Todos os álbuns do Green Day classificamos do pior ao melhor

Mais de 30 anos atrás, dois espertinhos de 14 anos chamados Billie Joe Armstrong e Mike Dirnt decidiram tocar música juntos em Berkeley, Califórnia. Ao lado do baterista John “Al Sobrante” Kiffmeyer, os três formaram o Sweet Children, causando todo tipo de tumulto na cena punk DIY – o suficiente para chamar a atenção de Larry Livermore, que imediatamente os contratou para a Lookout! Registros.

Foi aqui que a história do Green Day realmente começou e, através de vários EPs, dois trabalhos completos e um Tré Cool, os irmãos da Bay Area conseguiriam um grande contrato com uma gravadora e mudariam o cenário do rock ‘n’ roll.

Quando você pensa em quão longe o Green Day chegou, é quase como assistir a um filme. Ou melhor, uma série de filmes com uma sequência de sucesso após a outra, apenas algumas das sequências são melhores que as outras por razões que não deveriam fazer nenhum sentido. Eles são uma das poucas bandas de rock que não apenas sobreviveram aos anos 90, mas também conquistaram a vida, encontrando segundas e terceiras vidas como se fossem Selina Kyle ou Dorian Gray.

Em alguns aspectos, parece que toda vez que eles retornam com um novo álbum eles estão se conectando com uma base de fãs ainda mais jovem do que da última vez, mas é claro, isso é simplesmente nós fãs mais velhos ficando mais velhos.

A cada adição ao seu catálogo, perguntamos: este será o último? Ou eles vão desfrutar de outro sucesso comercial e crítico? Um que os levará ao longo do ano seguinte e além, até que façamos essas mesmas perguntas novamente com a próxima entrada?

Embora não possamos prever o futuro, podemos olhar para o passado e dissecar os 13 álbuns que os trouxeram a este ponto. Bem, foi exatamente isso que fizemos, então aproveite a leitura e, por favor, guarde a lama para o final.

13-11. ¡Uno!, ¡Dos!, ¡Tré! Trilogia (2012)

Brain Stew (Gravação): Depois de compor e incansavelmente excursionar duas óperas rock separadas –  American Idiot e 21st Century Breakdown –  parece que o Green Day estava ansioso para abandonar a estrutura em favor da ambição imprudente. “Estamos no momento mais prolífico e criativo de nossas vidas”, proclamou Billy Joe Armstrong no início de 2012. “Esta é a melhor música que já escrevemos, e as músicas continuam chegando”. Provavelmente foi bom poder escrever sem a restrição de um tema ou história. O resultado foram três LPs individuais, cada um focando em um estilo diferente.

O primeiro, ¡Uno! , gira em torno do tipo de pop-punk que os tornou famosos. O segundo, ¡Dos! , é uma homenagem ao Foxboro Hot Tubs, o projeto paralelo sujo e centrado na garagem da banda. E Armstrong descreveu o terceiro, ¡Tré! , como “épico” e “saco misto”, afirmando que consistiria principalmente em hinos de estádios com influências do rock clássico.

De muitas maneiras, a trilogia ressoa como uma tentativa de abranger a amplitude da evolução do Green Day. Ao fazer isso, no entanto, a banda exagerou: os álbuns são longos demais e cheios de recheio. Além disso, Armstrong entrou em reabilitação para o vício em álcool no meio do cronograma de lançamento escalonado da trilogia. Imagens virais, feitas durante um colapso no palco do iHeartRadio Music Festival, mostraram um homem que parecia exausto e desequilibrado. O excesso da trilogia parece ter se estendido na vida da banda.

Paper Lanterns (Arte do álbum): Havia uma elegância na arte de American Idiot e 21st Century Breakdown , uma simplicidade que transmitia temas de rebelião e comunidade, respectivamente. ¡Uno! , ¡Dos! , e ¡Tré! não são tão sofisticados, com fotos em preto-e-branco dos membros da banda, cada um com os olhos marcados com X, malfeitos em um vórtice de néon. É desleixado e brincalhão, uma maneira de deixar os ouvintes saberem que não havia nada tão grandioso quanto uma ópera rock neste trio de discos.

Kill the DJ (Recepção): Críticas mistas saudaram cada um dos álbuns, embora em sua maioria tenham sido positivas, mesmo porque as apostas eram bastante baixas. A Rolling Stone elogiou cada álbum, enquanto publicações como The AV Club e Alternative Press ficaram cada vez mais cansadas a cada disco que passava.

Tendo uma explosão (melhor corte ao vivo): Fácil. ¡Uno! ‘Let Yourself Go’ é puro doce pirralho, combinando um ritmo alucinante com letras divertidas e rebeldes que os adolescentes podem memorizar após uma única audição. Os riffs de abertura nunca deixam de provocar aplausos arrebatadores, e performances ao vivo muitas vezes encontram Armstrong riffs nas melodias da música, convidando o público a gritar junto enquanto batem no teto.

Longview (Vídeo Mais Memorável): O videoclipe de ¡Dos! “Stray Heart” de “Stray Heart” torna a premissa da música hilariamente literal. Nele, um alt-hunk compra vinis do Green Day para as alt-babes de sua vida, que o encaram com olhos de corça até perceberem que há um buraco gigante em seu peito. Acontece que seu coração fugiu e está saindo com mulheres e fumando cigarros. É engraçado, brincalhão e uma combinação perfeita com a faixa alegre e alegre.

Song of the Century (Most Enduring Track): Nenhuma faixa desta trilogia pode ser considerada essencial para o Green Day, embora “Oh Love”, um single inicial de ¡Uno! , parece estar em constante rotação em seus shows ao vivo, e seu triunfante refrão cantado junto é um belo exemplo dos prazeres do Green Day dos últimos dias.

No Fim (Análise Final): Há boas músicas aqui – “X-Kid”, “Oh Love”, “Stray Heart” – mas elas estão enterradas não apenas em fillers, mas também em faixas experimentais que nunca deveriam ter saído do fase de demonstração. Apesar de ser um single, “Kill the DJ” é constrangedor, uma tentativa confusa de pop de rádio mainstream.

E enquanto uma colaboração com Mystic Knights of the Cobra’s Lady Cobra é intrigante, ¡Dos! “Nightlife” de ‘s é tão chocante quanto instantaneamente esquecível. Ambição é uma coisa maravilhosa, mas essa trilogia parece mais um expurgo do que uma declaração artística coesa, uma chance para Armstrong, Dirnt e Cool fazerem tudo o que não conseguiram enquanto escreviam suas óperas rock.

10. Rádio Revolução (2016)

rain Stew: Aqui está uma história que deve soar familiar: o envelhecido trio pop punk Green Day , à beira da obsolescência, fugindo dos holofotes por quatro anos para se reagrupar, renomear e retornar com um álbum destinado a converter a próxima geração de adolescentes rebeldes. O momento, ao que parece, é propício para o Green Day voltar ao mesmo manual e chegar a outro touchdown para estender o jogo. A América está prestes a colocar outro idiota no poder, o século 21 continuou seu colapso contínuo, e os millennials realmente parecem que poderiam usar alguma direção política , mesmo que seja expressa nos termos em preto e branco de “Conheça seu inimigo”. .”

E não é como se as pessoas tivessem perdido totalmente o interesse pelas bandas alternativas que dominaram os primeiros anos; inferno, se o Blink-182 pode encenar um retorno decente com dois terços de participação, quem pode dizer que o Green Day não pode inaugurar outra Era de Ouro com Tré Cool atrás do kit e Mike Dirnt segurando o baixo?

E assim temos a história de origem da Revolution Radio . Como Bruce Wayne prestando atenção ao Bat-Sinal, os super-heróis grisalhos do punk rock decidiram se vestir novamente e enfrentar o mundo com acordes poderosos, bateria potente e chamadas arrogantes à ação apoiadas por harmonias de duas e três partes. O fato de Armstrong poder rosnar de forma convincente frases como “Eu sou um garoto solitário semiautomático” aos 44 anos só serve para mostrar como a fórmula funciona e quão profundamente ela penetrou não apenas nas veias da banda, mas nas próprias veias. tecido da cultura punk.

Lanternas de papel: Embora o Green Day possa estar no mercado para uma revolução, é difícil imaginar a arte da capa do álbum sendo lançada em desafio quando essa revolução chegar. O rádio FM moderno parece tão rebelde quanto o Hot Topic, e o boombox ardente só faz com que pareça mais datado e ainda mais certo de que essa revolução não será televisionada … agora.

