidade na cena rave e festivais de música eletrônica, atraindo fãs com sua atmosfera psicodélica e energia contagiante. O Goa Trance evoluiu ao longo dos anos, com influências de outros gêneros eletrônicos, como o trance progressivo e o psytrance. No entanto, o som distintivo e espiritual do Goa Trance continua a ser valorizado e apreciado por sua conexão com as raízes históricas e a experiência de transformação que oferece.

O gênero Progressive Trance teve origem no final dos anos 1990 como uma evolução do trance original. Ele é conhecido por suas batidas progressivas, atmosfera melódica e elementos de música eletrônica progressiva. A origem do Progressive Trance está ligada à busca por uma abordagem mais complexa e sofisticada do trance. Artistas como Sasha, John Digweed e DJ Orkidea foram influentes nessa transição, incorporando elementos de house progressivo, techno melódico e música ambiente em suas produções. O Progressive Trance se destaca por suas estruturas longas e em constante evolução, construindo gradualmente a energia e a emoção ao longo da faixa. As batidas são mais sutis e menos aceleradas do que no trance tradicional, com ênfase nas camadas melódicas, texturas atmosféricas e elementos progressivos. O gênero ganhou popularidade nas pistas de dança e festivais, oferecendo uma experiência de imersão sonora e dançante. O Progressive Trance continua a evoluir e se mesclar com outros estilos, abraçando influências da música eletrônica contemporânea e mantendo seu foco na progressão e na criação de ambientes sonoros cativantes.

O gênero Psytrance teve origem no início dos anos 1990, com suas raízes no movimento do trance em Goa, na Índia. Ele é conhecido por sua energia intensa, batidas aceleradas, linhas de baixo pulsantes e elementos psicodélicos. A origem do Psytrance remonta às festas de trance em Goa, onde artistas locais e viajantes estrangeiros se reuniam para criar uma atmosfera transcendental e psicodélica. A música era caracterizada por batidas rápidas, texturas etéreas, efeitos sonoros complexos e influências de música étnica e folclórica. Artistas como Shpongle, Infected Mushroom e Astral Projection foram pioneiros do Psytrance, levando o gênero a uma audiência global. O Psytrance ganhou destaque na cena rave e em festivais de música eletrônica, oferecendo uma experiência de dança enérgica e imersiva, impulsionada por sua sonoridade única e atmosfera psicodélica. Ao longo dos anos, o Psytrance evoluiu em diferentes subgêneros, como Full-on, Dark Psy, Forest Psy e Progressive Psytrance, cada um com suas características distintas. O gênero continua a ser uma parte importante da cultura trance, atraindo fãs que buscam uma experiência sonora e visualmente estimulante.

O gênero Tech Trance teve origem no final dos anos 1990 como uma fusão do techno e do trance. Ele é conhecido por suas batidas pulsantes, sons percussivos e elementos tecnológicos. A origem do Tech Trance remonta ao desejo de combinar a energia e a condução rítmica do techno com as melodias e os elementos hipnóticos do trance. Os artistas começaram a explorar a fusão desses dois gêneros, resultando em um som único que incorpora elementos de ambos. Artistas como Marco V, Mauro Picotto e Cosmic Gate foram influentes na criação e popularização do Tech Trance. Eles trouxeram batidas robustas e foco na percussão do techno, combinando com elementos melódicos e atmosféricos do trance. O Tech Trance ganhou popularidade nas pistas de dança e festivais, atraindo tanto fãs de techno quanto de trance. Ele oferece uma experiência de dança intensa, com sua combinação de ritmos pulsantes, melodias cativantes e uma abordagem mais tecnológica e futurista. O gênero continua a evoluir, incorporando influências de outros estilos musicais e mantendo seu foco na fusão entre o techno e o trance. O Tech Trance é apreciado por sua energia contagiante e elementos tecnológicos distintivos que o tornam uma escolha popular entre os amantes da música eletrônica.

O gênero Uplifting Trance teve origem no final dos anos 1990 como uma vertente do trance. Ele é conhecido por suas melodias emotivas, batidas enérgicas e elementos inspiradores. A origem do Uplifting Trance remonta à busca por uma abordagem mais emotiva e edificante do trance. Os artistas começaram a incorporar melodias cativantes, breakdowns emocionais e drops poderosos em suas produções, com o objetivo de criar uma experiência de transe e euforia. Artistas como Armin van Buuren, Aly & Fila e Ferry Corsten foram influentes na popularização do Uplifting Trance, trazendo faixas icônicas e performances ao vivo emocionantes. Esses artistas capturaram a essência do gênero, transmitindo uma sensação de elevação, esperança e positividade por meio da música. O Uplifting Trance ganhou destaque na cena do trance e em festivais de música eletrônica, atraindo fãs que buscam uma experiência de dança e conexão emocional. Com suas melodias inspiradoras e batidas enérgicas, o Uplifting Trance continua a evoluir e a tocar os corações dos amantes da música eletrônica em todo o mundo.