Mate o DJ: “Green Day está de volta!” as manchetes proclamaram com ousadia, seu otimismo alimentado em parte por uma entrevista com a Rolling Stone na qual a banda confirmou que eles estariam reduzindo a teatralidade e voltando a uma marca de raiva mais simples e refinada. “Este era eu, Billie e Tré atirando um no outro da mesma maneira como se estivéssemos ensaiando para Kerplunk ”, observou Dirnt, invocando o fantasma do início do Green Day de uma maneira que parece improvisada, mas claramente voltada para os fãs que caíram. fora do movimento anos atrás.

O problema com a pequena provocação de Dirnt de uma avaliação, no entanto, é que Revolution Radio não aparece como o trabalho de uma banda apenas riffando no estúdio, livre das preocupações da idade adulta e da bagagem de expectativas. Essa versão do Green Day foi substituída há muito tempo por um espécime mais bem cuidado que considera suas ações e reações com o máximo cuidado, o que não é tanto uma crítica, mas um reconhecimento do que inevitavelmente acontece com bandas que se tornam mundialmente famosas por fazer um coisa e fazê-lo bem.

Tendo uma explosão: Neste ponto, o Green Day sabe como pegar um novo álbum de material e trabalhar perfeitamente em seu show ao vivo. E nem sempre são as músicas que você espera que traduzem melhor. Enquanto os singles da Revolution Radio tendem a ser rápidos no início dos sets, “Forever Now” faz o levantamento muito mais sério. Sua narrativa extensa e em várias partes permite que funcione como uma reverência final épica que os fãs podem apoiar, mas o que ela realmente está fazendo é aguçar o apetite para os encores de encerramento mais teatrais e íntimos da banda.

Longview: Em uma época em que ninguém se importa se uma banda de rock veterana faz um videoclipe, esse desinteresse deveria pelo menos liberar uma banda para fazer o videoclipe que ela quer. E enquanto a maioria dos vídeos que acompanham a Revolution Radio consistem em desculpas incompletas para cortar para a banda tocando junto, seria fácil acreditar que todos os três estavam em jogo para a premissa por trás do vídeo da faixa-título, que salta entre os atuais Green Imagens do dia e do início da banda tocando no mesmo espaço na 924 Gilman Street. A chance de ver a banda retornar ao seu humilde começo punk DIY – a viga no teto que dizia “Sweet Children”, o nome original do grupo – atinge todos os pontos nostálgicos e nos lembra que o sucesso nunca foi igual a vender.

Canção do Século: A simplória, mas eficaz, “Bouncing Off the Wall” é um sinal gloriosamente arrogante do que poderia ter sido se o Green Day tivesse realmente afrouxado um pouco mais seus colarinhos. “We’re all bloody freaks/ And we’ll give you the creeps”, é uma letra de Armstrong que fãs de qualquer época podem seguir, lembrando as grotescas da era Dookie da banda sem parecer uma repetição.

Fim: Quando toda a poeira baixou depois de uma faixa acústica comum de “Ordinary World”, ficamos com a impressão de um álbum que nunca sabe o que quer ser. O título sugere uma rejeição (por mais lamentavelmente desatualizada) do rádio mainstream, e ainda músicas como “Still Breathing” soam projetadas para se sentar ao lado de outros hinos pop motivacionais na rotação diária. Agora, não há problema em ficar confuso quando você é um grupo de quarenta e poucos ainda tocando uma versão da música que você cresceu e até ajudou a moldar.

A relevância é mais difícil do que nunca de encontrar nos dias de hoje, e um bando de veteranos pode ser perdoado por dar alguns passos demais na borda errada. O que leva a Revolution Radio para o fundo da discografia do Green Day é sua insistência em recuar quando o chão começa a desmoronar. Esta versão do Green Day prefere girar em círculos do que navegar para o abismo, e essa não é uma versão que estamos preparados para defender . — Matt Melis e Collin Brennan

09. Pai de todos os filhos da puta (2020)

Brain Stew: As revoluções podem ser exaustivas. Além disso, eles tendem a ser imprevisíveis. 2016 pode ter sido um momento propício para o Green Day invadir “a Bastilha” mais uma vez e conquistar mais uma geração de fãs, assim como fizeram com American Idiot em 2004 e originalmente com Dookie em 1994, mas as coisas não aconteceram. saia assim. Tudo sobre Revolution Radio – desde a arte chata do álbum até as decisões de composição abertamente amigáveis ​​​​ao rádio – feito para um disco que parecia muito seguro e cuidadosamente calculado para realmente ser revolucionário ou perigoso.

Avanço rápido de quatro anos, e Father of All Motherfuckers se sente mais revolucionário do que seu antecessor, apenas porque o trio não está se esforçando tanto para ser revolucionário. Em vez disso, eles embalam 26 minutos e 16 segundos com 10 músicas de retrocessos, lições de história do punk e falsetes que tornam a voz de Billie Joe Armstrong quase irreconhecível. Não é a revolução – ou mesmo o álbum – que alguém pediu, mas funciona com mais frequência do que não porque é claramente o álbum que a banda se propôs a fazer. Isso não é uma revolução, mas é o suficiente.

Paper Lanterns: Tem sido uma boa década (sério, desde 21st Century Breakdown ) desde que o Green Day lançou uma capa de álbum que não nos fez estremecer imediatamente. E, bem, uma capa que parece apresentar a mão do American Idiot , mas corta a parte mais atraente – a granada em forma de coração – não contraria exatamente essa tendência. O unicórnio estrategicamente posicionado e vomitando arco-íris que censura o título do álbum também não ajuda, embora seja meio fofo. Tee-hee.

Kill the DJ: Ao escrever isso, Father of All… ainda nem saiu oficialmente. Mas, com base em nossa própria análise e nas outras que já surgiram, os críticos rapidamente desconsiderarão essa coleção ou admitirão que há algo lá – mesmo que não seja exatamente o que eles estavam procurando ou esperando com este lançamento. Nós caímos no último campo. Retrocessos, produção simplificada e economia nos agradam muito bem, mesmo que nenhuma revolução surja. Inferno, somos mais dançarinos do que lutadores de qualquer maneira.

Tendo uma explosão: Algumas dessas músicas já começaram a se matricular em setlists no final do ano passado, ou seja, a faixa-título. A banda sempre vai tocar um número x de novas faixas, e se “Father of All…” funciona como um teaser de dança para o novo álbum e uma transição entre nossas favoritas do Green Day, não há mal nenhum.

Longview: Para um álbum que muitas vezes parece valorizar a pista de dança sobre a pista de skate ou até mesmo a garagem, o vídeo de “Father of All…” – um fluxo de fotos da banda unidas com dançarinos de fundo e imagens encontradas de todas as maneiras de agitar — tem todos os movimentos certos.

Canção do Século: Não vamos nos enganar. Este não é um álbum que mesmo os fãs obstinados do Green Day revisitarão regularmente. No entanto, se uma música deste álbum deve dar o salto improvável de joia escondida para favorita dos fãs, que seja a balançante “Stab You in the Heart”.

No final: Uma sorte de 13 álbuns em qualquer carreira, e uma banda tem que tomar algumas decisões. O fato de o Green Day ter escolhido engavetar a revolução em favor de uma divertida, às vezes dançante, aula de história da música, me diz que a juventude – que tem tanta importância nos círculos rebeldes – em parte deu lugar à sabedoria. Isso não quer dizer que o Green Day nunca lançará um álbum que vai abalar outra geração de ouvidos jovens, mas está claro que eles se tornaram sábios o suficiente para não tentar forçar esse tipo de momento em que não há um para ser tido.

O fato de a banda se sentir confiante o suficiente para mudar a produção, esconder a voz de Armstrong em um falsete e prestar homenagem aos sons que eles cresceram amando me diz que a banda é mais revolucionária do que eles costumam acreditar hoje em dia. Às vezes, é o suficiente para manter vivo um legado orgulhoso – um que o Green Day adicionou ricamente ao longo dos anos e continua a salvaguardar.

08. 1.039/ Horas Slappy Suavizadas (1991)

Brain Stew: Este é um pouco complicado. Tecnicamente, a estreia do Green Day é 1.039/Smooth , um LP de 10 faixas – de “At the Library” a “The Judge’s Daughter” – que foi lançado em 1990 em vinil preto e verde com um sucesso modesto para Lookout! Registros. Um ano depois, no entanto, a gravadora indie relançou o álbum, só que foi empacotado com seus EPs anteriores, 1,000 Hours de 1989 e Smooth de 1990 , e renomeado 1,039/Smoothed Out Slappy Hours . Cada trabalho foi produzido pelo Green Day e pelo produtor Andy Ernst, que viria a produzir um quem é quem de indie punk rockers, de Rancid a Screeching Weasel a AFI.

A coleção inteira é tosca, parecendo que foi gravada em um disco de quatro faixas que chacoalhava em um piso de madeira o tempo todo, mas isso também é o que a torna tão especial. Os vocais de Armstrong parecem tão distantes que você precisa realmente aprimorar para ouvi-los corretamente. Na verdade, se não fosse pelas folhas de letras, você nem saberia sobre o que ele estava cantando.

Mas esse é o caso de qualquer banda punk em ascensão, e para aumentar os clichês do punk rock, eles ainda tiveram outro baterista nessa época: John Kiffmeyer, cujo último trabalho com o trio seria o indescritível Sweet Children EP. Pouco depois, ele iria para a faculdade. Ops.

Lanternas de Papel: A arte da capa é tão desconexa quanto a produção, juntando um monte de rabiscos articulados sobre uma foto em preto e branco de uma megera surgindo em meio a um cemitério ensolarado. É um pouco estranho, admito, mas a maior parte disso tem a ver com os galhos de árvores brilhantes espalhados ao fundo.

Chris Appelgren foi o responsável pelos desenhos, e é seu trabalho que moldaria outras bandas punk como Screeching Weasel, The Queers, The Donnas e Ted Leo and the Pharmacists. Ele iria dirigir o Lookout! em 1997, quando o fundador Larry Livermore e o sócio Patrick Hynes optaram por se aposentar do negócio. Seu último trabalho com o Green Day seria a polêmica arte da capa de Kerplunk de 1992 .

Mate o DJ: Robert Christgau jogou uma bomba nesse otário, e a recepção geral foi apenas um pouco melhor. Mesmo assim, vigia! conseguiu empurrar 3.000 cópias no primeiro ano do álbum, um número lamentável para os padrões das grandes gravadoras, mas dificilmente batatas pequenas para um indie. É por isso que eles estavam tão interessados ​​em mantê-los por perto para um acompanhamento.

Ao longo dos anos, no entanto, 1,039/Smoothed Out Slappy Hours foi reavaliado por muitos críticos, que encontraram muito amor nos sons crocantes, principalmente devido ao que se seguiu. Como escreveu Jess Harvell , da Pitchfork: “Se eles tivessem se separado depois de 1.039 , seriam lembrados – se for – como talvez o primo um pouco menos emo do antigo Jawbreaker, ou talvez o Crimpshrine musicalmente menos talentoso”.

Tendo uma explosão: Olhando para trás, existem apenas três cortes deste álbum que continuam a tocar regularmente no grande palco: “Going to Pasalaqua”, “Paper Lanterns” e seu cover de “Knowledge” da Operation Ivy. Falaremos um pouco sobre sua capa animada e falaremos sobre como “Pasalaqua” é sua faixa mais duradoura logo depois, o que deixa “Paper Lanterns”.

Embora não seja um corte particularmente pesado, Armstrong consegue se tornar poético neste, falando de amigos díspares ligados por um amor que não aceita, perguntando em voz alta: “Até hoje, estou perguntando por que ainda penso em você”. Olha, não importa se você cresceu com Dookie ou American Idiot , os temas dessa música provavelmente assombraram sua página do Live Journal ou Tumblr ao longo dos anos. A razão é que todos nós nos aproximamos demais dos amigos, assim como nos distanciamos demais. Então, por que não cantar e dançar sobre isso?

Operation Ivy: Paul Westerberg e seus substitutos não foram a única banda que influenciou Armstrong. Por décadas, ele citou a Operação Ivy por fornecer a ele os fundamentos para construir sua própria marca de pop punk, e ele se curvou à sabedoria deles muitas vezes para contar. Tudo começou quando eles se tornaram companheiros de gravadora no Lookout!, e o Green Day decidiu homenagear a roupa de Tim Armstrong fazendo um cover de “Knowledge” para seu segundo EP, Slappy , de 1990 .

Eles foram além disso, porém, incluindo a capa em suas setlists por anos e anos, até que acabou se tornando um pseudo Punk Rock 101 para jovens que iam a qualquer show do Green Day. Este escritor não pode dizer quantas vezes ele viu Armstrong convidar um garoto exasperado no palco para tocar a música, apenas para deixá-lo ficar com a guitarra imediatamente depois. Claro, parece um acordo de patrocínio com o Guitar Center, mas é fofo.

Canção do Século: Basta um coração despedaçado para saber que o Big L é um par apertado de Bad Idea Jeans. Esse é, em última análise, o conceito de “Going to Pasalacqua”, que mostra Armstrong olhando para o fundo do poço no trampolim, debatendo impiedosamente sobre se ele deve ou não mergulhar em outro relacionamento.

Ele tem suas razões, acima de tudo é que ele simplesmente não pode viver sem ela. Se você não consegue se relacionar com esse sentimento, então você precisa sair mais de casa, ou talvez você tenha tido sorte com os relacionamentos. Para os não tão sortudos, esta pedrinha é algo para guardar no bolso de trás para sempre, ou pelo menos até que seja necessário. Em outras palavras, nunca, nunca, nunca envelhecerá.

No final:  Mesmo neste estágio inicial de sua carreira, era óbvio que o Green Day era um corte invejável acima da maravilha do punk rock que estava saindo da Califórnia no final dos anos 80. Armstrong estava cantando com seu coração sangrando e polpudo em suas mãos, descaradamente franco em suas admissões de amor, depressão e angústia, e isso foi uma coisa bastante reveladora. Como Larry Livermore, da Lookout!, disse uma vez a Rob Harvilla : “Eu soube em 30 segundos desde a primeira vez que os vi que eles tinham potencial para serem ótimos”.

Não é tão complicado, no entanto; O Green Day sempre capitalizou em coisas simples como melodia e ganchos, lembrando outros hitmakers como Jan e Dean ou The Everly Brothers. Esse talento é óbvio desde o início de 1.039 , desde as faixas de abertura (“At the Library”, “I Was There”) até a lista de faixas (“1,000 Hours”, “The One I Want”). Ao todo, é uma bagunça confusa e levemente agravada, mas há uma inocência ingênua à mão que é inegavelmente sedutora.

07. Desdobramento do Século 21 (2009)

Brain Stew: Depois do fenômeno global do American Idiot de 2004 , todos entenderam que levaria algum tempo até o Green Day lançar outro disco. Além disso, eles estavam se mantendo ocupados, fazendo turnês pelo mundo, lançando álbuns ao vivo e espremendo literalmente cada gota de sua amada ópera rock. Por volta de 2006, no entanto, Billie Joe Armstrong começou a fazer demos de faixas para seu oitavo trabalho de estúdio, trabalhando fortemente no piano e apoiando-se liricamente em sentimentos assustadores de ser um punk rocker de meia-idade. Eventualmente, ele e a banda conceituaram cerca de 45 músicas em seu espaço de ensaio em Oakland antes de partirem para quatro estúdios na Califórnia com o veterano produtor Butch Vig.

Mais uma vez, Vig atingiu o ouro – especialmente considerando que o álbum ganharia Melhor Álbum de Rock no 52º Grammy Awards – e é sua produção que separou  21st Century Breakdown de seu antecessor de sucesso. Como é o caso de qualquer coisa que o baterista do Garbage toca, é abrasivo e, no final das contas, elegante. Há um polimento amplificado nesta ópera rock que destaca a variedade de sons à mão – veja: as vibrações do Oriente Médio em “Peacemaker” ou a teatralidade valsa de “¿Viva la Gloria? (Little Girl)” – sem se sentir tão espalhafatosa.

Talvez estressado com as expectativas, Armstrong manteve suas letras espalhadas perto do peito, esperando no final do processo para finalmente revelá-las para Vig e a banda. Seja o que for cara, funcionou.

Lanternas de Papel: Armstrong não foi o único com grandes expectativas. A arte do álbum de American Idiot foi uma grande parte do que fez o álbum ressoar tanto com os fãs em todo o mundo. Semelhante ao The Wall , do Pink Floyd , os componentes visuais se entrelaçaram com a música – pense em quantas vezes você viu aquela granada de coração sangrando no meio do ano – e quando chegou a hora do acompanhamento, essa tarefa foi entregue novamente ao artista Chris Bilheimer.

Desta vez, Bilheimer foi influenciado pelo renomado artista de rua Sixten, cujo casal grafitado se tornou o disfarce temático do álbum. Na época, alguns argumentaram que era muito semelhante à arte de Banksy para Think Thank do Blur , e eles não estavam exatamente errados. Com toda a justiça, a obra de arte era um pouco semelhante ao American Idiot  e provavelmente por isso alguns cínicos escreveram o álbum como um mergulho duplo.

Kill the DJ: Mas aqueles que zombavam eram principalmente a minoria, para pegar emprestado um título do trio de Oakland. 21st Century Breakdown chegou a uma recepção calorosa, com apenas algumas vozes notáveis, como Robert Christgau, Slant e Pitchfork repreendendo o álbum. (Deve-se notar que a Pitchfork também deu ao American Idiot um esquecível 7.2, o que era realmente razoável para aquela época da publicação, mas ainda assim: contexto.).

Este escritor escreveu em sua crítica B+ : “ 21st Century Breakdown não tem as surpresas e a vantagem do campo esquerdo que salvou o American Idiot , mas é um álbum incrível que deve satisfazer até o pior dos pessimistas”. Quanto ao seu sucesso comercial, o disco estreou em primeiro lugar na Billboard 200, vendendo 215.000 cópias na primeira semana, e manteve essa posição por mais três semanas. Desde então, vendeu milhões de cópias em todo o mundo – não números de American Idiot , mas números, no entanto.

Tendo uma explosão: Embora não seja um grande single, por si só, “Know Your Enemy” foi uma blitzkrieg imparável quando a banda excursionou atrás do álbum no verão de 2009. Abrindo com a faixa, a multidão simplesmente perderia a cabeça, principalmente devido para a percussão de rally de Cool ainda mais adrenalina pelas letras de campanha de Armstrong e distorção enérgica. É repetitivo, claro, mas é mais ou menos isso que você quer de um hino de abertura, e este queimou todos os fãs do jeito certo.

Quase imediatamente, mosh pits se formavam e os fãs começavam a surfar na multidão em todas as aberturas – cães, gatos, histeria em massa. Em um nível mais superficial, a banda parecia legal pra caralho sempre que a tocava, e eles comiam cada lick, cada palavra e cada batida.

Longview:  Em outro movimento para distanciar ainda mais o álbum de American Idiot , a banda agradeceu ao diretor Samuel Bayer por todo o seu trabalho duro – ele fotografou vídeos para cada single de sucesso do LP, incluindo seu álbum ao vivo de 2005,  Bullet in a Bible – e trouxe de volta o ex-colaborador Marc Webb para três dos cinco vídeos do álbum. Após seu lançamento, o veterano diretor de videoclipes estava a um passo de revelar seu longa-metragem de estreia,  (500) Days of Summer , que viria à tona em julho daquele ano. Então, ele era uma espécie de mercadoria quente, mas como os fãs descobririam mais tarde com suas reinicializações para o Homem-Aranha, ele também poderia decepcionar.

Escusado será dizer que os vídeos de Webb para 21st Century Breakdown não foram muito memoráveis ​​e pálidos em comparação com o que a Bayer entregou anteriormente, mas ele teve seus momentos. “21 Guns”, com suas balas cintilantes ricocheteando em uma sala de estar, tenta despertar a magia cinematográfica que fez de “Wake Me Up When September Ends” um sucesso da MTV e sucesso na maior parte. Se alguma coisa, é muito mais interessante de assistir do que a montagem de imagens que Chris Dugan e M. Douglas Silverstein juntaram para “East Jesus Nowhere” ou o vídeo de performance que Matthew Cullen criou para “Know Your Enemy”.

Song of the Century: Quase uma década depois, é a faixa-título deste álbum que ainda fala mais alto da ambição férrea da banda. Ouvindo a música de cinco minutos, que soa como se fosse do The Who ou do Queen, é fácil entender por que eles seguiriam 21st Century Breakdown com uma trilogia de discos, já que eles estão sempre indo para o próximo grande obstáculo.

Mas isso não significa que seja uma música excelente; a faixa muitas vezes ignorada que sublinha sua grandiosidade e combina com o fervor melódico de seus maiores sucessos é “¡Viva la Gloria!”. O que começa como uma balada de piano rapidamente se transforma em um de seus roqueiros de assinatura, agitando com harmonias felizes e mudanças suficientes para manter as coisas frescas. Concedido, o nome Gloria estará para sempre ligado a Van Morrison, mas você tem que entregá-lo a Armstrong por pelo menos tentar. Este vai ficar, pelo menos por enquanto.

No final:  Apesar da narrativa solta do álbum envolvendo personagens como Christian e Gloria, 21st Century Breakdown parece um pouco mais pessoal do que American Idiot . Muito disso tem a ver com a maneira como Armstrong canta tantas músicas na primeira pessoa e com emoções que podem ser melhor descritas como íntimas. Também é um pouco mais variado, percorrendo uma variedade de sons não muito diferentes do álbum cruelmente subestimado de 2000, Warning .

Músicas como “Peacemaker”, “Last Night on Earth” e “Restless Heart Syndrome” são viradas à esquerda para a banda, como se eles decidissem imitar a segunda metade da carreira dos Beatles em oposição aos primeiros anos mais pop. Ainda assim, todo o estigma de ser outra repetição de American Idiot permanece e, em um mundo perfeito, eles poderiam ter optado pela simplicidade antes de tentar outra coisa tão conceitual. Hoje, 21st Century Breakdown parece mais uma coleção de ótimas músicas do que um ótimo disco, menos uma declaração e mais um álbum de recortes. Não que haja algo de errado com isso.

06. Ninrode (1997)

Brain Stew: Antes do trabalho de três cabeças que é  ¡Uno! ,  ¡Dos! , e ¡Tré! , os álbuns do Green Day podem ser vistos trabalhando em pares. 39/Smooth e Kerplunk são os álbuns formativos das ligas menores, Dookie e Insomniac  compreendem os heroicos alt rock arrogantes da banda, e American Idiot e 21st Century Breakdown são as óperas rock bombásticas de seu renascimento. Nimrod , então, poderia ser visto como um álbum de transição onde a banda começa a amadurecer – um surto de crescimento que seria ainda mais facilmente medido em seu sucessor, Warning .

A banda estava lidando com muita coisa na época. Eles estavam chegando aos 30 e agora tinham famílias para pensar, tocando em arenas lotadas em vez de clubes familiares, e sentindo a pressão que vem com a mudança de milhões de discos. Em vez de lançar o terceiro álbum “Green Day” em quatro anos, a banda optou por cancelar sua turnê européia e trabalhar em um disco que representasse quem eles eram e para onde eles se viam indo.

“Este é um disco no qual estivemos pensando nos últimos seis anos”, explicou Armstrong na época. “Sabíamos que queríamos mudar, mas não queríamos mudar muito em breve.” O resultado é uma miscelânea de canções independentes que mantém uma bota no passado enquanto a outra trilha um novo território musical e temático. É uma bagunça, mas brutalmente honesta e frequentemente bonita.

Paper Lanterns: A banda passou por três diretores de arte antes de Armstrong desembarcar em Chris Bilheimer, um amigo que havia desenhado a arte do álbum para REM Armado apenas com o título do álbum,  Nimrod , Bilheimer teve a ideia de vandalizar fotografias antigas usando o título, tirando assim a identidade dessa pessoa. De certa forma, a ideia parece se encaixar em um álbum em que a banda estava preenchendo as lacunas musicais para descobrir a verdadeira face do Green Day daqui para frente.

Kill the DJ: Críticos e fãs seguiram o Green Day em seu primeiro grande desvio de estúdio, o álbum sendo certificado com dupla platina em menos de três anos. Mesmo que a extensão inchada e a falta de coesão do disco pudessem torná-lo uma audição potencialmente esmagadora e frustrante, o sentimento parecia ser de que havia algo para todos nessa proverbial pia de cozinha de um álbum.

Tendo uma explosão: Pode não ter conquistado o mundo como um single, mas o baque suingante de “Hitchin’ a Ride” era um tipo de som que nunca tínhamos ouvido do Green Day antes. Desde os vocais suaves sobre a batida saltitante até as contagens gritadas até a explosão final e inesperada, é um passeio selvagem do início ao fim. Tem o potencial de ficar ainda mais louco em concerto, com Armstrong muitas vezes se dirigindo à multidão ou liderando um falso sermão de pregador sulista no meio da música, todos construindo a tensão para esse empurrão final climático. Apenas lembre-se: a música pode sair dos trilhos, mas você precisa se segurar nesse vagão.

Longview: Não tenho certeza se a monotonia visual de “Redundant” é melhor descrita como brilhante ou agravante, mas o vídeo da música de Armstrong sobre uma rotina de relacionamento de um metro e oitenta de profundidade permanece repetido e gravado em minha memória para sempre. Ainda assim, é uma ideia inteligente para representar esse sentimento de estar perpetuamente preso em padrões de relacionamento dos quais nos sentimos impotentes para nos libertar. Certifique-se de ficar por perto até o final do vídeo quando Armstrong quebrar o ciclo pegando o jornal da mulher vestida. Não tenho certeza se ele ajudou ou prejudicou a situação, mas é tão bom ver algo novo e espontâneo acontecer pela primeira vez em vários minutos.

Song of the Century: Quer dizer, você acha que conhece uma banda. Então eles te atingem com o acústico, com sotaque de cordas “Good Riddance (Time of Your Life)” enterrado no final de Nimrod . Então você descobre que Armstrong escreveu a música no Lookout! dias – Billie Joe, mal o conhecemos. Em retrospectiva, não é tão surpreendente que Armstrong tenha abordado essa música em particular. Afinal, muitas de suas outras canções ou mostravam uma ansiedade pelo envelhecimento ou uma sensação de nostalgia prematura. Para ele escrever uma música reflexiva sobre os tempos passados, mesmo que mal se registre acima de uma conversa suave, realmente não está fora do personagem.

Talvez o mais estranho de tudo seja que os fãs do Green Day que estavam com a banda desde Dookie agora encontravam seus colegas de classe não iniciados balançando ao som da música nos bailes da escola ou seus pais cantando junto. Foi a primeira vez que eu acho que entendi como os fãs originais de Gilman Street do Green Day podem ter se sentido quando a Reprise pegou a banda e a compartilhou com as massas. No final do dia, você está bem com sua mãe pegando emprestado seu CD do Nimrod , ou você não está. Eu só… não esperava.

In the End: A banda, os críticos e os fãs tendem a considerar o Nimrod como o álbum em que o Green Day amadureceu. Depois de quatro álbuns sendo adolescentes arrogantes, era hora de crescer. Ninguém poderia realmente negar que músicos com quase 30 anos mereciam finalmente deixar o porão da mamãe e do papai e olhar para o futuro. Isso significava que tudo acontecia no Nimrod , enquanto a banda tentava se encontrar.

O resultado foi uma coleção eclética que oscilou entre atualizações no som tradicional da banda e experimentos que viram cordas, violinos, trompas e gaita preenchendo onde o rock básico de guitarra de três acordes costumava ser. Os temas líricos de Armstrong também mudaram para a idade adulta: concentrando-se mais em manter relacionamentos sérios (“Redundant”), envelhecer graciosamente (“The Grouch”) e apreciar, mas não mais cor-de-rosa, o passado (“Good Riddance”). Se o Nimrod errar ou parecer uma bagunça às vezes, ele o faz honestamente. Afinal, não importa quantos anos tenhamos, descobrir quem somos nunca é um negócio simples ou arrumado.

05. Insônia (1995)

Brain Stew:  Como você segue um álbum que transformou sua carreira, afetou a vida de milhões e mudou o cenário do rock and roll ao trazer o pop punk para o mainstream? Bem, se você é o Green Day, você age como se nada disso tivesse acontecido. Apenas um ano após a gravação , Dookie , Armstrong, Dirnt e Cool reuniram-se ao produtor Rob Cavallo – desta vez no Hyde Street Studios em San Francisco – para um acompanhamento que parece totalmente despreocupado em superar seu antecessor ou se distanciar do estilo esnobe e adolescente. atualidade que tornou a banda muito popular em primeiro lugar. Considere a Insomniac  uma segunda porção um pouco mais pesada de uma refeição que teve um sabor vergonhosamente saboroso na primeira vez que desceu pelo esôfago.

Lanternas de Papel: Como Dookie , a obra de arte da Insomniac envolve o máximo de estímulos visuais possível. O artista de colagem Winston Smith, também conhecido por seu trabalho com Dead Kennedys, salpicou a peça não apenas com representações excêntricas como um chimpanzé em um triciclo e uma mulher segurando um homem adormecido em uma rede sob a mira de uma arma, mas também com várias imagens ocultas, incluindo um mulher nua (chamou sua atenção), três fadas e rostos assustadores nas chamas. (Ainda não encontrei Jimmy Hoffa lá, mas estamos procurando.) Smith também colocou três caveiras na arte, uma para cada membro da banda. Dois são rápidos de detectar, mas o terceiro realmente exige que você incline a imagem em um ângulo. (Vá em frente. Vamos esperar enquanto você tenta.) Faz cachorros jogando fezes parecerem bastante elementares, não é?

Kill the DJ:  Logo após sua estreia em uma grande gravadora, a Insomniac geralmente recebeu elogios entre críticos e fãs. Com Dookie ainda dominando as ondas de rádio, ninguém se opôs a um segundo hit do que recentemente despertou a imaginação do rock alternativo. Os poucos críticos do álbum citam a falta de crescimento da banda (merda, foi apenas um ano depois), mas é difícil encontrar rachaduras maiores do que linhas finas nas composições de Armstrong neste momento. Na verdade, é notável que a banda tenha lançado um segundo lote de músicas tão estelares em um período tão curto. Depois de anos definindo e tonificando seus músculos pop punk, a Insomniac encontra o Green Day flexionando e se pavoneando. E por que diabos não?

Tendo uma explosão:  Quando a base de fãs original da banda Gilman Street se voltou contra eles após o trio deixar Lookout! Records para Reprise, Green Day avançou. Isso não significa que não doeu, no entanto. “86” revisita esse sentimento de rejeição em uma blitz simplificada que mostra o quão perfeitamente Armstrong sabia como lidar com melodias simples. Não é tocada ao vivo com frequência, mas quando acontece, é um lembrete de que às vezes não há como voltar atrás. E, não, a banda não tocou a música quando eles voltaram para Gilman para um evento beneficente secreto em 2015. Isso teria sido perfeito demais.

Longview:  O tédio geral da adolescência de “Longview” foi substituído por um tédio mais específico, desta vez de insônia, em “Brain Stew”, oficialmente acoplado com “Jaded” como single. Deixe isso para uma música com a palavra “Stew” em seu título para exemplificar o som mais denso e encorpado que a Insomniac  ergueu sobre seu antecessor mais leve e animado. E enquanto alguns podem se lembrar da banda passeando despreocupadamente em meio a calamidades ( “Walking Contradiction” ) ou a violência dos desenhos animados de Winston Smith que teve “Stuck with Me” banido pela MTV USA, nenhuma imagem dos videoclipes do álbum sobrevive como ver a banda pegar uma carona no sofá xadrez do porão da mamãe e do papai em meio a montanhas de lixo. Mente na sarjeta e um sofá no lixo. Parece correto.

Canção do Século: Como nenhum dos singles da Insomniac encantou o público como os de Dookie , o disco parece mais um todo do que algo que você divide em faixas individuais. Mas se uma música dura sozinha, pode ser “Geek Stink Breath”. O corte, um exemplo de um Green Day mais sombrio e desgastante, segue um caminho de autodestruição que Dookie apenas fantasiou. “Estou em uma missão / tomei minha decisão”, promete Armstrong, “liderar um caminho de autodestruição”. Sua declaração de missão é jogar sua vida pelo ralo. Isso é muito escuro, não?

No final: É mais do que um pouco injusto que a Insomniac  provavelmente fume para sempre na sombra de Dookie . Esse é o único crime real. Ele seguiu diretamente um dos álbuns que definiram a geração dos anos 90 – e eu quero dizer diretamente . Cavallo e a banda estavam gravando o disco apenas sete meses após  o lançamento de Dookie . Mas enquanto nenhum single do álbum capturou a imaginação das massas como “Basket Case” ou “When I Come Around”, de cima para baixo, o álbum mostra o Green Day flexionando seus músculos pop punk perfeitamente desenvolvidos em um caso mais apertado e simplificado. que joga quase tão sólido quanto Dookiemas sem alarde. É uma meia hora infernal que você nunca vai cochilar durante. Agora, tente dormir um pouco.

04. Kerplunk (1992)

Brain Stew: Kerplunk  custou US$ 1.200 para gravar, e a banda arrasou com um nível de urgência que se reflete na própria música. Ainda assim, é um registro limpo, se não nítido. Traços de fadiga permanecem nos cantos, e a música de brincadeira “Dominated Love Slave” interrompe implacavelmente as coisas boas em cada extremidade, mas a banda foi capaz de explorar seus meios lo-fi para capturar sua energia ao vivo, que é basicamente tudo o que qualquer banda novata pode esperar ao gravar seu primeiro álbum.

Duas versões diferentes foram finalmente lançadas, uma versão em vinil de 12 faixas compreendendo as sessões de Kerplunk e uma versão em CD/cassete de 16 faixas que inclui o EP Sweet Children  de quatro músicas .

Lanternas de Papel: Simples e perfeita, a capa de Kerplunk  mostra uma garota sorridente brandindo uma pistola fumegante. Não deve ser surpresa que a contracapa mostre sua vítima, no chão e sangrando nas costas. Foi banido por algumas lojas na época, e provavelmente seria banido por mais agora.

Kill the DJ: Kerplunk  foi mais um sucesso de boca em boca do que um queridinho de crítica, com os elogios dos punks na 924 Gilman Street de Berkeley significando mais para o Green Day do que qualquer zine. As revisões retrospectivas, no entanto, são principalmente positivas. Pitchfork e AllMusic são rápidos em notar que as habilidades de composição de Armstrong eram quase tão fortes aqui quanto em Dookie , com AllMusic chamando-o de “perfeita execução seca”.

Tendo uma explosão: “2,000 Light Years Away”, uma música que você ouvirá se der uma olhada nesta turnê posterior. É uma faixa ao vivo duradoura para a banda, mesmo porque serve como um presente para a) qualquer um que já se preocupou em explorar seu catálogo pré – Dookie ou b) quaisquer vovôs na platéia que seguiam a banda há muito tempo. É um tipo diferente de energia que acende durante esses acordes abertos, que evoca as raízes punk da banda através do artesanato ao invés da apresentação. Também é simplesmente cativante.

Palavras que eu poderia ter comido (controvérsia de direitos): Green Day provavelmente sentiu uma conexão com suas raízes de Berkeley via Lookout! Records, o selo independente que lançou Kerplunk  e 39/Smooth e estava, pós- Dookie , colhendo os benefícios monetários de ser um dos primeiros apoiadores. Em 2005, no entanto, o Green Day rescindiu os direitos autorais desses discos, essencialmente prejudicando a gravadora e causando seu fim.

Antes de condenar esses shills corporativos, no entanto, considere que Lookout! não estava pagando seus devidos royalties, nem para o Green Day ou para qualquer outra banda, incluindo Operation Ivy e Screeching Weasel. Não é muito punk, hein? Bem, nem foder com as bandas que você diz amar. Ninguém parece ter qualquer vitríolo duradouro para Lookout!, mas um acordo é um acordo.

Canção do Século: Uma versão inicial de “Welcome to Paradise” pode ser encontrada no Kerplunk , e que, junto com “2,000 Light Years Away”, são provavelmente as únicas músicas que você vai ouvir do álbum nos dias de hoje. era. Dito isso, poucos fãs nomeariam uma das duas como a melhor música do álbum, que é, sem dúvida, “Who Wrote Holden Caulfield?” Um lamento para o maconheiro esquecido, a música pulsa com uma urgência que transcende suas raízes. O refrão é puro fogo, um precursor tão claro de “Longview” quanto você poderia pedir.

In the End: Kerplunk  é o som de uma banda que só precisava de alguém com dinheiro para acreditar neles. A química da banda era evidente, as letras de Armstrong ganhavam dimensão e as composições já mostravam uma fusão harmoniosa de punk e pop. É um  Green Day de primeira linha? Não particularmente. Não há nada de atemporal ou de quebrar barreiras em Kerplunk , mas há o som de uma banda que tem potencial para dominar o mundo. Algumas bandas precisam de dinheiro para soar bem; O Green Day só precisava de dinheiro para ser ouvido.

03. Aviso (2000)

Brain Stew: É seguro dizer que Billie Joe e os meninos não se sentiriam à vontade para fazer Warning se não fosse pelo sucesso de “Time of Your Life” do Nimrod . Parecia que as pessoas queriam uma versão mais suave e introspectiva do Green Day, afinal. Isso foi bom para Armstrong, que passou grande parte de seu tempo gravando ouvindo Bob Dylan e escrevendo a partir de um lugar de consciência social.

Para ajudá-los a aprimorar essa abordagem, eles deram um passo atrás do produtor de longa data Rob Cavallo, optando por trabalhar com o produtor de rock alternativo Scott Litt, que trabalhou em Automatic for the People e Monster do REM . Infelizmente, Litt não se encaixava bem, então a banda trouxe Cavallo de volta como consultor e fez a maior parte da mixagem por conta própria. Esta foi provavelmente a melhor escolha para uma banda que a maioria das pessoas achava que tinha atrelado; O Green Day não estava tentando se reinventar com Warning , mas está claro que a última coisa que eles queriam fazer era outro disco punk.

O resultado parece muito mais moderado do que seus esforços anteriores, mais limpo e mais focado. Também lhes deu maior liberdade em termos de estilo, com a banda usando “Misery” para explorar ainda mais seu interesse pela instrumentação klezmer e “Hold On” como uma forma de exibir sua propensão ao folk pop (e imitar os Beatles).

Lanternas de Papel: O aviso não soa apenas diferente – parece diferente. Acabaram-se as ilustrações esparsas e as colagens descuidadas dos discos anteriores; A capa de Warning é simplesmente uma foto: a banda, olhando contemplativa enquanto passam pela Blossom Bakery na Chinatown de San Francisco. Se a escolha foi consciente ou não, grita que este é o álbum “maduro”.

Mate o DJ: Pelos padrões do Green Day, não é ótimo. Robert Christgau elogiou o “crescimento artístico” da banda, e o The Village Voice o considerou o melhor trabalho da banda. Outros, como NME e Rolling Stone , não tinham vontade de ouvir músicas mais leves sobre consciência social da “banda mais vendida do snot-core”. Fat Mike do NOFX disse que era o pior álbum deles, se isso fosse algo que você gostaria de saber.

Houve uma valorização renovada nos últimos anos, no entanto, com Warning se destacando entre o catálogo coletivo do Green Day como uma mudança distinta e bem-sucedida na transição da banda de punk rock para stawars de estádio. MTV e AllMusic escreveram elogios retrospectivos, e até a Rolling Stone ofereceu uma visão mais positiva.

Tendo uma explosão: “Minority”, mesmo porque é literalmente uma das músicas mais alegres já gravadas. Rápida, vibrante e cheia de rebelião vital (“abaixo a maioria moral!”), a música é do tipo que pode fazer um estádio inteiro cantar junto. Eles ainda estão jogando, também. Em shows ao vivo recentes, a banda usou “Minority” como um grito de guerra em suas críticas ao candidato presidencial Donald Trump.

Longview: O vídeo de “Waiting” marca a primeira colaboração da banda com o cineasta Marc Webb, que voltaria a trabalhar com a banda com o lançamento de 21st Century Breakdown . A premissa é simples – uma horda de adolescentes barulhentos destroem uma casa velha enquanto a banda toca ao fundo – mas seu talento é evidente na maneira como ele cronometra seus movimentos para os fluxos e refluxos da música, sem mencionar sua capacidade de preencher cada centímetro. do quadro com ação de preensão.

Canção do Século: “Minority”, sem dúvida. É a música mais cativante e atemporal de Warning , o tipo de faixa que, até hoje, continua a dar aos pré-adolescentes uma maneira de articular e transmitir sua raiva em um mundo injusto.

No final: Aviso é um dos discos mais inteligentes e coesos do Green Day. Restrição nunca foi um dos pontos fortes da banda, mas aqui eles criaram um álbum que é tão elegante quanto progressivo, uma afirmação clara de que há mais nas mangas da banda do que tatuagens e cicatrizes de queimaduras. É o melhor tipo de registro de transição, com sua capacidade de equilibrar zombarias vintage do Green Day com experimentos eficazes em objetivo e estilo. Tudo é consertado aqui, desde a ênfase pop até a influência folk e as letras pontiagudas. Que nada disso é alienante é uma prova da versatilidade e perseverança do Green Day.

02. American Idiot (2004)

St. Jimmy’s Watchin’: As coisas acontecem por uma razão. Em retrospectiva, pode-se argumentar que foi o destino que alguém roubou as gravações master do Green Day para Cigarettes and Valentines , sua sequência inicial de Warning , de 2000. , de 2000 . Dizia-se que o disco era um retorno aos primeiros dias da banda, evitando as melodias folclóricas e acústicas que deram sabor aos seus dois últimos trabalhos. Como Dirnt insinuou na época: “Tivemos uma boa pausa de fazer música difícil e rápida, e isso nos fez querer fazê-lo novamente”.

A julgar pelas músicas que surgiram ao longo dos anos – a faixa-título apareceu no álbum ao vivo de 2011,  Awesome as Fuck ; “Olivia” foi apresentada durante a mesma apresentação, embora não incluída no álbum; e “Too Much Too Soon” tornou-se um lado B de “American Idiot” – Armstrong estava absolutamente certo ao chamar o roubo de “bênção disfarçada”. É injusto chamar as músicas de esquecíveis, mas elas empalidecem em comparação com as grandes composições que se seguiriam em  American Idiot .

Brain Stew:  Nos primeiros anos, as tensões estavam em alta para o trio. Cada membro tinha dúvidas se eles queriam ou não manter as coisas à tona, especialmente após o lançamento de sua compilação de grandes sucessos de 2001, International Superhits! , que parecia o começo do fim. Com Cigarettes and Valentines , eles tentaram encontrar algo novo, algo que mudasse seus espíritos, para que você pudesse imaginar sua decepção imediata quando as fitas foram roubadas.

Isso tudo mudou quando eles se voltaram para o produtor Rob Cavallo, que simplesmente perguntou se o que eles haviam perdido capturou a banda no seu melhor. Nenhum membro acreditou tanto, e então eles voltaram voluntariamente ao estúdio, e os três respectivamente arrancaram pedaços de engenhosidade abrupta. Como Armstrong explica: “Começou a ficar mais sério à medida que tentávamos superar um ao outro. Continuamos conectando esses pequenos pedaços de meio minuto até termos algo.” Você sabe, uma ópera punk rock.

Influenciados pelos Beatles e The Who, Armstrong, Dirnt e Cool se estabeleceram em seu espaço de ensaio em Oakland, até mesmo conectando uma estação de rádio pirata da qual eles transmitiam jam sessions e vários trotes. Cavallo esteve presente nesses momentos, guiando-os enquanto esculpiam hino após hino. Para mais conselhos, Armstrong alugou um loft no East Village em Nova York e saiu com os cantores e compositores Ryan Adams e Jesse Malin.

No papel, tudo isso soa como uma lenda do rock – as coisas que você faz para encontrar “grandeza” – mas foi mais um lifting facial muito necessário. Graças à direção paciente e prática de Cavallo, a banda ressurgiu não apenas soando nova, mas parecendo nova. Era o Green Day 2.0, uma nova era para uma banda icônica que poderia facilmente ter sido deixada para morrer em futuras Warped Tours. Em vez disso, eles estavam à beira de uma alta sem precedentes, correndo com o conhecimento de que estavam finalmente no seu melhor.

Lanternas de Papel:  Como qualquer rebranding corporativo, o Green Day teve que reaproveitar cada faceta de suas vidas, de suas roupas a seus penteados, de seus vídeos a suas obras de arte. Para plantar essa semente, a banda recorreu ao colaborador frequente Chris Bilheimer, que havia desenhado as capas de Nimrod e International Superhits! , e com bastante sabedoria, ele se inspirou nas letras do álbum, especificamente na linha em “She’s a Rebel” quando Armstrong canta: “E ela está segurando meu coração como uma granada de mão”.

Imediatamente, tudo ficou preto, branco e vermelho com cada desenho certamente político – lembre-se, essa era a época de Bush e Iraq: The Sequel – e muito daquela imagem influenciou não apenas a mitologia do álbum, mas seu alcance geracional. Os fãs não apenas ouviram o álbum; eles viveram isso, e você pode ver isso em todos os shows do Green Day durante esse período, onde todos os jovens apareciam vestidos com esmero, você adivinhou, vermelho, branco e preto. Foi fodidamente surreal.

Kill the DJ: Bem, vamos ver… American Idiot foi o primeiro álbum número 1 da banda, vendendo 267.000 cópias apenas em sua primeira semana, para a qual passou 101 semanas de quebrar o queixo no gráfico, permanecendo no top 10 por quase um ano. Em 2005, o álbum ganhou Melhor Álbum de Rock e Gravação do Ano (“Boulevard of Broken Dreams”) no 47º Grammy Awards, levou para casa sete de suas oito indicações no MTV Video Music Awards e, desde então, vendeu cerca de 15 milhões de cópias em todo o mundo.

Escusado será dizer que é um disco de diamante, mas que é ainda mais elevado por seus excelentes elogios da crítica. Os críticos de rock adoraram na época, e eles o colocaram em um pedestal ainda mais alto mais de uma década depois, já que fica confortavelmente no 225º lugar nos 500 melhores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone e no 13º no 100 da Kerrang . Maiores Álbuns de Rock de Todos os Tempos .

Tendo uma explosão: Nada em American Idiot  chega perto da teatralidade impressionante de “Jesus of Suburbia”, pelo menos no palco. O épico de nove minutos da banda destaca os pontos fortes de cada membro do trio – ei, até mesmo o quarto membro frequentemente ignorado Jason White – e as dezenas de mudanças ainda parecem frescas e emocionantes depois de uma década. Parando para pensar, o hino do punk rock de várias suítes não funciona diferente de um McLanche Feliz do McDonald’s, e se você fosse um garoto gordo impaciente como esse escritor crescendo, saberia como cada componente das refeições lascivas de Ronny McDonny era um prazer separado para ser apreciado.

O mesmo vale para “Suburbia”, que Armstrong descompacta da mesma forma com cada verso, ponte e intervalo instrumental. O brinquedo brilhante e gorduroso no final chega quando ele deixa todos terminarem a música da maratona com ele, cantando: “Contos de outro quebrado…” Bem, você sabe o resto, e é por isso que deve ser sempre uma inclusão obrigatória em qualquer um de seus setlists.

Longview: Ria o quanto quiser, mas foi muito legal quando Jamie Bell e Evan Rachel Wood apareceram no vídeo de “Wake Me Up When September Ends”, mesmo que o resultado final tenha sido bastante exagerado e dramático. Ainda assim, você tem que aplaudir o diretor Samuel Bayer, que continuamente se superou durante todo o ano quando ele continuou retornando com o próximo videoclipe em demanda para a próxima música em demanda que conquistou as ondas de rádio.

Olhando para trás, porém, pode ser a absoluta simplicidade de “American Idiot” que está acima do resto. Bayer, que será para sempre lembrado por ajudar o Nirvana a definir uma geração com seu vídeo de “Smells Like Teen Spirit”, chega perto de capturar a mesma energia com “American Idiot”, transformando uma bandeira verde americana em uma bagunça aquosa. Novamente, é o esforço mínimo aqui que parece tão revigorante. Vídeos de performance raramente são tão memoráveis, e não se pode deixar de pensar que ele acrescentou à aparência de um álbum que era tanto sobre aparência.

Canção do Século: As pessoas gostam de esquecer como certas músicas realmente eram imparáveis ​​quando surgiram inicialmente. Por uns bons três anos, você não conseguiu escapar dos singles deste álbum, especialmente “Boulevard of Broken Dreams”, “Holiday” e “Wake Me Up When September Ends”. E é provavelmente por isso que eles não vão durar para sempre, infelizmente, pelo menos não sem alguma forma de revirar os olhos e “Oh Deus, lembra quando essa música era enorme?” É estúpido, é injusto, mas ei, é o triste destino de qualquer grande sucesso.

Mas virá em ondas, e quem sabe, talvez “September” tenha uma segunda vida como “Don’t Stop Believing” do Journey, que mais uma vez veio e se foi da cultura pop. Então, olhando para as faixas, se formos escolher uma que resista ao teste do tempo, pode ter que ser algo popular, mas não muito popular, e isso é facilmente “Letterbomb”. Embora nunca tenha sido um single, sempre foi o azarão, o hino não cantado que os obstinados adoravam. Agora? É um grampo consistente de suas setlists. Mas realmente, quem diabos estamos enganando, nunca vamos parar de ouvir “Boulevard of Broken Dreams”, “Holiday” e “Wake Me Up When September Ends”.

No final:  Com o tempo, American Idiot provavelmente será a maior conquista do Green Day. É tanto uma força comercial que nunca para de dar – passou de uma produção da Broadway para um próximo filme da HBO  – e um queridinho da crítica que não para de encantar. E se o gênero continuar a cair em novos patamares, como vem acontecendo na última década, também pode ser o último álbum de rock a desencadear um fenômeno global, transformando ouvintes casuais em obstinados e músicos em substitutos (veja: My Chemical Romance) .

Novamente, é tudo sobre o retorno, e o Green Day fez o impensável. Este álbum foi como o retorno de Jordan aos Bulls em 1995, um choque em um sistema que não quebrou exatamente, mas provavelmente nunca mais iria pular nenhum obstáculo novamente. É revelador que American Idiot pode, sem dúvida, fazer você esquecer que o Dookie de 1994 já existiu. Tudo era diferente, mas, ao mesmo tempo, nem tudo era tão diferente — era mais ou menos um upgrade. Mas não se pode dizer o quanto são raras atualizações dessa magnitude no rock ‘n’ roll. Isso simplesmente não acontece… e quer saber? Provavelmente nunca mais será.

01. Dookie (1994)

Brain Stew: Depois que o Kerplunk atingiu o ouro indie, o Green Day se viu em uma encruzilhada. Eles poderiam dobrar seu ethos punk DIY (efetivamente construindo um teto comercial auto-imposto) permanecendo com o Lookout! Records ou se deixam cortejar por grandes gravadoras. A escolha não era totalmente óbvia. Afinal, a banda já havia rejeitado propostas da IRS Records no passado e se sentiu tão fortemente sobre essa decisão que cartas recusando o acordo podem ser encontradas na capa interna de 39/Smooth . Mas, em última análise, a atração do apoio de grandes gravadoras provou ser muito tentadora, e uma amizade que se formou rapidamente com o representante e produtor da Reprise Records, Rob Cavallo, selou o acordo que encerrou os dias indie do Green Day.

Esse salto para a Reprise é provavelmente o motivo pelo qual você está lendo isso hoje. Isso não quer dizer que o Green Day não teria feito alguns estragos no circuito indie, mas de jeito nenhum Dookie teria permeado a cultura popular, já que alguma versão dele foi lançada em um pequeno selo com distribuição relativamente escassa.

Alerta de crédito! e o indie se classifica como o campo de treinamento da banda, onde eles moldaram seu som e estilo, aprenderam a criar ganchos e melodias inegáveis, lançaram um disco bastante clássico por direito próprio ( Kerplunk ) e desenvolveram o material que se materializaria em Dookie em apenas três curtas semanas de gravação com Cavallo no comando. A regravação de “Welcome to Paradise” para sua estreia em uma grande gravadora pode até ser vista como a banda tentando permanecer conectada às suas raízes punk. Infelizmente, nem todos os fãs do Green Day se sentiram assim sobre a banda pegar uma carona para o horário nobre. Mais sobre isso abaixo.

Mate o DJ:  Depende de quem você perguntar. Se você conversar com os críticos, consultar as paradas da Billboard ou viajar no tempo de volta para falar com alguém na minha mesa de almoço da sexta série, você só ouvirá elogios sobre Dookie – e talvez uma risadinha reprimida ou três sobre o título do álbum. No entanto, pergunte à base de fãs original da 924 Gilman Street sobre Dookie , e você pode ter um punhado disso jogado na sua cara.

Enquanto o resto do mundo abraçou a injeção de pop punk do Green Day no mainstream, muitos fãs originais viram sua saída do Lookout! Registros de pastagens mais verdes na Reprise como alta traição. Duas décadas depois, parece que esses primeiros fãs podem finalmente ter chegado. 924 Gilman Street suspendeu a proibição (sim, houve uma proibição real do Green Day) e abriu suas portas para a banda em 2015 para um show beneficente secreto. Próxima parada, a Loja de Presentes Gilman Green Day? Eh, talvez em mais alguns anos.

Lanternas de papel:  a arte de Dookie está entre as mais icônicas dos anos 90, talvez apenas superada por aquele bebê nu remando depois de um dinheirinho rápido em uma piscina . Ironicamente, além do nome da banda proeminentemente esboçado em verde ganja, eu não acho que a maioria das pessoas poderia relacionar muitos dos detalhes da arte. Tem que ser uma das capas de álbum mais movimentadas de todos os tempos, completa com cachorros jogando bombas (que colocaram a banda na casinha de cachorro) e vomitando fezes, tornando-a memorável, mas também difícil de se concentrar nos detalhes mais sutis.

Mais uma vez, o Green Day pode ser visto prestando homenagem às suas raízes em Berkeley/Gilman Street, Armstrong apontando que o artista e músico local Richie Bucher na verdade desenhou detalhes como um fotógrafo regular de Gilman, um policial local e alusões a outros atos da Bay Area e o influências da banda. O estilo de desenho de caderno da arte também parece adequado, considerando quantas vezes eu vi um colega de classe rabiscando o nome ou a letra da banda durante a aula de álgebra.

Tendo uma explosão: Comparado com os principais singles de Dookie , “Burnout” raramente é tocada ao vivo. Mas quando isso acontece, nunca há um pingo de decepção. Essa salva de abertura que mostra Armstrong proclamando: “Declaro que não me importo mais” bombardeou nossos tímpanos milhares de vezes, e ainda assim o sentimento nunca soa cansado ou parece insincero. É uma letra codificada no DNA de nossa geração descontente tanto quanto “Aqui estamos agora, nos entretenha”, “Sou um perdedor, baby, então por que você não me mata?” ou “Apesar de toda a minha raiva, ainda sou apenas um rato em uma gaiola”.

Não importa o quanto amadurecemos e o quão bem ajustados nossos treinadores de controle da raiva nos asseguram que nos tornamos, ainda há aqueles dias em que sentimos que nos esgotamos muito mais do que crescemos.

Longview:  Pode ser a pergunta mais reconhecível do rock alternativo dos anos 90: “Você tem tempo para me ouvir lamentar?” Encolhendo a própria cabeça em uma nuvem de fumaça de maconha, “Basket Case” deu origem às crescentes preocupações de Armstrong sobre sua própria saúde mental antes de ser finalmente diagnosticado com transtorno de pânico. A genuína confusão e ansiedade palpáveis ​​neste roqueiro esquizofrênico são amplificadas pelo vídeo sendo filmado em uma instituição mental abandonada.

Entre a estrutura maníaca da música, o comportamento nervoso de Armstrong e a paleta de cores brilhante e conflitante adicionada no post, os espectadores têm a sensação de que a banda – e possivelmente até eles mesmos – estão prestes a voar sobre o ninho do cuco a qualquer segundo. Então, novamente, talvez estivéssemos apenas chapados.

Canção do Século:  Com 20 milhões de cópias circulando por aí e adolescentes entediados, solitários e alienados como sempre, Dookie não perderá sua relevância tão cedo. É um dos poucos álbuns dos anos 90 que durará por completo e continuará a ressoar à medida que os novos adolescentes descobrem seu conteúdo descontente. O que eles vão se agarrar primeiro, no entanto? Não é difícil acreditar que eles vão arranjar tempo para ouvir Billie Joe lamentar na esquizofrênica “Basket Case”. Chame isso de estupidamente simples, nerds de teoria musical, mas aquele riff de “When I Come Around” será tocado descuidadamente em garagens e ecoará pelas janelas dos carros de segunda mão dos adolescentes muito depois de todos nós termos chutado.

Mas talvez, apenas talvez, eles encontrem algum consolo, como nós, na ode final de Armstrong ao tédio e à solidão: “Longview”. Grande parte da adolescência se resume a esperar – pelo telefone, pelo carro, pela garota, por uma fuga de sermos as criaturas desajeitadas e inseguras que somos e parecemos destinados a sempre ser. Até que eles inventem uma cura mais rápida para a adolescência do que para crescer, os adolescentes provavelmente continuarão puxando sofás xadrez e inalando, hum, a linha de baixo que desencadeia Funyuns de Mike Dirnt. Há maneiras muito piores de desperdiçar nosso tempo. Deus sabe que nós os experimentamos.

No final:  Por mais que amássemos Dookie  desde o início, não tenho certeza se algum de nós poderia prever um cenário em que ainda estaríamos falando sobre o álbum mais de duas décadas depois. Fido jogando fezes ou não, simplesmente não há como prever como algo – especialmente um álbum de juvenis – envelhecerá junto com a gente. Mas aqui estamos nós, defendendo – e, mais interessante, ainda nos relacionando com – um álbum que a maioria de nós encontrou como pré-adolescentes. Parte desse apelo duradouro fala de como a idade adulta muitas vezes não parece mais razoável do que a adolescência.

De fato, se a rejeição, o anseio e a nostalgia prematura de  39/Smooth e Kerplunk apontaram um dedo desconfiado para o futuro, Dookie praticamente confirmou que crescer é uma droga. Mas raramente o tédio, a solidão e a alienação foram empacotados tão perfeitamente, cada gancho, preenchimento de bateria, linha de baixo e entrega arrogante uma masterclass em canções sinceras e irresistíveis. Se você estava alienado e com raiva (“Tendo uma explosão”), confuso e chegando a um acordo (“Coming Clean”), ou apenas entediado e solitário (“Sassafras Roots”), Dookie  ofereceu um companheiro sofredor para se relacionar. E essa é realmente a única mensagem que vale a pena ouvir nessa idade: você está sozinho, mas não está sozinho.

Fonte: Consequence Sound